e digo mais...

Take 2

2009-08-17T15:02:00.002-03:00

Este blog subiu na vida e mudou de endereço

Seguimos dizendo mais, agora aqui.

Simonal - Ninguém Sabe o Duro que Dei

2009-07-30T10:41:00.006-03:00

Ainda dá tempo de assistir o ótimo documentário de Cláudio Manoel (ele, mesmo, o do Casseta e Planeta), Micael Langer e Calvito Leal sobre um dos maiores cantores brasileiros, Wilson Simonal. Minha recomendação, no caso, tem um certo peso porque eu não sou público-alvo desse filme: não gosto de música brasileira, tudo o que sabia sobre o Simonal era que ele era pai do Simoninha e do Max de Castro, e ultimamente ando com uma preguiça monstro para assistir documentário. Mesmo assim, eu me diverti bastante, além de me emocionar no finalzinho. E DIGO MAIS: até baixei umas músicas do cara que, putz, são boas mesmo.

Um dos pontos positivos do filme é a duração: 84 minutos, tempo perfeito para explicar quem era o cara sem contar absolutamente tudo sobre todas as fases de sua vida. Do período antes da fama, sabemos só o básico: nasceu no Rio, era filho de uma empregada doméstica, serviu no Exército, conheceu o Carlos Imperial, deu um salto na carreira e se tornou não apenas um cantor profissional como também um verdadeiro showman, comandando a cantoria da plateia em um programa de TV. Até aí, tudo muito bem, tudo muito engraçado, porque o cara é aquele típico carioca malandro, que tira sarro de tudo. E as músicas são tão divertidas quanto ele, aquela coisa de "nem vem de garfo que hoje é dia de sopa", sempre bem suingado (isso é uma palavra?), um Sam Cooke/Marvin Gaye brasileiro, talvez.

Eis que o documentário começa a discutir a relação de Simonal com a ditadura, já que um episódio estranho envolvendo seu contador fez com que ele ficasse pra sempre conhecido como um delator, um cara que passava informações dos artistas para os militares. Na década de 1970, naquele momento de ânimos acirrados e divisões ideológicas muito claras, ele passou a ser condenado pela classe artística, que já não gostava de seu comportamento pouco combativo, e depois do escândalo o rejeitou completamente.

Eu não conheço a história do Simonal o suficiente para dar alguma opinião sobre o caso, dizer se ele de fato foi ou não foi dedo-duro, embora alguns dos entrevistados no documentário (que ouve Pelé, Chico Anísio, Ziraldo, Nelson Motta, Miéle, o Boni da Globo e mais uma galera) tenham dado bons argumentos para inocentá-lo. Pelo documentário, fica parecendo que ele não era dedo-duro, mas cometeu um erro ao lidar com o tal caso do contador, um erro fatal que lhe custou a carreira. É triste, depois, vê-lo em programas de TV zuados tendo que se explicar, mostrando documentos, porque aí aquele cara malando e cheio de suingue se torna só um velhinho decadente. Pode ser que o filme queira mesmo criar esse tipo de comoção, "absolver" o Simonal de alguma forma. Mas, ainda assim, esse contraste entre o sucesso e a decadência é sempre cruel, seja o cara "culpado" ou "inocente".

Sendo assim, acho por bem terminar esse post com sucessos:

Quatro em um

2009-07-25T19:16:00.010-03:00

Depois de um hiatus sem nenhuma justificativa, o E digo mais está de volta. Tardamos, mas não falhamos, e aqui estou para comentar quatro filmes vistos nos últimos meses e que, por alguma razão xis, não foram temas de posts. E DIGO MAIS: não tenho certeza se todos eles ainda estão em cartaz, mas se não estiverem, uma hora chegam no DVD, então tá valendo.

Começamos com A Garota Ideal, um filme que estreou no Brasil há uns dois meses, muito tempo depois de ganhar hype nos Estados Unidos. Ryan Gosling (ainda não decidi se gosto dele ou não, mas nesse caso gostei) interpreta um cara solitário e claramente cheio de problemas e questões mal resolvidas que mora em uma cidadezinha onde todos se conhecem. Um dia ele anuncia ao irmão e à cunhada que conheceu uma garota, notícia que eles recebem com bastante festa. O problema é que a garota não é bem uma garota, e sim uma boneca comprada pela internet, daquelas meio safadinhas, né? E o mais estranho é que ele realmente acredita que a boneca é real, então conversa com ela, leva para passear, faz planos etc, enquanto sua família e seus amigos tentam levar a situação da melhor forma possível. Meu amigo Juliano me perguntou por que eu tinha gostado desse filme, que para ele, à primeira vista, parecia mais um indiezinho americano, ou seja, mais um filme bobo. Realmente, não estamos falando de nenhum graaaaaande filme, e talvez aqui e ali ele seja mesmo um pouco bobinho. Mas a presença daquela boneca em cena é uma grande sacada, porque faz com que mesmo as cenas mais sentimentais, que costumam ser os pontos baixos dos filmes indies americanos, guardem certa graça, certa pitada de humor. De forma geral, a história tem, digamos, espírito, o que, acredito, se deve ao talento da roteirista Nancy Oliver, uma das três mulheres indicadas ao Oscar de Roteiro em 2007. As outras duas foram a Sarah Polley, que concorreu a Roteiro Adaptado por Longe Dela, e a Diablo Cody, que venceu a Nancy Oliver e mais três concorrentes a Roteiro Original com uma babaquice sem tamanho chamada Juno. Quando saímos da sessão de A Garota Ideal, o Marcelo imediatamente fez a comparação entre os dois filmes que, de certa forma, estão meio que na mesma categoria: filme indie americano com um sacada legal. Mas, como ele disse, a diferença entre os dois é enorme: por não apostar em personagens descolados sempre prontos para fazer uma referência pop, A Garota Ideal está anos-luz à frente.

Outro filme que gerou discussão nos Estados Unidos, já em 2009, foi Intrigas de Estado, o filme sobre jornalismo deste ano (sempre tem um, né?). Eu confesso que não li muito sobre o hype por trás da produção, mas pelo que eu entendi causou certo frenesi o fato de o filme tratar sobre o confronto entre velha e nova mídia, ainda que esse não seja seu tema principal. Basicamente, o Russell Crowe é um jornalista da velha guarda, respeitado, esperto e cheio das fontes, que está cobrindo/investigando (jornalista é sempre meio policial nesse tipo de filme) um assassinato. Na redação do jornal em que ele trabalha, a bola da vez é a Rachel McAddams, uma jornalista novinha que comanda um blog na versão online da publicação - que, atualmente, dá muito mais grana que a edição impressa, claro. Essa menina está cobrindo/investigando outro caso: o da morte de uma assessora/amante de um político que estava mexendo com gente importante em umas comissões no Congresso. Acontece que esse político, interpretado pelo Ben Affleck (ainda não desistiram dele), foi melhor amigo do Russell Crowe durante anos, então a menina pede ajuda dele para descobrir umas coisinhas. A princípio ele recusa, mas depois vê que há a possibilidade de o tal assassinato que ele cobre/investiga estar ligado ao da morte que ela cobre/investiga. E aí começa aquela coisa de fontes, pistas, gravações, reviravoltas, nada é o que parece, coisinhas do passado que voltam à tona e ficamos nessa durante mais de duas horas que são tão divertidas quanto parecem. E aí vocês me perguntam: e a tal discussão sobre velha mídia e nova mídia? Bem, eu sinceramente achei a discussão uma lama. Porque é aquela coisa: o Russell Crowe, jornalista fodão da mídia impressa, é um cara desleixado, cabelo desgrenhado, barrigão, cansado etc. Enquanto a menina dos blogs é toda emperequetadinha, bonitinha, arrumadinha e tão sem experiência que não aprendeu nem que precisa carregar uma caneta na bolsa, coisa que o professor Russell Crowe está lá para ensinar. Por aí já dá para ver que a discussão é cheia de clichês, que vão ser amplificados pela personagem da Helen Mirren, a editora do jornal, que, seguindo orientações dos acionistas, aposta cada vez mais no online e menos no impresso. O problema é que ela não confia na equipe do jornal online, tanto que escala o Russell Crowe pra ajudar a novatinha. Em outras palavras, a mim pareceu que esse filme faz muito mais uma louvação da velha mídia do que qualquer outra coisa. Tanto que, quando os dois finalmente resolvem o caso (ou acham que resolveram, porque nunca é tarde para mais uma reviravoltinha suuuuper interessante), a Rachel McAddams diz para o Russell Crowe que aquela reportagem é tão importante que deve sair primeiro no impresso e depois no site. Em resumo, Intrigas de Estado não funciona nem como filme de suspense, que dirá como parte relevante da discussão sobre os rumos da imprensa.

Há Tanto Tempo que te Amo é um filme que, apesar de francês (hahahaha), eu esperei por vários meses, desde que, no ano passado, li críticas muito elogiosas à atuação de Kristin Scott Thomas no papel de uma mulher que deixa a prisão após 15 anos e vai morar na casa da irmã. Por ter lido bastante sobre o filme, acabei sabendo um pouco mais do que deveria sobre ele, o que acredito ter sido prejudicial. Por isso, não quero contar muito da história. Basta dizer que o filme mostra a reintegração à sociedade de uma pessoa que, além de ter passado muito tempo sem liberdade, também é marcada pelo trauma de um crime horrível, que traz uma dor meio inimaginável até. A Kristin Scott Thomas realmente está incrível, principalmente porque na postura e nas expressões (ou na falta de expressões) ela mostra exatamente o que é a sua personagem: uma espécie de fantasma, pra sempre assombrada pelo que fez (o pôster já dá uma boa ideia do que eu estou falando, aliás). E é incrível pensar que ela é inglesa, mas interpreta tão bem, com tanta verdade, em outra língua, no caso o francês. É raro ver atores tão confortáveis ao atuar em outra língua, por mais que sejam fluentes nela, o que só dá mais pontos para a Kristin Scott Thomas. A performance fica ainda melhor quando ela divide a cena com Elsa Zylberstein, a intérprete da irmã, porque é um daqueles casos de sintonia perfeita entre duas atrizes, em que uma levanta a bola da outra. Elas são o grande tchan do filme, que é bem bonito mas, de vez em quando, um pouquinho mais pesado do que deveria.

Antes de mais nada, quero deixar claro que não, eu não li Harry Potter e o Príncipe Mestiço, portanto esta será uma análise do filme apenas, sem comparações com a versão literária e xororôs do tipo "faltou tal coisa", "cortou muito", "o livro é bem melhor" e blá blá blá. Sinceramente, sempre achei essa discussão meio pointless. Óbvio que o livro é melhor. O livro pode ter quantas páginas e detalhes a J.K. Rowling quiser, cada um vai escolher seu ritmo de leitura, cada um vai ter a deliciosa tarefa de imaginar as cenas etc. Acontece que literatura é literatura e cinema é cinema. Para fazer um filme é preciso adaptar, resumir, escolher, às vezes até distorcer - sem contar que o filme de fato mostra cenas, cortando aquela graça de você imaginar do seu jeito. Se o roteirista e o diretor fazem um erro muito grotesco, tipo mudam uma coisa fundamental do livro, até entendo o mimimi dos fãs. Mas se a crítica é só ao fato de a história ficar mais enxuta no cinema, não só não entendo como discordo: quero mais é que cortem bastante, porque senão cada filme do Harry Potter teria cinco horas de duração e seria um saco. Ao contrário, todos os filmes do Harry Potter são divertidos pra caramba, independente de eu ter lido o livro ou não (parei no quarto). Acho interessante notar que, apesar de ser uma história infantil ou infanto-juvenil, você olha para o lado e só vê adulto no cinema. Não sei dizer o motivo, o que exatamente essa história tem de cativante, mas acho que a J.K. Rowling de fato criou uma coisa meio memorável. O sexto filme é um pouco diferente dos outros, sobretudo porque Harry e seus amigos cresceram super, são adolescentes e estão na vibe hormônios, então rola uma certa pegação em Hogwarts que eu achei engraçadíssima. Por outro lado, mesmo com menos ação e mais amorzinho, ainda fica aquele climão sombrio, já que agora todo mundo sabe que Voldemort está de volta (e o Voldemort é um personagem tão bom que, mesmo sem aparecer, está sempre presente). Mas eu continuo achando que a melhor coisa dos filmes do Harry Potter é a escalação do elenco adulto. Pelos seis filmes da série já passaram um monte de bons atores da Grã-Bretanha, como Richard Harris, Michael Gambon, Gary Oldman, Maggie Smith (ótima nesse sexto filme), Helena Boham Carter, Ralph Fiennes, Imelda Staunton e Alan Rickman, meu preferido, que faz um Snape muito melhor do que o que eu tinha imaginado ao ler o livro. Essa ideia de compensar a ruindade dos atores jovens com o talento dos personagens adultos foi crucial e é, na minha opinião, um dos fatores que faz de Harry Potter a melhor série de filmes-pipoca do momento.

No mais, é isso.

A Mulher Invisível

2009-06-08T11:16:00.009-03:00

Uma coisa bastante interessante de se observar é o quanto o "peso" dos atores mudou ao longo da história. Não vou me estender muito sobre isso, mas, basicamente, nos primeiros anos do cinema os atores nem eram identificados, por dois motivos principais: vergonha de fazer filme (teatro era o grande tchan) e medo dos produtores de que a fama fizesse com que eles pedissem um cachê mais alto. Até que um dia um produtor xis que eu não lembro o nome falou que uma atriz conhecida como "The Biograph Girl" se chamava Florence Lawrence, plantou uns rumores sobre a vida dela, alimentou o interesse do público, que foi crescendo com a popularidade de revistas sobre artistas etc etc etc. A coisa foi indo até chegar no chamado "star system", segundo o qual os estúdios promoviam os filmes totalmente baseado nos atores, como Cary Grant e Bette Davis, por exemplo. Aí os atores começaram a se sentir meio explorados, rolaram uns processos, a coisa toda começou a degringolar e em determinado momento o star system perdeu força, de modo que as estrelas deixaram de estar tão vinculadas aos estúdios. Mas é claro que, ainda hoje, um pouquinho de star system existe, no sentido de que a presença de certos atores pode vender um filme. Quando o George Clooney foi dirigir Boa Noite e Boa Sorte, por exemplo, a Warner exigiu que ele também atuasse. Afinal, uma produção em preto e branco sobre jornalismo estrelada por um tal David Strathairn não levaria ninguém ao cinema. Se a cara e o nome do Clooney estivessem no pôster, talvez isso mudasse.

Esta longa introdução me parece importante para falar sobre A Mulher Invisível, um filme de Cláudio Torres sobre um homem que, largado pela esposa, se decepciona com a vida e diz que gostaria de "nunca mais ver uma mulher". Nessa hora ele ouve uma batida na porta, abre e se depara com a mulher ideal: bonita, legal, que gosta de futebol, limpa a casa, não é ciumenta, lá lá lá. O problema: ela não existe, é apenas fruto da imaginação dele.

A sinopse não é exatamente genial, mas resume uma história com potencial para ser divertida, na mesma linha de filmes como Sexta-feira Muito Louca ou, pra ficar em cinema nacional, Se Eu Fosse Você. Essas coisas de troca de corpo, mulher imaginária, esse tipo de situação impossível é sempre meio bobinha, mas pode render risadas (eu tenho sérias restrições à Se Eu Fosse Você e anything Daniel Filho, mas devo dizer que algumas cenas foram muito engraçadas). E, de fato, A Mulher Invisível tem seus momentos de humor, que consistem basicamente no protagonista dando beijos no ar, falando sozinho, esse tipo de coisa meio pastelão. O filme é basicamente isso: uma comédia romântica com humor pastelão.

O problema é que A Mulher Invisível não é estrelado pelo Tony Ramos e a Glória Pires, mas, sim, pelo Selton Mello, que em algum momento da sua carreira se tornou o ator brasileiro que todo mundo respeita. Nos últimos anos, vários atores se tornaram "necessários" em qualquer filme que quisesse ser respeitado, como Matheus Nachtergaele ou Lázaro Ramos. Mas o único que nunca sai de moda é o Selton Mello, com aquele jeitinho engraçado e, segundo a Veja Rio, o projeto de ser "o Clint Eastwood brasileiro": ator, diretor, produtor, homem multitalentoso. Nesse sentido, eu tenho certeza - certeza - de que escalar o Selton Mello para esse filme não foi uma decisão baseada apenas no talento dele. Mas é que com o Selton Mello, um ator respeitado, essa história pastelão ganha um arzinho superior. O Selton Mello não é um galã da Globo, ele é o jovem ator mais respeitado do Brasil, a cara do cinema nacional, o nosso futuro Clint Eastwood (pffffff). Falo por mim mesma: eu fui ver esse filme porque o que eu queria já tinha esgotado, mas fosse qualquer outro ator brasileiro o protagonista, talvez eu preferisse voltar para casa sem ver nada. Mas é que a gente olha o Selton Mello no pôster e pensa "ah, deve ter uma sacada, não deve ser tão babaquinha".

Só que sim, é um filme babaquinha. É um filme babaquíssimo, totalmente Globo Filmes, cujo elenco consiste em Luana Piovani (sem timing nenhum, o tipo de atriz que fala as frases como se estivesse lendo, sem um pingo de naturalidade e muito menos carisma), Vladimir Britcha (que se esforça, coitado, mas é limitadíssimo), Fernanda Torres (engraçada, mas naquele esquema de sempre), Paulo Betti (tem duas cenas, as duas são ruins) e participações especiais de Karina Bacchi (aquela com cara de boneca inflável) e Danni Carlos (atual participante de A Fazenda). Esse filme é uma babaquicezinha qualquer, que se fosse estrelada pelo Reynaldo Gianecchini (e poderia muito bem ser), ninguém levaria a sério. Mas como é o Selton Mello, opa, não deve ser tão banal.

E aí vem a questão que eu fiz a mim mesma durante todo o filme: o Selton Mello é bom mesmo? O Selton Mello é realmente um bom ator, ou apenas um ator divertido que faz aquela mesma atuação engraçadinha que deu certo há uns 13 anos em A Indomada? O Selton Mello é o tipo de ator que se repete com graça, como Cary Grant ou - para diminuir o nível e facilitar a coisa pro lado dele - Hugh Grant, ou é simplesmente um ator repetitivo? Afinal: o Selton Mello é um bom ator ou apenas uma grife que deu certo?

Porque, como eu disse, tenho uma boa impressão do cara, fui ver o filme porque ele não é o Giannecchini. Mas, juro, a atuação dele é tão ruim, ou talvez não exatamente ruim, mas tão constrangedora e incômoda, que me fez questionar o trabalho dele como um todo, não só nesse filme, não só nesse papel, não só agora. E DIGO MAIS: já tive o desprazer de assistir o trailer de um filme chamado Jean Charles, no qual o Selton Mello interpreta adivinhem quem, e fiquei assustada com o que vem por aí. Lembrando que o último filme que eu tinha visto desse cara fora Os Desafinados, eu já chego a ao menos uma conclusão: ele faz escolhas péssimas. Então, caro Selton, se você quer mesmo ser o Clint Eastwood brasileiro (eu não li a matéria, então tenho fé que essa chamada seja uma sacadinha de algum jornalista e não uma frase literal do entrevistado), comece melhorando - e muito - seus critérios.

Budapeste

2009-05-25T00:20:00.007-03:00

Eu li este livro do Chico Buarque em 2004, porque era leitura obrigatória para o vestibular da faculdade que eu viria a cursar - e onde, curiosamente, Chico Buarque é cultuado por grande parte dos alunos de um jeito bem blá. Eu gosto do Chico Buarque, na verdade: ele é um nome importante para a cultura e a história do Brasil, é um bom compositor, tem músicas boas, é inteligente e discreto, em nada lembra o mala do Caetano ou o confuso do Gil. Mas também não acho o cara esse Deus intocável do qual alguns falam, e por isso nunca tive vergonha de dizer, até para o mais fã dos meus colegas, que achei Budapeste um puta saco. Bem escrito e tal, mas chato, tão chato que eu nem lembro direito. Tanto que, quando fui ao cinema ver a versão cinematográfica, hoje, só me lembrava de duas coisas: 1 - que eu não tinha gostado; 2 - que o final tinha alguma jogadinha metalínguística que eu não estava absolutamente certa de que tinha entendido.

Ao ver o filme, lembrei um pouco mais: lembrei que ao ler tive uma sensação de opressão, de estar em um lugar meio abafado, que é tipo uma das cinco sensações que mais me fazem mal. Isso porque o personagem principal da história, José Costa, um ghost writer que se divide entre Rio de Janeiro e Budapeste, é um dos maiores malas que eu me lembro de ter visto em livro/filme (no filme achei pior, aliás). O cara escreve livros para outros caras terem a glória, mas quando a mulher dele começa a pagar pau pro "autor de mentira", ele começa a se incomodar. Como a vida dele no Rio, com essa mulher totalmente tonta (interpretada pela Giovanna Antonelli, mais péssima que o normal) e um filho para o qual ele nem liga, é sufocante, ele volta para Budapeste, onde, certa vez, foi parar devido a um problema de voo. Lá ele conhece uma menina esperta, que lhe ensina húngaro e oferece uma vida mais animada, porém com outros problemas, afinal, o cara é o problemático-mor. Como resultado, lá vamos nós acompanhar as idas e vindas do cara, ele vagando pelas ruas do Rio, ele vagando pelas ruas de Budapeste, ele com cara de frustração no Rio, ele com cara de frustração em Budapeste, ele se achando melhor do que tudo aquilo no Rio, ele se achando melhor do que tudo aquilo em Budapeste, e por aí vai. Que prazer eu sinto em acompanhar tudo isso? Absolutamente nenhum. E DIGO MAIS: vocês poderiam argumentar que a intenção é essa, sufocar o espectador, fazer com que ele se sinta como o protagonista, mas mesmo se for esse o caso, o filme peca por pesar a mão. Fica parecendo que você não está no cinema para se divertir, e, sim, para pensar, pensar e pensar, sobretudo tentando desvendar as metáforas e metalinguagens que vê na tela. O problema é que para pensar sobre um filme eu preciso querer pensar sobre um filme. E, no caso de Budapeste, quanto mais mini-reviravoltinhas e maxi-sacadinhas apareciam, menos eu queria pensar sobre o que elas significavam.

Mas tudo bem, vai, ainda estamos no meio do filme, a fotografia é bonita, Budapeste parece ser uma cidade legal, vamos relevar porque quem sabe chega em algum lugar. E, de fato, chega em algum lugar: chega em um final totalmente tosco, que inclui 1 - uma cameo de Chico Buarque himself, pedindo autógrafo pro José Costa, num momento totalmente corta-clima que fez a sala inteira dar risada; 2 - uma cena patética em que o José Costa joga um prato na parede e grita, em húngaro, "eu não aguento mais comer espaguete a bolonhesa" (ele histérico é mais chato ainda); 3 - um pseudo-filme de terror no qual o cara é assombrado por um fantasma, que se veste igualzinho à Dona Morte da Turma da Mônica, mas na verdade é a representação da estátua de um autor anônimo em Budapeste (autor anônimo, ghost writer, sacaram? sacaram?) - e por pseudo-filme de terror leia-se umas cenas zuadas com trovão, música de medinho e efeito de luz. Eu fiquei esperando que, quando a Dona Morte tirasse o capuz, revelasse a cara do Chico Buarque, mas isso seria pedir bom humor a um filme desprovido de qualquer leveza, que faz questão de ser o mais intelectualóide, artístico e "importante" possível. Afinal, é uma adaptação do filme do Chico, e o Chico é Deus, certo? Pois é: Deus merecia um filme menos sacal.

O Equilibrista

2009-05-17T20:04:00.012-03:00

Este vencedor do Oscar de Melhor Documentário deste ano conta a história de um french muito doido que resolveu pendurar um fio entre as falecidas Torres Gêmeas e ir de uma a outra fazendo equilibrismo. E DIGO MAIS: a história é verdadeira e o cara existiu mesmo - aliás, ele ainda existe, tanto que dá depoimentos no filme, junto com amigos e a namorada da época, que o ajudaram a realizar tal façanha.

É uma história realmente muito louca, porque eles entraram nas torres, subornaram um segurança, se esconderam até a noite atrás de uns troços e fizeram um puta esquema que eu até poderia tentar explicar, se não tivesse dormido durante dois terços desse filme que putz, desculpa, é muito chato.

Ok, a história é boa, o personagem é bom, a imagem do cara andando lá em cima é muito boa e ver as Torres Gêmeas, por si só, já me arrepia. Mas nada disso justifica 94 minutos, principalmente porque boa parte (bem, boa parte da parte que eu não dormi) é gasta em umas encenações toscas e em depoimentos de um tanto de gente mala, sobretudo a namorada do cara, que fala um francês histérico.

E ok, eu sei que um monte de gente que eu respeito gostou desse filme, e eu também sei que, tendo dormido pacas, eu não deveria dar opinião sobre ele. Mas, sendo esse o E DIGO MAIS, lá vai minha opinião:

Puta filme sonífero.

A Janela

2009-05-12T20:55:00.003-03:00

Muitas vezes eu saio do cinema pensando que se escrever comentários sobre filmes fosse uma obrigação e não um prazer na minha vida, eu estaria em apuros. Porque ok, quase sempre eu tenho opinião sobre as produções e até que me esforço para fundamentá-las (a não ser que se trate de implicância, o que geralmente eu assumo). Mas existem alguns filmes sobre os quais eu não sei o que falar, que não são ruins nem bons, não me incomodam nem me provocam entusiasmo. Encher um determinado espaço de página sobre filmes assim deve ser difícil.

Com essa minireflexão eu já ganhei um parágrafo neste post, que é dedicado a um desses filmes nem-lá-nem-cá: o argentino A Janela, que conta a história de um escritor de 80 anos que está mal de saúde, sem poder ficar muito tempo fora da cama, e que espera pela visita do filho, um pianista famoso que mora na Europa e com quem ele não tem muita relação. E é meio que só isso mesmo: ele espera o filho, as empregadas da casa o ajudam, um cara vai na casa afinar o piano para que ele esteja pronto quando o filho chegar, e não vai muito além disso em termos de ação. Não estou dizendo que o filme é chato ou monótono, porque não é. Essa falta de ação - imagino - é proposital e se relaciona com a própria história, que é sobre o tempo e a velhice. O filme é uma grande espera, assim como a vida do velho escritor, e isso é bem bonito.

Na verdade, o filme todo é bonito: na história, na fotografia, nos longos silêncios, nas perguntas que o diretor não responde (por que pai e filho brigaram, por exemplo?). Mas é aquela beleza ok, nada que você fique totalmente espantado, nada que você não tenha visto antes, nada que renda muito comentário. Em outras palavras: esse filme é um pouco chocho, do tipo que não marca.

Porém, ele me fez perceber uma coisa: que eu prefiro mil vezes um filme argentino chocho que um brasileiro cheio de hype. Não é que eu esteja querendo defender os hermanos (embora faça isso com frequência), mas me parece que o cinema argentino está muito além do nosso. Os filmes deles podem até ser meio parados e ter esse jeitão meio morno, mas sempre parecem mais bem acabados e ter mais bom gosto, pois mesmo as produções argentinas sobre prisão ou pobreza (assuntos típicos da cinematografia brasileira atual), como Leonera ou Clube da Lua, não têm aquela coisa espalhafatosa que nós temos (salvo exceções). E DIGO MAIS: uma vez eu disse a um cineasta mexicano que todos os filmes do México que eu via eram fantásticos, e ele me disse que era porque eu só via um ou dois por ano. É provável que isso se aplique à Argentina, e lá também exista um tanto de filme lixão. Mas assim, à primeira vista, um a zero pra eles.

Procurando Nemo

2009-05-02T22:24:00.005-03:00

Toda pessoa tem os chamados "fun facts": pequenas curiosidades sobre ela mesma que causam estranhamento nos outros. Eu tenho vários fun facts, e muitos deles são ligados a cinema. O principal: eu vi A Bela e a Fera 48 vezes - e só chorei na quadragésima quinta, o que já é outro fun fact. E DIGO MAIS: esse fato acaba tornando mais bizarro um outro fun fact sobre mim: eu nunca assisti Procurando Nemo, considerado por 8 entre 10 pessoas o melhor desenho animado dos últimos anos. Afinal, como é possível alguém assistir 48 vezes um desenho de 1992 e não ter nem um pinguinho de interesse pela so-called melhor animação dos últimos anos? Xis, não sei. Não é que eu não goste mais de desenho animado. Se está passando, eu até assisto. Mas ir ao cinema para ver animação...sei lá...não tenho essa vontade.

Porém, hoje eu fiquei com um fun fact a menos: assisti Procurando Nemo, que realmente é, se não o melhor desenho animado dos últimos tempos (eu não saberia dizer, porque não vi os outros), um filme divertidíssimo e muito bem sacado. A história, vocês já devem conhecer, é sobre um peixinho fofo que é superprotegido pelo pai, um peixe não muito maior que morre de medo do oceano. Um dia rola um stress e o peixinho é capturado por um homem e levado para um aquário. Aí o filme se divide entre a batalha do pai para vencer o medo do oceano e encontrar o filho e a batalha do filho para sair do aquário e encontrar o pai.

São váaaarias situações nos 100 minutos (boa duração) de filme, e todas muito divertidas. A minha parte favorita foi a que o pai encontra umas tartarugas na Austrália, que falam "duuuuude" e "awesome" hahahaha. Eu lembro que uma vez vi uma animação dessas recentes, chamada Chicken Little, e fiquei chocada com a quantidade de referências adultas, que uma criança não iria compreender. No caso de Procurando Nemo, acho que tem um pouco disso: uma criança talvez não saque totalmente a graça de, na Austrália, as tartarugas falarem e agirem como surfistas. Mas como a referência é sutil e está bem misturadinha aos elementos infantis (ao contrário de em Chicken Little), funciona bem: o filme fica legal tanto para as crianças quanto para os pais (e também para gente como eu, que é something in the middle). Portanto, todos os amigos que me achavam zuada por não ter visto Procurando Nemo podem ficar tranquilos: vi, gostei e o próximo é Ratatouille.

Eu Odeio o Dia dos Namorados

2009-04-27T23:04:00.007-03:00

Vocês certamente se lembram do fênomeno Casamento Grego, um filme babaquinha, porém muito divertido, que virou sensação em 2002 e lançou um nome para o mundo: Nia Vardalos, a feia-mas-mega-charmosa protagonista, que também era responsável pelo roteiro. O que ela fez nesses últimos sete anos eu não sei (me lembro de um filme dela com a Toni Collete e só), mas agora ela está de volta como atriz, roterista e diretora de Eu Odeio o Dia dos Namorados, outra produção babaquinha e divertida (embora menos, já que faltam aquelas trapalhadas gregas que eram legais demais).

Nesse filme ela interpreta Genevieve, uma mulher que jurou para si mesma que nunca um homem ia fazê-la sofrer. Para isso, criou um sistema: ela só sai com um mesmo cara cinco vezes, pois segundo ela esse é o número certo para se divertir e ter romance na vida, sem tristeza. Depois de cinco encontros, começam os problemas, as cobranças e a infelicidade.

Genevieve ia muito bem nesse sistema até encontrar Greg (o mesmo cara gato de Casamento Grego), um bonitão gente boa que topa a ideia dos cinco encontros porque está cansado de levar foras das namoradas e se dar mal no amor. A ideia deles é: zero expectativa, zero decepção. Mas claro que rola uma mega conexão, os cinco encontros começam a parecer poucos, e aí começa o problema a ser superado pelo casal, no estilo comédia romântica.

Eu Odeio o Dia dos Namorados não chega a ser um título memorável do gênero, mas tem três coisas bem legais: 1 - quem tem medo de compromisso, no caso, é a mulher, o que já representa uma inversão de papéis em relação a tipo 90% das comédias românticas; 2 - o casal tem uma química fantástica, algo fundamental e cada vez mais raro; 3 - a Nia Vardalos tem um carisma impressionante, e só vê-la falar é divertido, mesmo quando a piada é fraca. E DIGO MAIS: se tem originalidade, química e uma atriz carismática, já passou da média.

O Visitante

2009-04-01T23:02:00.005-03:00

Richard Jenkins é a razão pela qual eu fui assistir esse filme escrito e dirigido por Thomas McCarthy, que estreou atrás das câmeas em O Agente da Estação, mas fez um monte de filmes como ator (Boa Noite e Boa Sorte, Syriana, A Conquista da Honra, entre outros). Talvez o fato de ele também ser um character actor tenha algo a ver com a escolha do Richard Jenkins para o papel principal. Ele, pra quem não está associando o nome à pessoa, é o intérprete do dono da academia em Queime Antes de Ler, entre outros papéis pequenos, porém marcantes. Eu tinha certeza que ele não decepcionaria ao ganhar um filme todo, e estava certa. A atuação do Jenkins em O Visitante é fantástica: sutil, discreta e muito comovente.

Ele interpreta Walter, um professor universitário solitário, que um dia precisa viajar a Nova York para um congresso. Quando chega em seu antigo apartamento, ao qual não ia há anos, ele encontra um casal vivendo ali. Os dois - ele nascido na Síria, ela no Senegal - alugaram o apartamento sem saber que o dono ignorava a negociação, e Walter, ao invés de ficar bravo, convida-os para ficar no local. Assim começa uma bonita relação de amizade entre ele e, principalmente, o rapaz, que tem toda a energia e animação que o Walter perdeu em algum momento de sua vida. O problema é que o rapaz é preso e passa a correr o risco de ser deportado. Walter, então, decide ajudá-lo e começa a conhecer a difícil situação dos imigrantes nos Estados Unidos.

Não sei se o meu interesse pelo assunto imigração é maior que o da maioria das pessoas, mas acho que esse é um dos melhores temas para filmes, pelo menos no momento. Porque sabe quando você conhece um gringo, começa a conversar sobre como são as coisas no seu país e a ouvir como são as coisas no país dele? Não é muito legal? Não dá assunto para muito tempo de boa conversa? Em filme, acho que é mais ou menos assim. Tem tanta possibilidade de sair uma história boa a partir desse tema, porque é possível abordar desde as diferenças entre as culturas e o aprendizado que pode surgir de uma amizade improvável, até as discussões sobre a tolerância, a justiça e as relações entre as pessoas. E DIGO MAIS: O Visitante não tem a força de Gran Torino nem a sensação de urgência de Entre os Muros da Escola, mas é um pequeno grande filme que vale a pena ser visto.

Ele Não Está Tão a Fim de Você

2009-03-29T11:57:00.005-03:00

Eu já citei aqui um artigo excelente do David Denby que li na New Yorker sobre a evolução da comédia romântica, cuja conclusão básica era que, na época de ouro do gênero, homens e mulheres eram iguais em inteligência e charme, enquanto hoje os filmes se resumem a mulheres neuróticas tentando fazer homens bobos e mulherengos crescerem. Acho que desde que li esse artigo nunca mais vi uma comédia romântica sem pensar em como ela se encaixava na tese do David Denby. E foi assim com esse Ele Não Está Tão a Fim de Você, que ao mesmo tempo é igual e diferente da maioria das comédias românticas atuais.

Uma vez eu li um outro artigo, não lembro de quem e nem onde tinha sido publicado, sobre como as atrizes de Hollywood estavam perdendo espaço até nas comédias românticas, pois o gênero estava cada vez mais focado nos homens. Como são eles os que "precisam crescer", também acabam sendo os protagonistas. E DIGO MAIS: como quase sempre os protagonistas têm um grupo de amigos tão tontos como eles, já se criam mais uns quatro ou cinco personagens masculinos.

Ele Não Está Tão a Fim de Você, ao contrário, é um filme sobre as mulheres. Mesmo quando os homens estão em cena, dá pra sacar que são meros coadjuvantes na história, porque o objetivo é mostrar como elas encaram os relacionamentos. A história central é de Gigi (a ótima Ginnifer Goodwin, que eu não conhecia mas é muito graciosa), uma menina que sai com um monte de caras que nunca ligam para marcar o segundo encontro. Em todas as vezes, mesmo quando o encontro nem foi tão bom assim, ela não para de checar o celular em busca de mensagens do cara, tenta passar "casualmente" no bar onde ele costuma ir, e, com a ajuda das amigas, pensa em mil motivos pelos quais ele pode não ter feito o tal telefonema. Ela então conhece um cara, Alex, que diz a ela o que nenhuma mulher jamais teve coragem de dizer (provavelmente com medo de não ter as mesmas ilusões quando chegar a vez dela de sofrer): quando um cara não te liga, ele não perdeu seu número, não foi viajar, não foi atropelado, não está sem voz ou nada disso; ele simplesmente não está a fim de você.

A partir daí vamos assistindo várias situações que exploram as diferenças entre homens e mulheres. Há um número enorme de atores (Jennifer Aniston, Jennifer Connelly, Scarlett Johansson, Drew Barrymore, Ben Affleck, Bradley Cooper e outros), o que faz com que a estrutura básica da história seja diferente da maioria das comédias românticas: não acompanhamos apenas as idas e vindas de um casal, mas de um monte deles, todos com conexões entre si. No meio de tudo isso, há boas sacadas, porque algumas situações representadas são bem verdadeiras, por mais que as mulheres queiram pensar que são melhores do que essas personagens tontas que esperam o cara ligar e blá blá blá. Eu gostei particularmente de uma fala da Drew Barrymore, que diz sentir falta dos bons tempos em que as pessoas só tinham um telefone e uma secretária eletrônica, porque agora ela tem que checar o celular, o Blackberry, o MySpace, o Facebook e etc pra ser rejeitada de mil maneiras diferentes. Ok, não é exatamente a melhor piada do mundo, mas tem um quê atual que eu achei divertido.

Mas esse filme tem dois problemas principais: o primeiro é que os casais não tem a mínima química entre si, o que é fundamental em um comédia romântica, mesmo nessa que tem um elenco enorme. O Bradley Cooper e a Jennifer Connelly, por exemplo, não seriam um casal nem aqui nem na China, porque ele é muito jovem e surfistinha pra ela, e ela é muito madura e elegante pra ele. A Jennifer Aniston com o Ben Affleck então, sem comentários. Esse deve ser o casal mais sem faísca que já apareceu na tela, o que não deve ser culpa dela e sim dele, que é um bananão sem o menor charme. Eu acho que nunca tinha visto um filme do Ben Affleck porque quando ele começou a falar eu pensei: nossa, até a voz desse babaca é sem graça. Uma comédia romântica que se preze nunca poderia ter o Ben Affleck no elenco, ao menos para mim.

Mas o principal problema é que, por mais que o filme seja para mulheres e se distancie um pouco do padrão atual, os estereótipos de sempre estão ali: todas as mulheres estão esperando o cara certo, vivendo suas vidas em função dos homens, se sentindo incompletas sem eles, pressionando-os para assumir compromisso, fazendo-os mudar de ideia, ensinando-os alguma grande lição sobre o amor. Tanto é que, no final do filme (e não há problema em contar o fim porque - hello - é uma comédia romântica) o cara que sacaneia as mulheres se dá mal e os que apresentavam alguma resistência a elas, se rendem totalmente. No fim, as mulheres vencem, até as que ficaram sozinhas, porque elas, ao contrário dos homens, sempre vão ter esperança, nunca serão cínicas e nunca terão medo de se entregar ao amor. Tanto girl power, infelizmente, não faz desse um filme melhor.

Entre os Muros da Escola

2009-03-26T21:21:00.007-03:00

Com filme francês, vocês sabem, eu sempre tenho pé atrás. Não vou me alongar muito no tema, que já foi discutido talvez mais de uma vez por aqui, mas fato é que eles me dão uma preguiça mega e quase sempre me enchem a paciência. No entanto, eu continuo assistindo os frenchs, porque de vez em quando encontro um ou outro filme que vale pelos ruins. Entre os Muros da Escola, o vencedor da Palma de Ouro de Cannes deste ano, é um deles.

Quando eu li sobre o filme, durante o festival, não coloquei muita fé. Isso porque a história é sobre um professor de uma escola pública da França que tenta ensinar alguma coisa para uma classe problemática e formada por estudantes de todo tipo: brancos, negros, árabes, orientais etc. Esse tipo de história sempre parece que vai resultar nesses filmes melosos sobre professores que são rejeitados pelos alunos no começo, depois ganham a confiança deles, ensinam lições de vida, dão um propósito para a existência de todos, ajudam a escola a vencer alguma espécie de competição e ainda resolvem problemas paralelos do tipo fazer com que o pai de um aluno pare de bater nele. Em Hollywood filmes com essa sinopse constumam virar uma espécie de Nós Somos Campeões na escola - e aí o Emilio Estevez dá lugar para alguém mais respeitado, tipo o Denzel Washington.

Na França, ou ao menos no caso de Entre os Muros da Escola (não vamos nos empolgar com o cinema francês em geral, né?), o resultado foi bem diferente: o filme não é meloso, o professor não é nenhum santo, não há mensagem ou sentimento de superação, enfim, não é um filme bonitinho. Aliás, em vários momentos é um filme difícil de assistir, porque a sala de aula em questão é simplesmente infernal. E os problemas que causam esse inferno são tão complexos e as coisas estão tão erradas há tanto tempo, que fica cada vez mais difícil esperar por uma resolução para aquilo. E eu não entendo muito sobre a França, mas achei muito interessante o modo como aquela sala de aula funciona meio que como uma representação da variedade de etnias e populações que vivem juntas no país. A tensão que existe naquela sala provavelmente existe nas ruas, como mostram os jornais e outros filmes, como Caché ou Dias de Glória. E DIGO MAIS: a julgar por essas três ótimas produções, talvez o segredo para um filme francês ser bom seja falar sobre tensão social e imigração hahaha.

Gran Torino

2009-03-22T22:09:00.008-03:00

Estou há dois dias pensando no que escrever sobre Gran Torino, novo filme do Clint que estreou sexta e que eu já vi duas vezes. Em ambas as ocasiões, fiquei meio overwhelmed (na falta de um verbo melhor) pela quantidade de questões que essa história simples e bonita enfiou na minha cabeça.

A sinopse eu já contei aqui uma vez, mas vamos lá: The Clint interpreta Walt, um veterano da Guerra da Coreia (novas regras de ortografia - rá!) que é bastante distante dos filhos e cuja esposa acaba de falecer. Ele vive em um bairro tomado por pessoas de uma etnia chamada Hmong, que vêm de diferentes países. Os Hmongs lutaram com os EUA no Vietnã e, após a desistência americana, passaram a ser perseguidos pelos comunistas e fugiram. Uma grande parte deles foi parar em Detroit, ali ao lado da casa do Walt, que além de rabugento é também preconceituoso e nem pode ver os "chinas" pela frente.

O bairro também abriga algumas gangues Hmong e, depois de muita pressão, o menino bonzinho do local, Thao, sente-se obrigado a fazer parte de uma delas. Seu rito de iniciação é roubar o carro do vizinho Walt, um Gran Torino, o que obviamente dá errado porque - hello - The Clint is the man. Walt o pega com a boca na botija e fica puto, mas o episódio permite que esse homem solitário comece a conhecer melhor a cultura que está logo ali na casa ao lado. Dizer muito mais do que isso seria estragar a história, então passemos para as tais questões que estão na minha cabeça. E DIGO MAIS: perdoem a falta de conexão entre os diferentes pontos comentados, mas é que ainda não consegui organizar as minhas ideias (filme bom faz isso comigo).

The Clint himself disse, em uma entrevista para a Folha, que Gran Torino é um filme sobre tolerância. De fato, essa é a questão mais importante da história, porque o Walt, antes preconceituoso e fechado a uma cultura diferente da sua, acaba se sentindo mais próximo daqueles tais Hmongs que de seus próprios filhos. Ele e Thao são muito diferentes, mas muito parecidos, e essa relação acaba ecoando bastante Cartas de Iwo Jima. Me lembro de uma cena em que os japoneses liam a carta da mãe de um soldado americano (ou do soldado para a mãe, não sei ao certo) e percebiam que aquele cara tinha mais ou menos as mesmas preocupações e medos que eles. Em Gran Torino acontece bem isso: o Walt precisa se aproximar de seu "inimigo" para aprender mais sobre si mesmo e sobre o mundo.

Falando em ecos da filmografia do Clint em Gran Torino, é difícil não lembrar dos personagens mais old times dele ao vê-lo rosnando umas frases de efeito com a espingarda na mão (aliás, quando as primeiras notícias sobre Gran Torino saíram, muita gente achou que se tratava de um sexto Dirty Harry). Também é difícil não lembrar de Will Munny explicando que "it's a hell of a thing, killing a man", quando vemos o Walt falando de momentos terríveis que viveu da Coreia. E como em todos ou quase todos os filmes recente dele, fica claro que aquele personagem é totalmente marcado pelo que fez no passado. O que o Walt viveu na Coreia fez com que ele tivesse determinada atitude em relação aos filhos, ao Thao, ao conflito principal do filme, a tudo. Como diz a música tema de Gran Torino, "the world is nothing more than all the tiny things you've left behind" ou, em outro verso, "your story is nothing more than what you see, or what you've done, or will become" (e esse "will become" é importante porque, embora os personagens sejam marcados pelo passado, isso não significa que não sejam afetados pelo presente - aí está a beleza do negócio).

O filme que Gran Torino mais me lembra, no entanto, é Menina de Ouro. Acho que a base das duas histórias é a mesma: um cara rabugento, solitário, cheio de culpa, que estabelece uma relação de pai e filho com alguém que no início ele rejeitava. Nos dois filmes também há a figura de um padre mais jovem, com quem o Clint briga/ignora, mas a quem recorre em um momento crucial. São duas figuras que me intrigam bastante. Em Menina de Ouro, o padre é um cara meio mala, mas que tenta ajudar o Frank no final, dizendo que se ele atender ao pedido da Maggie "vai se perder tão profundamente que nunca mais vai encontrar um caminho de volta". Da mesma forma, o padre de Gran Torino é um jovenzinho metido a saber das coisas, que também tenta impedir uma ação do Clint. Eu não tinha pensado nisso quando assisti Menina de Ouro, mas agora, com Gran Torino, acho que as duas histórias notam, ainda que rapidamente, os limites da religião. Não é uma questão principal, mas eu realmente acho que ela está lá. Porque os dois padres pedem que o Clint reze, espere, se afaste do problema e deixe a solução nas mãos de Deus. Mas ele não consegue, e não é porque ele seja ateu ou não tenha fé, mas porque as respostas que a Igreja lhe oferece parecem fáceis demais em um mundo que ele descobre ser cada vez mais complexo.

Estou aqui falando sobre as semelhanças entre Gran Torino e outras produções do Clint não como forma de dizer que o filme mais recente não traz novidades ou é mais do mesmo. Não é. Mas uma das coisas que eu acho mais bonitas na filmografia do Clint - se não for a mais bonita - é o fato de os filmes dele, juntos, contarem uma história. De algum modo, talvez involuntariamente, as escolhas que ele faz, os temas pelos quais ele se interessa e a forma como ele conta cada história têm muita coerência. Gran Torino seria um ótimo filme de qualquer jeito, mas ele ganha muito mais força e significado quando pensado dentro da obra toda. Quando vi a cena em que as coisas se resolvem, comecei a chorar, não só porque a cena era muito forte, mas porque dentro da linha evolutiva da carreira do Clint, ela significava muita coisa. A figura do Clint justiceiro está ali, mas o modo que ele usa para chegar à justiça mudou.

Outra cena que eu achei extremamente significativa foi uma logo no começo, na qual o Walt solta um rosnado de desaprovação ao ver os netos entrando na igreja para o funeral da avó com roupas desapropriadas, barriga de fora, piercing, camiseta de basquete, fazendo piadas, conversando, mexendo no celular. É uma cena normal, de conflito de gerações, que a princípio não teria nada demais. Mas calhou de eu estar em uma sessão de cinema que tinha tudo a ver com aquilo. Era tarde de sexta-feira e eu estava em um shopping tradicional e frequentado pela elite de São Paulo, que paga 21 reais para ir ao cinema (sendo que a sala é ruim e tem projetor barulhento, diga-se de passagem). Lá dentro, eu não sabia o que era pior: os adultos falando no celular e brincando com o iPhone ou o grupo de adolescentes histéricos que conversavam, davam gritinhos e risadinhas e, no fim da sessão, deixaram copos de refrigerante e sacos de pipocas espalhados pelo chão. Ao ver aquilo, eu, como o Walt, me perguntei: what is it with kids nowadays? O que está acontecendo com as pessoas? Porque tipo, longe de mim fazer apologia do passado, logo eu, que não vivo sem internet e acho as revoluções tecnológicas uma maravilha. Mas naquele momento, a sala de cinema refletiu o filme: está cada vez mais difícil conviver com os outros.

Eu poderia listar mais algumas das coisas sobre as quais eu matutei e ainda estou matutando devido a Gran Torino, porque esse é um daqueles raros filmes que ficam na sua cabeça e vão crescendo dentro de você com o tempo. Um aspecto bem importante, ao qual eu só dei atenção porque tinha lido uma resenha do NYT, é o fato de o filme se passar em Detroit, sede da mais famosa fábrica da Ford. O carro que dá nome à produção acaba sendo um símbolo de um momento de auge da indústria automobilística e da economia americana, um auge que, hoje, é coisa do passado. E acaba sendo um símbolo perfeito, porque em um bairro totalmente decadente e pobre, em tempos de crise econômica, aquele carro parece tão deslocado quanto o próprio personagem do Clint.

Acho que, no fim, Gran Torino me faz pensar que tudo está em crise: a economia, a religião, a cultura, a educação, a justiça e principalmente as relações entre as pessoas. Mas, de algum jeito, eu tirei uma mensagem extremamente otimista dessa história. Talvez por ver que, aos 78 anos, é possível ser inteligente, relevante e provocar tantas questões em alguém.

Frost/Nixon

2009-03-07T16:46:00.004-03:00

Ron Howard levou para o cinema esta peça de Peter Morgan (roteirista de A Rainha) sobre as quatro entrevistas que o ex-presidente dos Estados Unidos, Richard Nixon, deu ao apresentador inglês David Frost em 1977, três anos depois de ter renunciado ao cargo. Para Nixon, era a chance de limpar a sua imagem, já que Frost era um apresentador de talk show pouco respeitado e aparentemente muito abaixo de seu nível intelectual. Para Frost, era a chance de conseguir um furo e ficar famoso. Assim, ele contrata uns caras totalmente obcecados pelo Nixon para conseguir criar perguntas que levem a uma confissão e a um pedido de desculpas pelo Watergate. Como diz um dos caras, eles querem dar ao Nixon o julgamento que ele nunca teve.

O filme acompanha a preparação de Frost e sua equipe para as entrevistas, consideradas históricas, e recria partes dela, mostrando a tensão entre os dois. Michael Seen e Frank Langella já interpretavam Frost e Nixon no teatro e estão totalmente à vontade nos papéis. O Langella impressiona bastante, falando com o vozeirão do ex-presidente e conseguindo fazer um retrato tão humano dele que, sinceramente, eu super torci para o Nixon se dar bem nas entrevistas, e não para o Frost conseguir o tal furo. E DIGO MAIS: o retrato que essa produção faz do "Dirty Dick" é o mais simpático que me lembro de ter visto.

Eu tenho algumas restrições ao trabalho do Ron Howard, mas acho que dessa vez ele foi importante para o filme. Porque, na comparação inevitável com A Rainha, acho que Frost/Nixon leva a melhor. Os dois filmes falam desse tipo de evento midiático que acaba virando histórico, e a morte da princesa Diana é, pelo menos para mim, algo muito mais vivo na memória que o Watergate (até porque eu não estava viva em 1974, rá). Talvez por isso tenha me incomodado tanto aquelas representações estranhas de pessoas que eu conheço bem, tipo o Tony Blair (que aliás é interpretado pelo Michael Sheen) lavando a louça em um apartamento estranho. Mais do que isso, eu acho que A Rainha tem muita cara de filme para a TV, enquanto o Ron Howard, que pode ser meio meloso, mas tem seu talento, consegue dar mais cara de cinema para Frost/Nixon.

Mas o filme já não resiste à comparação com Boa Noite e Boa Sorte, outra produção recente que recria um momento importante do jornalismo (embora Frost/Nixon reflita muito menos sobre a profissão, o que poderia ser um plus mas não é). A questão, me parece, é que o Watergate acaba sendo um episódio muito americano, que todos nós conhecemos e sabemos que fpoi importante, mas que não significa tanto para a gente. Da mesma forma, o macarthismo abordado em Boa Noite e Boa Sorte também é meio americans only, mas a diferença é que o George Clooney usou a história do Edward Murrow para falar sobre o presente. O filme é impactante e relevante porque tinha um paralelo muito grande com o governo Bush, porque foi lançado em um momento em que qualquer um que divergisse da política da Casa Branca era taxado pelos próprios americanos de traidor, porque foi lançado em um momento em que a divisão entre Red States e Blue States era tremenda.

No caso de Frost/Nixon, eu não sinto essa atualidade. Quer dizer, algumas coisas que o Nixon falou poderiam ser ditas pelo Bush caso ele se submetesse a uma série de entrevistas como essa (o que provavelmente nunca vai acontecer porque ele nunca vai achar um apresentador menos respeitado e de nível intelectual mais baixo que o dele). Mas não é um paralelo tão forte como o de Boa Noite e Boa Sorte, um dos melhores exemplos recentes de como o cinema usa o passado para representar o presente. Frost/Nixon não chega a tanto. É um filme interessante, que me ensinou bastante sobre um assunto que eu não conhecia. Mas quando o foco no passado não se traduz no presente, perde-se um pouco de vigor.

Divagando: Oscar 2009 - resultados - um adendo

2009-02-28T15:11:00.003-03:00

Eu tinha dito que o discurso do Sean Penn tinha sido a única coisa boa do Oscar, mas depois de rever a apresentação inicial do Hugh Jackman não posso cometer a injustiça de não registrar nesse blog o quanto ele se saiu bem. Ok, todas as outras apresentações foram chatas e longas, mas nada que eu não releve graças ao pedacinho do número inicial dedicado a O Leitor. Se não quiserem assistir o troço inteiro, pelo menos peguem de 6'11 a 6'41, porque é muito, muito bom. E DIGO MAIS: se começarem em 4'27 vocês ainda pegam a participação da lindinha Anne Hathaway.

Divagando: Oscar 2009 - resultados

2009-02-23T02:27:00.004-03:00

Se você não teve saco para assistir um Oscar sem surpresas, com um musical atrás do outro e os indicados mais medíocres do mundo, sem problemas. Assista o vídeo abaixo, que é só o que importa.

"Mickey Rourke rises again and he is my brother" - essa foi a melhor solução para o meu dilema: qual dos dois grandes foi melhor, se o Sean dá um show de técnica e o Mickey um show de carisma? Pra mim, empatou.

Quem Quer Ser um Milionário?

2009-02-22T20:26:00.004-03:00

Estou aqui correndo para escrever sobre os filmes que vi neste fim de semana já que todos são candidatos ao Oscar e a cerimônia começa daqui a pouco. Eu até pensei em deixar pra depois, mas no caso de Quem Quer Ser um Milionário? não dava para esperar. É esse o filme que deve ser o grande vitorioso da noite, é esse o filme que ganhou quase que todos os prêmios até agora, de Globo de Ouro a Bafta, passando por SAG, DGA, PGA e todas as siglas que vocês possam imaginar. É esse o filme that everybody is talking about e é esse um dos filmes mais ridículos que eu já vi.

Antes de mais nada, vamos à história. Nosso herói é Jamal, um jovem indiano que nasceu em uma favela de Mumbai, passou por todos os maus bocados que alguém pode passar and them some, até chegar ao programa de TV cujo nome é o mesmo do filme. Nessa espécie de Show do Milhão, ele tem que responder perguntas e perguntas e perguntas, podendo ganhar até 20 milhões da moeda local (esqueci o nome, mas é uma grana).

Logo no início do filme sabemos que, sim, ele foi super bem no programa e virou um milionário, mas agora está sendo interrogado por suspeita de fraude. O delegado, investigador, torturador, whatever that guy is, questiona o garoto sobre todas as respostas certas dadas por ele. E, conforme o menino conta como sabia a resposta, vamos conhecendo a vida dele. Começa nossa viagem por uma longa leva de flashbacks, desde o início da vida do pequeno Jamalzinho na favela, passando pelo Jamal adolescente aprontando pela Índia, até chegar no Jamal que está lá no programa. Em todas essas fases, há dois pontos comuns: a violência que está sempre presente na Índia e o amor do Jamal por uma menina que ele conheceu quando era criança, e que ele está sempre encontrando e perdendo, sempre que for conveniente para a história. Essa questão da conveniência é tão cretina, o filme é tãaaaaaaaaaaaao forçado, que não dá para levá-lo a sério. Aliás, são tantas coisas erradas que eu vou dividir meu comentário em três tópicos:

1 - Danny Boyle (Trainspotting) é o diretor desse filme, e a gente conhece o estilo dele. Câmera frenética, música empolgante, edição bem feita, aquela coisa que todo mundo olha e fala, nossa, esse cara é fudido. Ele pode até ser fudido mesmo, não vi um número suficiente de filmes para dizer se é ou não é. Mas, me desculpe, não há inovação nenhuma nesse filme em relação a, pra citar um, Cidade de Deus. O Marcelo já tinha me falado isso, eu vi um crítico falando isso e vi, também, o Boyle dizendo que odeia a comparação. E é claro que ele odeia a comparação. Ele odeia a comparação porque ela é totalmente verdadeira. Os dois filmes têm o mesmo ritmo, o mesmo tipo de edição, até a mesma cor. E, by the way, Cidade de Deus dá um pau.

2 - Ainda na questão semelhanças com a produção brasileira que mais se deu bem no Oscar (coincidência?), podíamos lançar aquelas mesmas questões sobre estética da pobreza para Quem Quer Ser um Milionário?. Quando esse debate foi lançado para Cidade de Deus, eu não consegui me posicionar, porque ao mesmo tempo em que concordo que tem uma certa exploração da pobreza, também acho que o filme tem um propósito. Em O Jardineiro Fiel, pra ficar no Fernando Meirelles, já acho que a crítica da estetização da favela não se aplica. Porque esse filme de fato discute um problema, e um problema muito claro: multinacionais que, com apoio do governo europeu, faz testes de remédios em africanos pobres. Quando o alvo está claro, a discussão está clara e aquelas cenas de favela passam a ter um significado, um propósito. Em Quem Quer Ser um Milionário?, não há nem tentativa de discussão, muito menos um propósito. O Danny Boyle disse que o filme é uma "carta de amor a Mumbai" depois dos atentados do ano passado, e um monte de gente diz que esse filme mostra a realidade da Índia, mas isso é um blá blá blá sem tamanho. Por exemplo: tem uma cena em que um grupo de homens invade uma aldeia, mata uma galera, incendeia um monte de casas. Quem são aquelas pessoas? Por que elas fizeram aquilo? Quem está por trás daquele ataque? Não há respostas para essas perguntas, assim como não há contextualização para um doido que explora criancinhas, nem para um gângster que odeia esse doido, de forma que eles só parecem estar na história para maltratar os pobrezinhos e partir nossos corações. Ou seja: se a tal "realidade" vai ser usada como apelação, voto contra.

3 - Quando saí do filme, ouvi duas mulheres falando sobre como esse filme era genial e, se não ganhasse o Oscar principal, pelo menos teria que ganhar o de Roteiro, porque nunca vi coisa tão original. Quem Quer Ser um Milionário? provavelmente vai ganhar os dois prêmios e muitos outros, mas eu estou até agora tentando encontrar o que há de tão original nele. Eu suspeito que as mulheres tenham achado incrível o modo como o menino conta a história, falando ao investigador sobre o fato de sua vida que levou a cada resposta certa. De fato, se a gente pensar, é um jeito interessante de narrar: mesclando o flashback, o momento em que ele tá no programa e mais o momento em que ele está respondendo as perguntas do investigador. Mas, convenhamos, esse negócio de intercalar vários tipos de "tempos" não é exatamente uma novidade, né? Aliás, que eu saiba o Orson Welles já fazia flashback em 1900 e bolinha, quando lançou Cidadão Kane. E tem outra coisa: mesmo que esse recurso fosse grande novidade, ou estivesse sendo usado de um jeito totalmente novo, não adianta nada o cara fazer um roteiro original se não for plausível. Porque pessoal, pensem comigo: quais são as chances de um cara ir num programa de TV e absolutamente TODAS as perguntas estarem relacionadas com um fato da vida dele? E tipo, não bastasse a forçada de barra da proposta por si só, tofas essas relações são muuuuuito mal feitas. A minha favorita foi a história que ele contou para justificar ter acertado a resposta da pergunta: qual presidente americano está na nota de cem dólares? Basicamente o Jamal estava numa região de onde tinha fugido quando era pequeno, mas para a qual estava de volta em busca da tal menina que ele super amava. Nisso, sabe-se lá por que ele decide ir numa estação de trem onde um menino cego está cantando. Não se trata de um menino cego qualquer mas de um amigo dele que foi "cegado" pelo tal louco explorador de criancinhas, na exata noite em que ele, Jamal, fugiu. Péra, vamos recapitular até aqui: o menino entrou na exata estação de trem onde o amigo dele estava, amigo esse que ficou cego na mesma noite em que ele conseguiu fugir da exploração. Tudo bem, Aí, quando o cego pede uma esmola, o que o Jamal dá para ele? Ahan, uma nota de cem dólares (que sabe-se lá como ele tinha, já que minutos antes ele é mostrado trabalhando num restaurante zuado). O cego duvida de que sejam cem dólares e pergunta quem está na nota (ará!) e o Jamalzinho, que não sabia que os nomes dos caras estão escritos ali do ladinho, faz uma descrição da imagem: um senhor assim, assim, assado. E aí amiguinhos, o cego não apenas adivinha se tratar do Benjamin Franklin (lembrando que ele é cego), como ainda diz: "obrigado, Jamal". Ele reconheceu!!! O cego reconheceu o Jamal, anos e anos depois, só pela voz dele, exibida durante a descrição do Benjamin Franklin na nota de cem dólares. Agora, falem pra mim: is it me or is it everybody else?

Porque, sério, esse mundo da coincidência está presente o tempo todo. O mundo da coincidência é mais cenário desse filme do que a própria Mumbai. Porque é tanto acaso, tanto acaso, tanto acaso, que uma hora a galera desiste de tentar explicar as coisas e apela para o destino. E tipo, talvez eu pudesse ser uma pessoa menos cricri, deixar de cobrar verossimilhança e embarcar nessa babaquice, e eu juro que tentei, mas putz, cada vez que eu via uma dessas justificativas mirabolantes do tipo Benjamin Franklin ou o casalzinho falando "é nosso destino" eu só conseguia pensar em como é que qualquer pessoa maior de 17 anos consegue levar esse filme a sério. Eu olhava aquilo e repetia mentalmente: teen movie, teen movie, teen movie, até que o filme acabou e, na hora dos créditos, começou uma cena constrangedora com o casalzinho principal e mais uma porrada de jovens fazendo uma coreografia a la "Thriller" do Michael Jackson em uma estação de metrô. Foi aí que tudo fez sentido: Quem Quer Ser um Milionário? é, pura e simplesmente, um High School Musical nas favelas da Índia. Irresistível, não?

E DIGO MAIS: esse foi o post número 100 desse blog. Que não sejamos amaldiçoados por gastarmos um espaço comemorativo com um filme tão lixo.

Milk

2009-02-22T19:27:00.007-03:00

Cinebiografias são um troço complicado. Eu, sinceramente, não me lembro de realmente ter gostado de nenhuma, ou ao menos de nenhuma que fosse cinebiografia de uma pessoa e não de um fato, evento ou momento histórico (caso de Boa Noite e Boa Sorte, por exemplo). Não sei dizer exatamente qual é o problema, mas talvez seja porque, por mais que o cineasta e o roteirista se esforcem, o retrato sempre acaba sendo meio simpático ao biografado (ou, se o biografado por tipo o Hitler, tende a ser um retrato demonizado demais). E, além disso, por algum motivo eu sempre acho que cinebiografia cansa. Muita coisa do mesmo cara...não sei, depois de um tempo me enche o saco.

Esse cansaço eu também senti assistindo Milk, filme dirigido por Gus Van Sant sobre Harvey Milk, um importante líder homossexual americano. São 128 minutos de filme, que se dividem entre cenas filmadas hoje, na "ficção", e reportagens e vídeos de arquivo, que mostram o "real". Esse intercalamento (isso é uma palavra?) funciona muito bem, assim como outros recursos técnicos (música, câmera, divisão de tela) que o Gus Van Sant sabe administrar. Ele também sabe dosar os aspectos da história, de modo que não há sexo demais, nem manifestação demais, nem discurso demais, nem humor demais, nem drama demais, nem amor demais (hummm...talvez tenha um pouquinho de amor demais, mas é só um pouquinho). Assim, você não escapa de se sentir meio cansado, mas também não chega a se irritar.

Na verdade, eu acho que esse filme funciona devido ao momento histórico em que ele está sendo lançado. O Harvey Milk era um líder cheio de carisma, bom orador, bem humorado, um político diferente que é eleito pedindo mudança. É claro que o filme foi feito antes da eleição americana mas, de certa forma, esse é o primeiro filme da era Obama, porque carrega essa mensagem de esperança, de que as coisas podem melhorar se as pessoas se comprometerem com isso. Por outro lado, 2008 também foi o ano em que os californianos aprovaram uma lei (a Proposition 8) que impede o casamento gay no Estado. No filme, há uma votação de outra lei (a Proposition 6), sobre o direito dos homossexuais. Então você assiste e fica pensando nos paralelos entre 1970 e hoje, no que a gente avançou, no que ainda está ruim, no que continua igual, no que mudou. Em outras palavras, Milk é, sim, uma homenagem ao seu biografado, mas também acaba tratando de um momento histórico - o atual. E isso é bem legal, quando um filme sobre o passado está tão diretamente ligado ao presente.

Além da atualidade da história, o outro ponto forte do filme é mesmo o Sean Penn, que está fantástico no papel principal. Eu, que sou fanzíssima dele, estava meio com o pé atrás porque tinha medo que ele, como gay, fizesse aquele tipo de atuação de Uma Lição de Amor. Não é que eu ache que o Sean Penn estava ruim como deficiente mental, porque ele não estava. Mas, de alguma forma, não combinou com ele, não foi uma atuação tão interessante como as outras. E embora eu ainda ache que ele se supera em Sobre Meninos e Lobos, fiquei bem impressionada com ele em Milk. Porque, convenhamos, fazer gay é difícil, porque você não pode nem desmunhecar demais nem de menos, não pode nem ser caricato nem ter medo de embarcar. O Sean Penn acha o equilíbrio e faz um papel que eu nunca pensaria ser perfeito para ele. Sabe aquele Sean Penn machão, mal humorado, aquele cara sem saco que parece só gostar de dia cinza? Bem, em Milk ele é o mr. Sunshine, o cara otimista, esperançoso, a companhia perfeita para um sorvete no parque em dia ensolarado. E DIGO MAIS: como o David Denby explicou naquele vídeo do Charlie Rose, é uma atuação nos mínimos detalhes. Ele anda diferente, mexe os pulsos diferente, posiciona os ombros de outro jeito, ele é outra pessoa. E não sei se ele imitou os trejeitos do Harvey Milk, porque devo confessar que nunca tinha ouvido falar desse cara antes. Mas que para fazer esse personagem o Sean Penn "eliminou a sua própria alma", como disse o Denby, lá isso parece ser verdade.

Rio Congelado

2009-02-22T15:06:00.005-03:00

Em qual atriz você pensa quando pensa no filme 21 Gramas? Naomi Watts? Charlote Gainsbourg (whatever her name is)? Bem, eu penso na Melissa Leo, que interpreta a esposa do Benicio Del Toro e, com pouco tempo na tela, deixa uma puta marca. Anos depois, fiquei feliz em vê-la novamente em Três Enterros, mas faltava ter a chance de assistir um filme que fosse realmente dela. Esse filme é Rio Congelado, vencedor do Festival de Sundance de 2008, dirigido e escrito por Courtney Hunt, uma moça muito talentosa que batalhou por financiamento por três anos e teve apenas 21 dias para filmar essa que é uma das histórias mais comoventes, se não for a mais comovente, que eu vi recentemente.

O filme começa com uma tomada muito bonita do rio congelado do título, depois passa para a apresentação da personagem principal, Ray, que está sentada em um carro, fumando e chorando. A câmera vai passando pelo roupão rosa que ela está vestindo, pelo esmalte corroído nas unhas, pelas rugas que ela tem nos olhos e pelo porta-luvas do carro, aberto. Era ali que, há meses, ela guardava dinheiro para comprar um trailer melhor para morar com a família. Mas naquela noite, a uma semana do Natal, o marido viciado em jogo pegou a grana e sumiu. O filho mais velho, de 15 anos, se revolta com a situação da família e com o fato de a mãe não o deixar trabalhar. O mais novo, de 5, chora ao ver que a casa nova que lhe prometeram, não vai mais chegar.

Desesperada para conseguir a casa, comprar um presente de natal para os filhos e colocar alguma outra coisa que não pipoca e Tang na mesa, a Ray busca algumas alternativas, como trabalhar mais horas em uma loja de conveniência. Mas é quando conhece Lila, uma índia que traz imigrantes ilegais do Canadá para os Estados Unidos, que ela encontra uma forma de ganhar dinheiro. As duas não se gostam, mas fazem o trabalho juntas: cruzam um rio que, naquela época do ano, está congelado, com imigrantes no porta-malas do carro. São operações bastante tensas, algumas complicações acontecem e, de certa forma, é possível dizer que Rio Congelado é um thriller. Mas, mais do que isso, é uma história sobre duas mulheres que descobrem ter muito em comum e que lutam para sobreviver em meio a uma pobreza que poucas vezes eu vi ser retratada em filmes americanos. E DIGO MAIS: em tempos de crise econômica e desemprego recorde nos Estados Unidos, essa história ganha ainda mais relevância, e por mais que uma ou outra cena pudesse ser melhor resolvida (há um momento em especial que eu achei bastante inverossímil), é difícil não sair do cinema meio impactado com aquele mundo e aquelas pessoas.

E, principalmente, é muito difícil não sair do cinema impressionado com a Melissa Leo, que da primeira à última cena dá um verdadeiro show. Ela te convence que realmente é aquela mulher dura, marcada pelas dificuldades, mesmo nos mínimos detalhes. Uma cena, em especial, é fantástica, quando ela está passando rímel, tentando se dar ao luxo de ter um único momento de vaidade naqueles dias tão difíceis, mas começa a chorar e borra toda a maquiagem. Parece uma coisa meio boba, mas nossa, é tão bonito, e ela faz tão bem, com tanta naturalidade, e por ser tão real aquilo fica ainda mais triste. Hoje à noite, no Oscar, ela deve perder a estatueta para a Kate Winslet, o que é uma pena. Não só porque a Melissa Leo está infinitamente melhor, mas porque um Oscar poderia impulsionar a carreira dela e, quem sabe, nos dar mais chances de vê-la em papéis à altura do seu talento.

O Casamento de Rachel

2009-02-20T23:35:00.003-03:00

Anne Hathaway, você impressionou.

Juro para vocês que se eu encontrasse a Anne Hathaway na rua, iria até ela pra dizer exatamente isso: você impressionou. Porque, sendo muito sincera, eu nunca dei nada para essa menina, que apesar de ter dado conta do recado em O Diabo Veste Prada e ter uma ponta ok em O Segredo de Brokeback Mountain, me parecia uma atrizinha bobinha qualquer, uma Kate Hudson da vida, um pouco melhorada. Com prazer, assumo que mordi a língua: em O Casamento de Rachel ela tem a chance de mostrar que é muito talentosa, arrasando em um papel difícil que, nas mãos de uma atriz pior, poderia ficar irritante demais, sentimental demais, coitadinha demais, chiliquenta demais, teen demais.

A personagem em questão é Kym, uma jovem problemática que, no começo do filme, deixa a clínica de reabilitação pela sabe-se-lá-qual-vez, e volta para casa para participar do casamento da irmã, a Rachel do título. É um casamento bem interessante, com inspiração meio hindu, noiva branca e noivo negro, cada convidado de um jeito e um monte de músicos de estilos diferentes. O clima de felicidade reina absoluto até a chegada de Kym, que tem cara de ovelha negra da família mas, na verdade, é extremamente querida por todos. Apesar disso, nem a família e muito menos a Kym conseguem esquecer alguns eventos do passado, e isso faz com que, aos poucos, a montanha de problemas não-resolvidos daquelas pessoas voltem à tona.

Não vou entrar em detalhes sobre que eventos e problemas do passado são esses, embora até pudesse, porque O Casamento de Rachel não é um filme do tipo o-que-será-que-vai-acontecer-agora. Você não tem que ficar esperando a próxima cena ou o desenrolar do conflito, mas apenas ir entrando naquela casa, conhecer aqueles personagens, e acompanhar os dias daquela família até entender porque ela é do jeito que é. Sei que, falando assim, parece mais um filme indie americano sobre famílias disfuncionais e blá blá blá, mas O Casamento de Rachel é muito, muito melhor que isso. Não é um filme perfeito (será que algum é?), há algumas cenas que poderiam ser reduzidas ou mesmo cortadas, mas tem uma boa história e diálogos que soam reais, tanto pela qualidade do roteiro quando pela naturalidade dos atores. Conseguir isso - boa história e diálogos reais - parece fácil, mas não é. E em um ano como esse, de filmes medíocres pra baixo, está quase impossível. Só por isso, só por esse respiro em meio ao lixo, já vale a pena assistir O Casamento de Rachel.

E se eu já disse que a Anne Hathaway está muito boa no papel principal, não posso deixar de elogiar a atriz que faz a irmã dela. Ela se chama Rosemarie DeWitt e, nossa, que atriz fantástica, muito sutil, do tipo que nem parece que está atuando de tão natural. O jeito com que ela vai mostrando o amor e o ódio que a Rachel sente pela irmã é um dos pontos altosdo filme. E DIGO MAIS: é ótimo assistir duas atrizes tão boas no centro de uma história, fazendo um belo trabalho sem tentar roubar a cena mas, ao contrário, levantando a bola uma para a outra, cada vez mais.

O Leitor

2009-02-15T12:32:00.005-03:00

Quando as indicações ao Oscar saíram, a popularidade de O Leitor foi uma das surpresas. O filme, considerado fraco pela maioria dos críticos, disputa categorias importantes como Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Atriz (para Kate Winslet, que, também segundo os críticos, estava bem melhor em Foi Apenas Um Sonho). Não fosse a minha mania de assistir todos os filmes do Oscar antes da premiação, que acontece daqui a uma semana, eu provavelmente jamais assistiria O Leitor, simplesmente porque não tenho muita paciência pra filme de Holocausto. Quer dizer, uma vez que eu estou no cinema, até que tudo bem. O problema é ter vontade, ânimo de assistir um filme como esse, que a gente sabe que no começo vai ter letrinhas brancas do tipo "Alemanha, 1935, Adolf Hitler blá blá blá". Essas letrinhas funcionam como uma espécie de "PRESTA ATENÇÃO" que putz, acabam um pouco com aquela coisa gostosa de ir ao cinema, ver um filme, se divertir e tal. Parece uma coisa mais "ESTAMOS FALANDO DE HISTÓRIA, MILHARES DE PESSOAS MORRERAM, VOCÊ PRECISA REFLETIR", e isso me cansa um pouco. Filme que quer ser importante me cansa um pouco.

Mas enfim, vamos ao filme. Kate Winslet é uma mulher bonitona e meio brava, que um dia conhece um menino de uns 16 anos, acho que em Berlim. Rola um clima e na segunda vez que se encontram eles já estão transando, e ela acaba funcionando como uma espécie de professora sexual dele. Os encontros são regulares e, entre uma "lição" e outra, o menino lê histórias para ela. Um dia, no entanto, ela vai embora da cidade sem se despedir. O menino só a verá anos depois, quando, como estudante de direito, vai acompanhar o julgamento de pessoas ligadas ao nazismo. Entre essas pessoas está a Kate Winslet.

Poderíamos dizer que esse filme se divide, basicamente, em três momentos: o começo, que mostra o relacionamento dos dois; o meio, que se dedica ao julgamento, quando descobrimos que a Kate Winslet era uma oficial nazista; e o final, em que acompanhamos a vida dela mais velha. Na minha opinião, conforme vai passando o tempo, o filme vai piorando. Enquanto a história é só mulher-mais-velha-tem-um-caso-com-cara-mais-novo, até que tem seu charme, porque a fotografia é bonita, a produção é bem feita e tal; quando vira tribunal sobre o nazismo, começa a incomodar; até chegar em um final muito ruim, com problemas que vão desde os diálogos sentimentais à maquiagem da Kate Winslet velha, que é uma das mais falsas que eu já vi e que, embora seja um detalhe, diz muito sobre as intenções desse filme. Em linhas gerais, o problema principal é que esse filme tem um dó absurdo dos personagens, de TODOS os personagens: da nazista, dos judeus, do menino que se apaixonou pela nazista etc etc etc. E se tem uma coisa que eu não suporto é filme que tem dó do personagem. Não sei explicar direito, mas é como se, uma vez que o dó entra na jogada, perde-se a chance de discutir qualquer questão. Para elaborar isso um pouco melhor, no caso desse filme em particular, vou ter de contar algumas coisas importantes da história. Por isso, se você não quer saber detalhes sobre O Leitor, PARE DE LER (rá, trocadilho espontâneo).

A questão principal dessa história não é que a Kate Winslet é nazista, mas sim que ela é analfabeta. Esse é, na verdade, o grande segredo da personagem. Ela tem uma vergonha enorme disso, chegando ao cúmulo de assumir a responsabilidade por um crime que não cometeu sozinha, só para não ter de dizer que não sabe ler e escrever. E eu nem estou tentando entrar numa questão mais moral, de como é meio estranho um personagem ter vergonha de ser analfabeta mas não de ser nazista, porque acho que o filme até poderia ser bom mesmo com esse plot. O problema é que o diretor desse filme (Stephen Daldry, de As Horas, outro filme que tem muita pose e pouca qualidade) quer que a gente tenha pena da Kate Winslet por ela ser analfabeta. E eu simplesmente não consigo ter pena da Kate Winslet por ela ser analfabeta, e nem acho que deveria. Analfabeta ou não, ela é nazista, matou uma galera, e eu não vou deixar de considerá-la uma criminosa só porque ela gosta de ouvir histórias e chora quando ouve um coral de igreja. Seria muito interessante se esse filme mostrasse como uma pessoa capaz de atrocidades também é humana, mas uma coisa é ser humano, outra coisa é ser coitadinho. Uma vez que o coitadinho entra em cena, pra mim já fica apelativo, já deixa de ser real, já perde a relevância, e já me dá motivos pra implicar com todo o resto.

Por exemplo, a maquiagem da Kate Winslet, que é tipo a pior ever. Os caras colocam uns pós brancos e umas rugas absolutamente falsas na cara da mulher e querem que eu acredite que ela envelheceu décadas. Pra piorar, fazem ela encontrar com o menino, que agora tem 40 e poucos anos e é interpretado pelo Ralph Fiennes (um completo banana nesse papel, aliás). Essa cena é absolutamente grotesca, porque tipo, tá na cara que o Ralph Fiennes é pelo menos 20 anos mais velho que a Kate Winslet, só que ela tá lá, com aquele pó branco e aquelas rugas mal feitas, fingindo ser muito mais velha que ele. Na hora eu lembrei da fatídica cena final de Os Desafinados, em que o Rodrigo Santoro aparece vestido de adolescente. Em O Leitor acontece a mesma coisa: a Kate Winslet se veste de velha, e é totalmente ridículo. Todos os outros atores do filme mudam quando a história avança pelos anos, menos ela, e isso é inaceitável. Ou os caras envelhecem todos os atores do começo da história com essa maquiagem escrota, ou escalam novos atores para todos os personagens que vão aparecer na fase final. Não tem como todos os atores mudarem e só uma usar a tal maquiagem, mas é claro que eles não iam tirar a Kate Winslet da parte final e mais sentimental do filme, já que ela precisa ganhar um Oscar esse ano. E podem me chamar de implicante, mas essa decisão de manter a Kate Winslet no papel diz muita coisa. Se as pessoas por trás desse filme estivessem preocupadas apenas em contar uma história boa e convincente, tinham trocado a atriz na fase final. Mas o interesse, aqui, não é esse. Nenhuma decisão é tomada realmente em favor da história, e tá aí mais uma coisa que eu odeio: filme feito pra ganhar prêmio, com fotografia, enredo, atuação, tudo montadinho pra agradar um bando de gente conservadora.

E o final desse filme é totalmente assim, totalmente montado para fazer você sair do cinema com um determinada sensação, o que é outra coisa que me irrita. Uma das últimas cenas é um encontro do Ralph Fiennes com uma mulher que esteve no campo de concentração nazista na época em que a Kate Winslet era oficial. Ele vai conversar com ela para levar uma caixinha de chá cheia de dinheiro que a Kate Winslet quis dar para ela, dinheiro que ficou juntando durantes anos, enquanto estava na prisão. Não fosse esse gesto sentimental o suficiente, e não fosse esse recurso dramático desonesto o suficiente, ainda somos obrigados a ouvir a tal mulher falar coisas como: "quando eu estava no campo de concentração, tinha uma caixinha de chá parecida com essa, onde guardava meus pequenos tesouros, como o ingresso da ópera à qual papai me levou", e lá vamos nós para olhares tristes, lições sobre o Holocausto, reflexões sobre a vida e uns closes típicos de novela, além de uma luz branca de redenção sempre presente para iluminar aqueles dois personagens-símbolos da sobrevivência (ela do campo de concentração, ele do amor pela nazista). A Manohla Dargis, do New York Times, diz que, com todos esse recursos sentimentais, o filme quer "fazer o público se sentir bem em relação a uma catástrofre histórica". Eu concordo plenamente, e acho que, no fim das contas, esse filme deve ser sobre culpa, sobre a culpa que a personagem da Kate Winslet sente, primeiro por ser analfabeta e, lá no fim, por ser uma criminosa. E DIGO MAIS: a culpa é um ótimo tema, que pode ser a base de personagens e histórias complexas, como Clint e Lynch, pra citar dois dos meus favoritos, já mostraram muitas vezes. O problema é que, nas mãos de gente medíocre, culpa vira dó. E dó é um saco.

ABBA - O Filme

2009-02-15T11:47:00.006-03:00

Depois do sucesso de Mamma Mia, o musical com a Meryl Streep, esse filme de 1977 sobre a turnê australiana do ABBA foi relançado nos cinemas. Por um milagre e, acho eu, devido àquele MovieMobz, uma cópia foi parar na sala 9 do Frei Caneca Unibanco Arteplex, de modo que eu pude assistir. Basicamente, trata-se de uma compilação de apresentações deles, intercaladas com um plot fictício e bem bobinho, de um repórter atrapalhado que precisa conseguir uma entrevista com eles a todo custo.

Na verdade a história desse repórter não importa nem um pouco, é só um jeito de não fazer do filme uma apresentação sem intervalos. Se bem que, na verdade, eu não me importaria nem um pouco em ver só a apresentação, já que os melhores momentos são mesmo no palco. Assistindo o show do ABBA eu descobri a dancinha oficial de "Mamma Mia!", que consiste basicamente em levantar o dedo indicador no ritmo da música, percebi que a Frida tinha um pernão e que a Agnetha adorava dar uma reboladinha hahahaha. É que no filme um jornalista pergunta pra ela se é verdade que votaram nela como a melhor bunda da Europa, e ela diz que não sabe, mas chega no show e tá sempre dançando de costas pro público. E DIGO MAIS: vendo o show eu fiquei ainda mais fã das duas. Os caras também eram legais, mas elas eram ótimas. A Agnetha cantava de um jeito dramático, a Frida de um jeito mais classudo, e no fim as duas eram elegantérrimas, mesmo com aquelas roupas estranhas e cantando músicas bregas. E como o melhor do filme são mesmo as apresentações, aqui vão trechinhos de três: "Waterloo", "SOS" e "Fernandooooo".

Foi Apenas um Sonho

2009-01-31T16:54:00.006-02:00

Revolutionary Road é o título original deste filme, uma adaptação de um romance de Richard Yates sobre um casal aparentemente perfeito, mas na verdade cheio de problemas. Ela, uma aspirante a atriz, e ele, um cara charmoso que não sabe o que quer da vida, se conhecem em uma festa, ainda jovens, se apaixonam e começam um relacionamento. Quando ela fica grávida, os dois se mudam para uma daquelas casinhas perfeitinhas com cerquinha branquinha e graminha verdinha em um bairro afastado da cidade, com vizinhos que trazem rosquinhas no meio da tarde. O título do filme é o nome da rua onde fica essa casa, mas nada de revolutionary acontece por lá. O casal, agora com dois filhos, só briga, já que ambos estão cada vez mais sufocados por aquela vidinha normal. Ele não aguenta seu trabalho ridículo em uma fábrica, ela não aguenta a vida de dona de casa. Até que um dia ela tem uma idéia: os dois devem pegar as economias e se mudar para Paris, começar tudo de novo, fugir daquele "vazio sem esperança", viver a vida de verdade, blá blá blá. Mas, depois de uma excitação inicial, eles começam a ver que a mudança não vai ser tão fácil assim, por vários motivos.

Eu falei esse negócio do título original porque realmente me pareceu uma puta sacada ambientar essa história de conformismo em um lugar chamado Revolutionary Road. E eu nunca li Yates, mas só por essa sacada já fiquei com a idéia de que esse livro deve ser muito bom. Só nesse título já existe uma certa ironia, uma coisa meio maldosa da qual eu senti falta no filme, que é basicamente uma produção esteticamente bem acabada, mas absolutamente insignificante, dirigida por Sam Mendes e estrelada por Kate Winslet (esposa dele) e Leonardo Di Caprio, juntos novamente, dez anos depois de Titanic.

Esse detalhe do "dez anos depois" me chamou bastante a atenção porque, de certa forma, eu senti que esse filme tinha um certo ar de olha-como-nós-amadurecemos por parte dos dois atores. Posso estar viajando, mas pareceu que eles estavam querendo mostrar que não são mais as jovens estrelas que protagonizaram a história mais água com açúcar do mundo. Agora eles são atores sérios, inteligentes, que protagonizam romances de autores importantes em que o final não é um grande juramento de amor eterno e sim uma coisa triste, complexa, real. Da mesma forma, parece que o Sam Mendes quis fazer uma espécie de Beleza Americana mais maduro. O tema dos dois filmes não é exatamente igual, mas ambos mostram aquela vida de merda de famílias americanas, pais e filhos entediados, cheios de problemas etc. E eu não lembro muito de Beleza Americana, não é um filme que eu ache especialmente memorável, mas me lembro de que era divertido, tinha humor negro, tinha ironia, tinha uma certa "vida". Em Foi Apenas um Sonho não há nada disso: há apenas ambiente pesado, ar de quero-ser-levado-a-sério, discussões histéricas, ameaças de agressão física, diálogos fortes e dois personagens se achando melhor que o resto do mundo e sentindo pena de si mesmos por não terem a vida que sonharam. E, além disso, talvez algo tenha acontecido com o mundo de 1999, ano em que Beleza Americana foi lançado, até hoje, porque já não é especialmente chocante ou mesmo interessante ouvir uma mulher falando dos filhos como se eles fossem castigo por terem feito ela abandonar os sonhos e coisa do tipo. Esse tipo de crônica da american suburban life está cada vez mais sem graça, porque já foi feita muitas vezes, tanto no cinema como na televisão (Desperate Housewives não é nenhuma maravilha, mas tem essa proposta). E DIGO MAIS: acho engraçado lembrar da Kate Winslet falando, em entrevistas, sobre como foi extremamente desafiador interpretar essa personagem. Porque, no fim das contas, ela é parecidíssima com a que ela interpretou em Pecados Íntimos, há uns dois anos. Tirem o pedófilo da equação e vocês terão a mesma base: mãe bonita e entediada que olha para as outras mulheres do grupo com superioridade, que acha o marido um bocó, que posa de feliz mas chora no carro/lavando a louça, etc etc etc. Aliás, pensando bem, esse filme não é exatamente ruim pelo que ele é, mas sim pelo que ele não é (e talvez ele pudesse ser muita coisa, caso o livro seja bom mesmo). Ele é ruim porque não diz nada de novo, porque é tão average quanto a vida e as pessoas que seus personagens desprezam.

Divagando: Charlie Rose

2009-01-30T16:16:00.004-02:00

A proposta básica do E DIGO MAIS é falar sobre cinema sem muita frescura, do alto da nossa posição de não-especialistas que gostam de assistir filmes, sem a necessidade de citar cinco diretores/filósofos/pensadores em cada texto, traçando paralelos que na verdade só têm o objetivo de mostrar como quem escreve é culto. Mas é bem legal quando você encontra um crítico de cinema que entende do assunto e escreve sobre filmes de modo realmente inteligente, e não metido a besta.

Melhor ainda é quando você encontra dois críticos assim, e conversando um com o outro ainda por cima. Por isso, vim até aqui recomendar a vocês o vídeo de um recente programa do Charlie Rose na TV americana. Os convidados são dois dos críticos que eu mais gosto, A.O. Scott, do New York Times, e David Denby, da New Yorker, que foram ao programa para discutir as indicações ao Oscar. O legal é que esses são dois caras que não ligam a mínima para o que a Academia acha, então tiram um puta sarro de filmes como O Leitor, por exemplo. Isso é ótimo porque, durante a Award Season, poucas pessoas se dedicam a discutir os filmes, e não a competição para o Oscar.

No começo do vídeo, o Charlie Rose diz que, como fã de cinema, acha que quanto mais ele sabe sobre os filmes, mais interessantes eles ficam. Eu concordo plenamente, porque a discussão dos dois me fez querer ver todos os filmes desse ano, sobretudo os que eles falam mal (quase todos hahahaha). E é bem legal ver dois caras que realmente sabem argumentar, né? Por exemplo, eu disse aqui que acho o Brad Pitt limitado, que ele vai bem quando faz o bobão, mas de resto não dá certo. O David Denby disse mais ou menos a mesma coisa nesse programa do Charlie Rose, só que de um jeito muito melhor: "O Brad Pitt não resiste a um close. Ele vai bem quando tem que se jogar pelo set, tipo Clube da Luta, mas quando a câmera se aproxima, não descobre nada nos olhos dele." E o A.O. Scott completa: "Ele não sabe se abrir emocionalmente, é uma perfomance desapegada". É bem isso que eu acho, e é muito bom quando alguém diz o que você queria dizer com mais precisão.

Também é bem interessante a discussão dos dois sobre como esse foi um ano medíocre para o cinema e sobre como muitos dos filmes têm boas atuações mas histórias mal resolvidas (segundo o A.O. Scott, as atuações estão cada vez melhores, mas os roteiros estão cada vez piores). E eles, é claro, também falam dos cinco indicados a Melhor Filme, concordando que, entre as opções, Milk é o melhor. E DIGO MAIS: no começo do vídeo há algumas entrevistas com atores indicados, que não são nada demais. Recomendo que pulem para o minuto 14 e comecem direto no debate. São só 25 minutos, empolguem-se e cliquem aqui.

O Curioso Caso de Benjamin Button

2009-01-27T23:52:00.007-02:00

A essa altura todo mundo já sabe que O Curioso Caso de Benjamin Button tem 13 indicações no Oscar deste ano, incluido as de melhor filme e de melhor ator para Brad Pitt. Fui assistir no momento certo. Estava com boas expectativas, mas ao mesmo tempo não tinha lido nenhuma crítica e as indicações ainda não tinham saído (não que isso seja um indicador muito revelante). Desde então, já li desde críticas mais apaixonadas às que o consideraram piegas e bobo; uma recriação de Forrest Gump, especialmente porque é o mesmo roteirista. Não conheço a história original de Fitzgerald, mas aparentemente o diretor David Fincher (Seven, Clube da Luta, Zodíaco) a modificou bastante. No artigo publicado por João Pereira Coutinho na edição de hoje da Folha fica claro que a história original é mais interessante e mais politicamente incorreta do que a que chegou ao cinema. O bebê velho do livro fuma charuto e lê enciclopédias. O bebê velho do filme é um... bebê.

Não vou entrar nessa discussão porque sei que o que vi é a versão do diretor, por mais que essa talvez não tenha sido a opção mais feliz para a adaptação. Mas mesmo que seja a opção mais piegas, eu comprei a história e gostei bastante. O filme segue a típica cartilha de Hollywood para as grandes produções. A história é contada a partir das anotações de um diário, há uma história de amor que não se acerta, há cenas emotivas e há boas mensagens. Mas essas mensagens, que de certa maneira são as mesmas que você pode encontrar em um livro de auto-ajuda, são apresentadas com um belo plano de fundo. As imagens dão muita força à história e, se você embarca na narrativa, não há como não gostar do que está sendo exibido. Justamente por isso os melhores momentos do filme são aqueles em que o Brad Pitt decide sair de casa para viajar, trabalhar e conhecer novas pessoas. É como acompanhar a vida completa de uma pessoa, com a particularidade de que esta vida está ao contrário e isso traz novas escolhas e novas decisões. Em uma das cenas do filme a personagem da Cate Blanchett diz "não se preocupe tanto, no final todo mundo acaba usando fraldas". E o filme versa exatamente sobre isso: uma vida ao contrário que é semelhante a todas as outras.

O Brad Pitt recebeu a indicação de melhor ator (provavelmente pela transformação), mas nem ele nem a Cate Blanchett estão excepcionais nos papéis. Apenas cumpriram a tarefa. Talvez quem esteja melhor seja a Taraji P. Henson, que faz a mãe adotiva do Benjamin Button e recebeu uma indicação de atriz coadjuvante. Mas ela fez o típico papel de uma mãe negra animada brava engraçada e religiosa que já vimos muitas vezes no cinema. Os efeitos visuais, a fotografia e a maquiagem, óbvio, são excelentes. Mas o que valeu mesmo para mim foi a história. E DIGO MAIS: filme longo costuma ser chato, mas os 160 min de Benjamin Button passam rapidinho.

Café dos Maestros

2009-01-27T10:35:00.005-02:00

Gustavo Santaolalla é um produtor e compositor argentino que fez a trilha sonora de filmes como Amores Brutos, 21 Gramas, Diários de Motocicleta e Brokeback Mountain. Foi por essa última trilha, realmente ótima e tristíssima, que ele ficou famoso, ganhou Oscar e virou o novo "it guy" para original score. Depois ele ganhou outro Oscar, se não me engano por Babel, o que consolidou a fama. Ele continua fazendo parcerias com diretores latinos tipo Walter Salles (fez a trilha de Linha de Passe e do novo On The Road), o que deve explicar como surgiu Café dos Maestros, um documentário sobre tango, ou, como o Marcelo definiu antes de vermos o filme (ênfase no "antes"), uma espécie de Buena Vista Social Club da Argentina. O Walter Salles não é o diretor (tal cargo fica para Miguel Kohan - prazer, Luísa) mas sim o produtor, de modo que o filme é brasileiro, tem dinheiro da Petrobras e coisa do tipo. Aí eu chuto que, das duas uma: ou o Gustavo Santaolalla queria fazer um documentário sobre tango, lançou a idéia para o Walter Salles e ele topou, do tipo claro-que-você-pode-fazer-um-documentário-amigão-talentoso-que-eu-adoro; ou o Walter Salles quis imitar o seu ídolo Win Wenders, mas precisava de um Ry Cooder, então chamou o Santaolalla para participar. E DIGO MAIS: eu até poderia procurar na internet algo sobre como o filme surgiu, mas as minhas versões para a história (tanto a puxa-saco como a maldosa) são tão plausíveis que eu me dou por satisfeita.

Passemos, então, para o filme em si, que de Buena Vista Social Club não tem nada. Bem, tem o fato de ser um documentário sobre a música típica de um país latino e o fato de vários músicos antigos se reunirem para tocar em um teatro grande no final. Mas acontece que nem o Walter Salles nem esse tal Miguel Kohan são o Win Wenders, e o resultado é um filme confuso e mal editado, que não explica ou informa nada sobre aqueles músicos ou aquela música para o espectador. Eu adoro tango e tudo o que tem a ver com a Argentina, mas não entendo porcaria nenhuma sobre o assunto, então não adianta jogar umas histórias soltas na tela e falar de umas pessoas xis aleatoriamente, porque eu só sei quem é Carlos Gardel e olhe lá. O legal de Buena Vista é que o Win Wenders vai acompanhando cada músico, contando a história de cada um, mostrando a casa e a realidade em que eles vivem. Quando chega o show, você já entendeu a importância daqueles músicos e o quanto eles estão felizes com aquela reunião. Em Café dos Maestros tudo é cortado, as histórias são contadas pela metade e você só vai saber o nome dos músicos nos créditos. Então ficou parecendo que eles fizeram um filme só para iniciados, o que é uma idéia bastante estúpida.

Aliás, bem no começo do documentário um dos músicos diz algo como: "se você ouvir um tango e não sentir seu peito estremecer, dedique-se a outra coisa". Essa frase define bem esse filme, que só pode ser assistido por quem gosta muito de tango ou ao menos da Argentina. Eu, por exemplo, até gostei de ter visto porque gosto da música e pude rever o Obelisco, a pizzaria Kentucky e a calle Suipacha. Mas se você só está procurando bom cinema, dedique-se a outro filme.

Divagando: Oscar 2009

2009-01-22T23:12:00.004-02:00

Saíram hoje as indicações para o Oscar e afe, que desastre. Tudo bem que esse ano foi meio triste para o cinema, mas eu esperava mais até da Academia mais zuada do planeta (depois da Academia do Grammy, or whoever vota no Grammy). É verdade que eu não assisti nenhum dos cinco indicados a Melhor Filme, que são O Curioso Caso de Benjamin Button, Frost/Nixon, O Leitor, Milk e Quem Quer Ser Um Milionário? (argh, que tradução zuada). Mas, olhando assim de longe, nenhum me parece ser obra-prima, memorável ou ao menos muito bom, como foi Onde Os Fracos Não Têm Vez no ano passado. Aliás, esse O Leitor ser indicado a Filme, Diretor e Atriz (Winslet, argh) foi bem brochante, porque esse filme é sobre holocausto e sobre uma mulher mais velha que tem caso com um molecote que lê pra ela, ou seja, bo-ring. Eu vou ver esse filme porque eu gosto de ver todos os filmes do Oscar, mas posso afirmar com certeza que quando o filme começar e aparecerem aqueles textinhos brancos do tipo "Alemanha, 1935, blá blá blá", eu vou dar um puta suspiro.

Kate Winslet foi indicada só a um prêmio (ela estava cotada para dois), o de Melhor Atriz, junto com Anne Hathaway, Meryl Streep (décima quinta indicação dela), Angelina Jolie (blergh) e, numa das únicas boas surpresas do dia, Melissa Leo (que fez a mulher do Benicio Del Toro em 21 Gramas, entre outros bons papéis coadjuvantes), que deve estar muito bem em um filme indie chamado Frozen River. É para ela que eu vou torcer, mas parece que a Kate Winslet está mesmo na frente dessa vez, depois de propagandear para o mundo que quer ganhar o Oscar, porque perdeu cinco vezes e não aguenta mais. Esse negócio de sair na capa da Vanity Fair falando que precisa ganhar o Oscar fez com que eu pegasse uma implicância monstro dela porque 1-) você é uma atriz, se preocupe com o seu trabalho e não dê tanta importância pra um prêmio; 2-) se você é tonta e dá tanta importância para um prêmio, ao menos finja que não dá; 3-) não é nenhuma injustiça ela nunca ter ganho o Oscar, porque ela não é nenhum talento monstruoso, nenhuma grande atriz que vai marcar a história do cinema pra sempre, e não vamos esquecer que uma dessas cinco indicações foi por Titanic, outra foi num ano em que a Hillary Swank tinha arrasado em Menina de Ouro, outra foi num ano em que a Helen Mirren tinha arrasado em A Rainha, e as outras duas eu nem lembro de tão irrelevantes. Ou seja, get over yourself.

A única coisa boa de a Kate Winslet ganhar é que assim a Angelina Jolie perde, e eu já tô vendo a malice que vai ser esse Oscar porque, não bastasse ela ter sido indicada, o xarope do Brad Pitt também foi. Então vocês imaginam a zona, o auê, a babaquice que isso vai gerar. E DIGO MAIS: o Brad Pitt ser indicado é tipo uma piada, eu não acredito até agora que isso aconteceu. OK, eu sei que tem gente que acha ele bom ator (meu amigo Daniel, por exemplo), mas eu continuo achando que o Brad Pitt é um cara limitadíssimo, sem força nenhuma, que só faz bem o papel de bobão-bonitão ou esperto-bonitão, como em Queime Depois de Ler, Clube da Luta ou Onze Homens e um Segredo. De resto, não consigo levá-lo a sério, e posso apostar que essa indicação é fruto da histórica adoração do Oscar por papéis em que os atores mudam de cara, envelhecem, ficam feios etc. Uma pena, porque ia ser fantástico ver The Clint indicado ao lado de Sean Penn, Richard Jenkins, Frank Langela e Mickey Rourke.

Falando em Mickey Rourke, outro furo incrível desse Oscar foi o fato de o Bruce Springsteen não ter sido indicado a Canção Original pela música que fez para The Wrestler, estrelado pelo Mickey. Eu não sou a maior fã do Springsteen, gosto de umas coisas aqui e ali, mas essa música era realmente bonita, bem sobre um cara fracassado, bem sobre o próprio Rourke na verdade. Essa é mais uma prova de que a categoria de Canção Original precisa ser excluída imediatamente, já que a Academia tem um gosto criminoso quando o assunto é música. OK, eles fazem mil cagadas nos prêmios de cinema. Mas putz, por mais que eu ache um absurdo a Reneé Zellwegger ter sido eleita a melhor qualquer coisa de qualquer ano, pior é o Elliott Smith ter pedido pra Celine Dion, as músicas de Na Natureza Selvagem perderem espaço para musiquinha lixo de filme da Disney, aquela gritaria de Dreamgirls ser indicada três vezes no mesmo ano etc etc etc. Claro, de vez em quando um Bob Dylan ganha, até um Jorge Dextler a gente comemora, mas no geral a coisa é tão grave que eu tô começando a sentir falta dos tempos em que o Phil Collins saía vencedor.

No mais, é isso. Dia 22 de fevereiro a gente vê no que deu essa palhaçada.

A Troca

2009-01-19T23:07:00.004-02:00

Embora eu costume ser indecisa em relação a quase todas as coisas do mundo, quando o assunto é filme eu geralmente não tenho meio termo: ou gosto ou não gosto. Mas hoje, após assistir A Troca, um dos dois filmes que The Clint lança esse ano, saí do cinema com aquela sensação de será-que-eu-gostei-ou-não?

O filme conta a história real de Christine Collins (Angelina Jolie), uma mulher trabalhora que cai em desgraça quando o filho pequeno desaparece. Cerca de 5 meses depois, a polícia de Los Angeles devolve uma criança que diz ser filho dela, mas que ela tem certeza de que não é. Como não consegue ser ouvida sobre "a troca", ela precisa arrumar briga com a polícia, contando com a ajuda de um reverendo (John Malkovich) cuja mission in life é revelar a podridão da LAPD.

Vamos começar pela parte que eu gostei. Eu gostei da história, porque como em quase todos os filmes do Clint, ela é muuuuuito mais complexa e sombria do que parece. Eu gostei de umas cenas que eram fortes e perturbadoras no bom sentido. Eu gostei da fotografia, do tom meio cinza, daquele uso do escuro, que nunca deixa a gente ver tudo. Eu gostei de como a câmera ficava parada no rosto de quem estava ouvindo, e não falando - um tipo de filmagem que eu passei a valorizar depois de Menina de Ouro. E eu gostei da atuação de quase todos os atores (chutem quem é a exceção hahahaha), sobretudo a do John Malkovich, que fala cinco palavras com tanta força que já deixa a marca dele. Em suma, eu gostei das partes que me lembravam o Clint.

E aí vocês vão dizer que eu persigo a Angelina Jolie, mas putz, juro que o problema do filme é ela. E eu acho que não é exatamente porque ela esteja atuando mal, embora em um ou outro momento ela vá bem mal mesmo, do tipo vergonha alheia. Mas acho que problema é ela mesmo, ela, Angelina Jolie, a pessoa mais do que a atriz. Antes eu achava que esse negócio de ficar indo pra África lutar pelas criancinhas (desde que a imprensa esteja junto, claro) e de ficar tendo/adotando filho o tempo inteiro e pagando de família feliz e mãe leoa, eu achava que tudo isso só fazia da Angelina Jolie uma pessoa chata e superexposta. Mas hoje cheguei à conclusão de que essas coisas estão prejudicando a carreira dela. Porque no cinema ela também adora fazer esses papéis do tipo mulher coragem (vide aquele do Michael Winterbottom que ela fez ano passado ou aquele zuado com o Clive Owen que eu não vi e não gostei). Ela sempre quer protagonizar uma grande história de persistência, de mulher forte que passa por uma provação e blá blá blá. E eu não sei se eu que realmente tenho perseguição com ela, mas nossa, essa Christine Collins me irritou demais. Porque ela fala toda chorosinha, abaixa a cabeça devagar, pisca o tempo todo, desmaia, sussurra, e é toda coitadinha e forçadinha assim, até que chega o momento de encontrar forças e virar uma leoa porque o amor de uma mãe blá blá blá. E aí tipo, eu achei ela tão ruim, tão ruim, que sempre que ela aparecia as coisas deixavam de funcionar: a cena ficava arrastada, sentimental, excessiva, falsa, feita pra ganhar Oscar, ruim. Aí ela saía de cena e - tcharan - tudo dava certo. Na minha cabeça eu fiquei pensando em como seria fantástico se a personagem dela fosse limada e a história fosse sobre o John Malkovich, do tipo um padre que investiga uns crimes de crianças desaparecidas para denunciar as podridões da polícia de Los Angeles nos anos 1920. Ia ser um puta filme animal, sem essas coisas de mãe sofrida, que na mão da Angelina Jolie fica mais sofrida ainda. E DIGO MAIS: se o Clint não deu jeito nessa mulher...

Marley e Eu

2009-01-13T10:35:00.005-02:00

Se tem uma coisa que eu tenho certeza sobre Marley e Eu é que daqui a alguns anos eles vai passar repetidamente na Sessão da Tarde, junto com Bethoven, Bingo e todos os filmes aos quais se aplicar o subtítulo "esperto pra cachorro". E DIGO MAIS: se eu puder ter um voto nessa questão, gostaria de recomendar fortemente que poupem as pobres criancinhas do sofrimento que é ver esse filme.

Ok, supostamente ele é uma comédia (eu ri algumas vezes, mas achei mais bobo que engraçado, pra falar a verdade) sobre um cachorro muito doido que come tudo, destrói tudo, não obedece nada e quase enlouquece os donos, interpretados por Owen Wilson e Jennifer Aniston. É, aliás, a versão para o cinema de um best-seller escrito por um jornalista americano que seria o Owen Wilson, um cara talentoso mas meio subempregado, que começa a escrever colunas sobre o seu cachorro em um jornal e começa a se dar bem. O que a sinopse não conta é que grande parte do filme é deprê pra caramba, com o casal levando uma vida infernal cheia de criança berrando, cachorro bagunçando tudo, brigas e decepções do tipo cheguei-aos-40-anos-e-não-fiz-nada-do-que-eu-queria. É claro que, no final do filme, vão vir lições de moral sobre como na verdade esse cara, pai de três filhos, com uma mulher gente fina e um emprego em um jornal da Filadélfia, se deu muito melhor que o amigo bonitão que pega uma mulher por dia e se aventura no México fazendo reportagens para o New York Times. E tipo, não é que eu seja uma pessoa que julga quem é mais feliz pelo emprego, nem que eu seja uma pessoa aventureira que acha que quem casa e tem filhos se ferra na vida. Eu só acho que filme que passa esse tipo de mensagem é meio babaca.

Mas tudo bem, eu perdoaria tudo isso, porque no fim das contas ainda é divertido ver um cachorro aprontar umas e outras (vejam a foto do pôster, não tem como não achar fofo). O problema vem no final do filme, quando somos tomados por um festival de recursos desonestos e apelativos, de um sentimentalismo absurdo, que foram cuidadosamente pensados para fazer a platéia se matar de chorar. E até eu, que estava absolutamente ciente dessa intenção, não resisti e chorei até ficar com dor de cabeça, lembrei do meu cachorro Iggy Pop, pensei em umas amigas que têm cachorro, e sobretudo fiquei esperando a personagem da Jennifer Aniston anunciar que estava com câncer, porque era só o que faltava pro festival de choradeira programada se completar.

Poder Absoluto

2009-01-03T16:34:00.011-02:00

Uma das coisas legais de você curtir um ator/diretor de quase 80 anos é que sempre tem um filme dele que você não viu. No caso do Clint, tem um monte, e um deles era Poder Absoluto, lançado em 1997. Não se trata de um highlight da carreira dele, aliás, é um filme até meio forçadinho. Mas o Clint é um daqueles atores cuja persona cinematográfica sempre faz o filme valer a pena. Em Poder Absoluto, ele é um ladrão de jóias muito foda que dá altos bailes na polícia há vários anos. Um dia ele está roubando a casa de um figurão americano quando a esposa desse cara chega com um amante. Ele se esconde no cofre, que tem uma porta de espelho: ele pode ver tudo o que está acontecendo no quarto, mas quem está no quarto não o vê. Dessa forma, ele testemunha um crime: o amante começa a bater na mulher e acaba sendo baleada por um agente do serviço secreto. Isso porque o amante é o presidente dos Estados Unidos.

Sempre que algum filme de suspense envolve o presidente dos Estados Unidos as coisas se complicam um pouco, porque tudo que acontece a gente pensa "rá, até parece". Não que eu queira que os filmes sejam fiéis à realidade o tempo todo, ao contrário, eu adoro 24 Horas e sei dar um desconto pra curtir a loucura da história. Mas sei lá, acho que Poder Absoluto ganharia bastante se o cara fosse senador e não presidente, por exemplo, só pra facilitar o "embarque" no filme. De qualquer forma, é um suspense acima da média, com ótimas atuações (Laura Linney, Ed Harris, Gene Hackman). E DIGO MAIS: é legal assistir os filmes do Clint e analisar como ele foi amadurecendo como diretor e ator. Li uma resenha na New Yorker na qual o crítico dizia que o personagem do Clint em Gran Torino é o homem que o Dirty Harry teria se tornado ao envelhecer. Fiquei com isso na cabeça e cheguei à conclusão de que, de fato, os filmes e personagens do Clint, juntos, contam uma história.

Top 2008

2009-01-03T15:37:00.005-02:00

O ano acabou e a tradicional listinha de melhores e piores chegou. Não consegui escolher dez títulos para cada categoria visto que, em ano de TCC e sem Mostra de Cinema, só vi 41 filmes, o que é basicamente uma tragédia pra mim, que vi 112 em 2007, 120 em 2006, 114 em 2005 e 89 em 2004 (sim, eu conto, sou louca, obrigada). Prometo melhorar a marca em 2009, embora a falta de carteirinha de estudante possa representar um obstáculo. Enfim, vamos lá, com cinco mesmo:

TOP 5 MELHORES FILMES DE 2008
O Escafandro e a Borboleta - Julian Schnabel
A Família Savage - Tamara Jenkins
Onde os Fracos Não Têm Vez - Joel e Ethan Coen
Sangue Negro - Paul Thomas Anderson
Wall-E - Andrew Stanton

Menção honrosa: Ensaio Sobre a Cegueira - Fernando Meirelles

TOP 5 PIORES FILMES DE 2008
A Caçada - Richard Shepard
Os Desafinados - Walter Lima Jr.
Uma Garota Dividida em Dois - Claude Chabrol
O Melhor Amigo da Noiva - Paul Weiland
O Sonho de Cassandra - Woody Allen

Menção "honrosa": Um Beijo Roubado - Wong Kar Wai

Feliz ano novo, com filmes mais legais.

Último Tango em Paris

2008-12-14T22:48:00.005-02:00

Eu sempre quis assistir Último Tango em Paris, não porque as pessoas falam desse filme como se fosse um clássico, nem exatamente por causa da história (que eu nem sabia qual era, na verdade), mas sim por causa do título. Último tango...em Paris. É tão bonito isso, né? Porque dá uma idéia de romance, de que o filme é sobre um grande amor, mas, ao mesmo tempo, esse "último" já indica que tudo vai acabar. Então eu fui esperando uma coisa meio As Pontes de Madison, do tipo que-seja-eterno-enquanto-dure.

Aí comecei a ver e percebi que a proposta não era exatamente essa. No filme, o Marlon Brando é um americano que vive em Paris. Um dia ele está num apartamento quando entra uma francesinha toda empolgada e levemente irritante que busca um lugar para morar. Os dois soltam umas duas frases, ela diz que está pensando em alugar aquele apartamento, aí ele olha pra ela, ela olha pra ele, ele pega ela no colo, leva ela pro canto da sala e os dois têm a primeira de várias relações sexuais naquele lugar (o apartamento, não o canto da sala). Ela se empolga mais ainda, volta lá para encontrá-lo, e ele ensina as regras do jogo: enquanto estiverem juntos no apê, nenhum dos dois pode dizer o nome ou falar sobre sua vida, seu passado etc. Então basicamente ela só chega no apartamento e ele começa a falar e fazer umas coisas mega pesadas. Eu imagino que esse filme deva ter causado um puta auê quando foi lançado porque a cada cinco palavras que o Marlon Brando fala, uma é "ass", e não é um "ass" ok do tipo série de TV, é um "ass" sujão, tão sujão que até "ass" de rato morto entra na história. E DIGO MAIS: eu lembro que quando aquele filme Closer foi lançado, há uns quatro anos, umas pessoas ficaram discutindo o quão revolucionário era o jeito direto com que os personagens falavam sobre sexo. Se na época eu já não achei nada demais, agora que vi Último Tango em Paris tô achando Closer filme de criança.

Mas enfim, voltando à história em si, paralelo aos encontros do casal a gente descobre que o Marlon Brando acaba de ficar viúvo e tem altos dramas pessoais, que a menina vai se casar em breve com um francezinho mala e coisas do tipo, mas o tempo todo eu fiquei meio incomodada porque sentia que estava entendendo a história, mas não os personagens, por qual motivo eles faziam o que faziam. Essa parte da menina com o francezinho me irritou bastante, não sei se porque o cara era mala mesmo ou simplesmente francês, hahahaha. Mas sei lá, os dois ficavam fazendo um filme, andando pelo campo, ela relembrava coisas da infância, daí começava a refletir sobre amor, casamento e blá blá blá, sendo que por mim a coisa ficava só no Marlon Brando, que também tinha lá suas reflexões malas, mas pelo menos ele é o Marlon Brando e atua bem pacas.

Eu até escolhi um pôster que só tem ele pra ilustrar esse post porque eu fiquei pensando que se fosse um ator menos foda e com menos presença eu não ia ter visto esse filme até o fim. Talvez esse comentário seja meio injusto, porque o que eu mais gostei, na verdade, foi da filmagem do Bertolucci, que pegou uns ângulos diferentes e mandou ver uns planos-sequências incríveis. Mas, por algum motivo, não foi suficiente para eu realmente gostar desse filme.

Não vi e já gostei: Gran Torino

2008-12-13T17:15:00.018-02:00

Quem acompanha o E DIGO MAIS já me viu falar algumas vezes da Manohla Dargis, editora-chefe de Cinema do New York Times, junto com o A.O. Scott. Os dois são não apenas os meus críticos cinematográficos preferidos, como também, acho eu, os dois jornalistas que eu mais gosto. Porque além de eles terem um puta gosto e justificarem perfeitamente o que gostam ou não gostam em um filme, também escrevem muito bem. Essa semana li um texto de um editor do Los Angeles Times dizendo que, quando a Manohla era crítica lá, um monte de produtor ligava no jornal implorando pra não ser ela a autora da resenha do filme que eles estavam lançando. Isso porque ela tem fama de detonar sem dó (assim como também escreve com uma empolgação incrível sobre filmes que ela gosta, como os do Lynch por exemplo). O editor disse, também, que o Harvey Weinsten, dono da Miramax e famoso por gastar milhões em campanha pro Oscar, a convidou para almoçar seguidas vezes, numa tentativa de ganhá-la no charme, e ela sempre disse não. Não sei em que ano isso aconteceu, mas é engraçado pensar que em uma resenha recente a Manohla detonou com a esperança da Miramax pro Oscar, um filme chamado The Reader, estrelado pela Kate Winslet (leiam o texto aqui). Todo esse blá blá blá sobre a Manohla Dargis para dizer que, embora eu nem sempre goste dos mesmos filmes que ela, respeito muito o que ela pensa. E também para introduzir o primeiro dos vários trechos que eu vou citar aqui da resenha que ela fez de Gran Torino, o novo filme do Clint. O texto começa assim:

"Twice in the last decade, just as the holiday movie season has begun to sag under the weight of its own bloat, full of noise and nonsense signifying nothing, Clint Eastwood has slipped another film into theaters and shown everyone how it’s done. This year’s model is Gran Torino, a sleek, muscle car of a movie Made in the U.S.A., in that industrial graveyard called Detroit. I’m not sure how he does it, but I don’t want him to stop. Not because every film is great — though, damn, many are — but because even the misfires show an urgent engagement with the tougher, messier, bigger questions of American life."

É exatamente isso o que acontece, não é? Chega novembro e você começa a pensar que, putz, o ano foi uma merda para o cinema. Ok, algumas vezes você se divertiu, alguns filmes do ano passado que chegaram aqui em fevereiro e março fizeram você pensar. Mas, no geral, você está sentindo falta daquela sensação deliciosa de sair do cinema empolgado, sentindo que viu uma coisa marcante de verdade. Aí vem The Clint, lança um filme (Sobre Meninos e Lobos, Menina de Ouro, Cartas de Iwo Jima) e pronto: o ano valeu a pena. E o mais legal é que esses filmes todos meio que surgem do nada. Você nem sabia direito que eles estavam sendo feitos, ouviu falar que a filmagem acabou em outubro e por isso espera que o lançamento fique pro ano que vem. Mas The Clint vai lá, edita o troço com o Joel Cox em uma semana e pronto. E agora ele tá com essa mania de fazer dois filmes no mesmo ano. Em 2006, todo mundo estava esperando com ansiedade A Conquista da Honra, o primeiro dos dois filmes que o Clint lançou sobre a batalha de Iwo Jima. O filme estreou e, embora fosse muito bom, tinha suas falhas. Só que justamente quando a turma começa a falar em "decpeção", surge Cartas de Iwo Jima, e putz, que filmaço.

A história parece estar se repetindo em 2008. No começo, o verdadeiro buzz estava em A Troca, aquele filme que o Clint dirigiu com a Angelina Jolie (argh) e sobre o qual eu já falei aqui. A produção passou no Festival de Cannes, agradou muita gente e, de lá para cá, ganhou resenhas boas e até ótimas (uma exceção é o A.O. Scott, que se decepcionou bastante e falou mal pacas da Angelina Jolie, que pelo trailer parece estar terrível mesmo - leiam o texto aqui). Mas eis que surge Gran Torino, um filme que ninguém nem sabia direito o que era, e que muitos diziam ser mais um da série Dirty Harry. E aí, amiguinhos, A Troca perde espaço e todo mundo curte, de verdade, o segundo projeto: menor, mais barato, mais simples, mais Clint.

O filme, pelo que eu entendi, tem várias surpresas, então vou dizer apenas o pouco que sei. The Clint interpreta um veterano da Guerra da Coréia que acaba de perder a esposa e meio que quer ficar sozinho sem ninguém enchendo o saco dele. Mas o bairro em que mora não ajuda muito, porque está cheio de negros e imigrantes asiáticos, incluindo alguns que fazem parte de uma gangue. Por alguma razão, o Clint, que odiava todo mundo, começa a se relacionar com a família de chineses que mora na casa ao lado. E aí, acredito eu, é que deve começar a história de verdade. O nome do filme é o mesmo do modelo do carro do perosnagem do Clint, que aparentemente tem grande importância na trama.

O trailer, que vocês podem ver abaixo, é sensacional e dá a impressão de que Gran Torino tem diversas características dos últimos filmes do Clint: a música triste e melancólica que ele mesmo compõe; aquela cidade cinza e escura de Sobre Meninos e Lobos; o cara que quer ficar sozinho mas começa uma relação importante com alguém, como em Menina de Ouro; a diferença de culturas e raças, que o interessou tanto em A Conquista da Honra/Cartas de Iwo Jima; e a coisa da culpa, do cara que é marcado pelo que fez no passado, que é contante na filmografia do Clint. Tem, ainda, ele dando porrada, apontando arma e dizendo frases de efeito, o que evoca os filmes mais antigos. Em determinado momento um dos vizinhos pergunta: "como você se sentiu ao matar um homem?". E o Clint responde: "You don't wanna know". Na hora me lembrei daquela que talvez seja a minha cena preferida de Os Imperdoáveis, quando o Clint explica para um jovem cheio de banca: "It's a hell of a thing killing a man". Assim como o filme, a atuação do Clint vem sendo muito elogiada. Ele ganhou o prêmio de Melhor Ator do National Board of Review e ótimas críticas - o Wall Street Journal, por exemplo, disse se tratar de "a performance of a lifetime". A Manohla, por sua vez, escreveu:

"Mr. Eastwood’s loose, at times very funny performance in the early part of the film is one of its great pleasures. While some of this enjoyment can be likened to spending time with an old friend, Mr. Eastwood is also an adept director of his own performances and, perhaps more important, a canny manipulator of his own iconographic presence. He knows that when we’re looking at him, we’re also seeing Dirty Harry and the Man With No Name and all his other outlaws and avenging angels who have roamed across the screen for the last half-century. All these are embedded in his every furrow and gesture. These spectral figures, totems of masculinity and mementos from a heroic cinematic age, are what make this unassuming film — small in scale if not in the scope of its ideas — more than just a vendetta flick or an entertainment about a crazy coot and the exotic strangers next door."

E o final do texto é muito bonito:

"That probably sounds heavier than I mean, but Gran Torino doesn’t go down lightly. Despite all the jokes — the scenes of Walt lighting up at female flattery and scrambling for Hmong delicacies — the film has the feel of a requiem. Melancholy is etched in every long shot of Detroit’s decimated, emptied streets and in the faces of those who remain to still walk in them. Made in the 1960s and ’70s, the Gran Torino was never a great symbol of American automotive might, which makes Walt’s love for the car more poignant. It was made by an industry that now barely makes cars, in a city that hardly works, in a country that too often has felt recently as if it can’t do anything right anymore except, every so often, make a movie like this one."

Depois dessa, só cabe a mim passar o link do texto completo (aqui) e recomendar mais um, também do New York Times, um perfil do Clint escrito por Bruce Hadlam. Entre as pérolas desse texto está o momento em que o jornalista pergunta para quem o Clint faz seus filmes, e ele responde: "You're looking at him". E DIGO MAIS: não deixem de acessar este outro link para ouvir uma das faixas da trilha de Gran Torino, em que o Clint canta!!! Ai, ai, vai ser difícil esperar até fevereiro...

Queime Depois de Ler

2008-11-29T19:17:00.015-02:00

Os irmãos Coen são dois dos diretores mais legais da atualidade. Eles são inteligentes, engraçados, criativos, originais, têm uma estética bem particular e, como a última Award Season deixou claro, são dois caras que querem fazer as coisas deles e estão meio que nem aí pra toda a celebrity fluff de Hollywood. Eu não vi Fargo e Gosto de Sangue, considerados dois dos melhores filmes deles, mas pirei em Onde os Fracos Não Têm Vez, adoro O Grande Lebowski, me divirto demais com Arizona Nunca Mais e considero O Amor Custa Caro a melhor e mais inteligente comédia romântica das últimas décadas. Em resumo, acho os caras divertidos e talentosos.

Por isso, quando os Coen vão mal ou vão na média, a decepção é grande. É o caso de Queime Depois de Ler, que tem um trailer fantástico mas, como filme, me pareceu bobo e sem graça. A história é meio complexa, porque embaralha vários personagens. Temos o John Malkovich como um analista da CIA que é demitido e decide escrever suas memórias. Ele é casado com a Tilda Swinton, que tem um caso com o George Clooney. Além de sair com a Tilda Swinton, o Clooney também arruma uns encontros pela internet. Um deles é com a Frances McDormand, que trabalha em uma academia junto com o Brad Pitt. Essa dupla encontra um CD com as tais memórias do John Malkovich, tentam tirar uma grana dele, aí a coisa complica e todos os personagens vão se enfiando no rolo.

Há bons momentos e boas piadas, mas, por alguma razão que eu não sei ao certo, a coisa não se sustenta. Uma das coisas que mais me incomodou foram as atuações, principalmente do George Clooney e da Frances McDormand. Isso me surpreendeu bastante porque o Clooney sempre se sai bem no estilo bobão que os Coen pedem (esse é o terceiro filme deles em que ele atua), e sobretudo porque a Frances McDormand é uma atriz que eu sempre acho no mínimo boa. Em Queime Depois de Ler, no entanto, os dois estão muito forçados, muitíssimos careteiros. Claro, eu entendo que a proposta dos Coen sempre carregue esse exagero, mas dessa vez não funcionou. Ficou parecendo que os atores estavam se divertindo bastante com a brincadeira, mas a piada ficou no set e não chegou até mim. O Brad Pitt é quem se sai melhor, como um fortão totalmente estúpido. Acho que ele consegue fazer o tonto com mais facilidade que a Frances, uma atriz sutil que, quando precisa exagerar um pouquinho, chuta o balde.

Por isso, os grandes atores do filme, pra mim, não são os creditados no pôster e sim três "character actors", daqueles que a gente não sabe o nome, mas conhece a cara. O Richard Jenkins (que fez o advogado da Zeta-Jones em O Amor Custa Caro) é o dono da academia onde a Frances trabalha, e tem um jeito medroso, loser e engraçado. Já o David Rasche (que fez o senador de A Conquista da Honra) e o J.K. Simmons (que fez o pai da Juno no filme de mesmo nome) são dois chefões da CIA que ficam discutindo toda a confusão entre os personagens de um jeito totalmente hilário, tentando encobrir tudo o que for possível. Os dois estão fantásticos e são responsáveis pelas melhores cenas do filme. E DIGO MAIS: poucas vezes eu torci tanto para as grandes estrelas saírem da tela e darem lugar aos tão superiores coadjuvantes. [na foto, da esquerda para a direita, Jenkins, Rasche e Simmons]

Vicky Cristina Barcelona

2008-11-16T18:36:00.006-02:00

Depois de quase sete meses sem postar nada por aqui, nem sei se mais se faço parte da equipe do blog. De qualquer maneira, tenho a senha e vou continuar escrevendo quando der na telha. Fico como colaborador. Vicky Cristina Barcelona passou na Mostra de Cinema de São Paulo, no final de outubro e começo de novembro. Eu quase consegui ver a última sessão do filme no festival, mas os ingressos esgotaram rapidinho. Fui ver hoje em sessão lotada e achei excelente.

Logo no começo curti bastante a Rebecca Hall. Não conhecia a atriz mas ela é linda demais, e disputa pau a pau com a Scarlett Johansson no quesito "foda". Ao menos nesse filme, a Rebecca leva a melhor. Elas são duas amigas que vão passar dois meses em Barcelona. A Rebecca é mais certinha, vai se casar com um executivo rico, almofadinha e que joga golfe. A Scarlett é louquinha, quer curtir a vida e não pensa muito no que faz. Bem clichê mesmo. Até que aparece o Javier Bardem, pintor cheio da lábia, e rapidamente pega as duas. Prefiro não contar mais do que isso pra não estragar o filme. Como se já não bastasse as duas moçoilas em cena, tem ainda a Penélope Cruz, que faz a ex-mulher do Javier Bardem. E putz, aí não tem disputa mesmo. Como o próprio Woody Allen disse em uma entrevista, a Penélope é deslumbrante. E nesse filme ela é um caso à parte.

Não bastasse a beleza do trio, Barcelona é uma puta cidade bonita e fiquei com muita vontade de ir pra lá. Tudo bem que quando for pra lá vou ficar num albergue pobre, comendo lanche em boteco e tal, longe da beleza dos locais que aparecem no filme. Mas o filme privilegia tanto a cidade que é um impossível não ficar com vontade de ir pra lá. A mensagem principal da história é bem clássica: a vida é curta, não devemos pensar muito para fazer as coisas, aproveite bem antes de morrer e seja feliz. Por mais que diversos outros filmes já tenham falado sobre isso, é sempre um bom conselho a ouvir. E DIGO MAIS: em Vicky Cristina Barcelona essa mensagem chega de uma maneira tão leve e divertida que você até sai do cinema acreditando que vai ao menos tentar curtir um pouco mais sem receios.

Tudo bem que no filme todo mundo é bonito, rico pra cacete e pode curtir em alto estilo sem se preocupar muito com outras coisas. Na nossa vida não é assim, óbvio, mas não custa imaginar. Acho que é pra isso que serve o cinema, não?

Leonera

2008-11-07T21:46:00.008-02:00

Depois de um mês ignorando a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, devido a uma coisa muito mala chamada TCC, o E DIGO MAIS volta com um comentário sobre um dos filmes exibidos no evento, que agora entra em cartaz no circuito convencional. Trata-se de Leonera, produção argentina que também foi exibida no Festival de Cannes. Na época deu pra saber pouco sobre a história, porque o lead da coisa toda era o fato de o Rodrigo Santoro fazer parte do elenco. Aliás, toda a cobertura do Festival de Cannes foi bem mala, naquela linha olha-quantos-filmes-brasileiros-serão-exibidos-e-olha-que-lindo-como-nós-estamos-conquistando-o-mundo. É verdade que a Sandra Corveloni ganhou o prêmio de Melhor Atriz, mas no fim ficou claro que a gente não estava conquistando o mundo coisa nenhuma. Ensaio Sobre a Cegueira foi criticadíssimo, Linha de Passe ficou naquela recepção so-so, os filmes nas competições paralelas foram meio que ignorados, e as participações do Rodrigo Santoro em Leonera e Che também não eram nada de mais.

Eu não quero começar a pegar no pé do Rodrigo Santoro, porque ele deve ser um cara bacana e tal. Mas eu realmente acho que as pessoas têm que parar com essa mania de depositar as esperanças do cinema nacional nas costas dele, visto que - hello - ele é ruim. E mais do que ruim, ele não compreende a importância de cumprir etapas. Cheguei a essa conclusão hoje, enquanto assistia Leonera. Porque, vejam, o personagem dele é minúsculo e nem chega a incomodar. Mas o problema é que, quando ele começa a falar espanhol, não rola. Basta uma frase pra que você já pare de levar o cara a sério. E tipo, ok, a sinopse diz que ele é um "estrangeiro em Buenos Aires", mas isso não cola porque o personagem não chega a ser importante o suficiente pra ter uma história própria. Ser estrangeiro não é característica do personagem e sim uma desculpa esfarrapada pra terem contratado um ator que não sabe falar espanhol. E isso mostra uma falha grave do Rodrigo Santoro: ele faz aula de espanhol pra poder atuar em um filme argentino, quando o correto seria ele estudar espanhol, treinar treinar treinar, sentir-se bem atuando em outra língua e sóooooo depois ir procurar um papel em filme argentino. Vejam bem, eu entendo que ele esteja desesperado para ter uma carreira no exterior e fugir desses filmes cretinos tipo Os Desafinados (na verdade ele não parece ter tanto senso crítico, mas vamos dar uma colher de chá, vai). Só que se ele continuar achando que pra atuar em outra língua é só fazer um mês de Wizard, vai passar o resto da vida interpretando "o estrangeiro" em algum lugar.

Encerrada a questão sobre o aspecto "brasileiro" de Leonera (ou quase, já que Walter Salles é um dos produtores e possivelmente a razão pela qual deram uma chance pro portunhol do Santoro), vamos ao filme de fato, que é o que interessa. A protagonista da história é uma menina chamada Julia, que um dia acorda e encontra o namorado morto em seu apartamento. Como uma das suspeitas do crime, ela é presa, mas em uma ala especial, porque está grávida. Passa um certo tempo, ela tem o filho e começa a viver com ele no presídio, enquanto aguarda julgamento. O problema é que, quando ele fizer quatro anos, vai ter de sair e morar com algum parente, independente de quantos anos a mãe fique presa.

Essa explicação, na verdade, não dá a mínima idéia do quão deprimente e barra pesada é esse filme. Mas pensem que, no caso, o filho é a única coisa que aquela mulher tem, a única coisa que faz a vida valer a pena naquele puta inferno, naquela prisão suja cheia de mulher gorda que fica se esfregando nela etc e tal. Separar os dois vai fazer um mal tão grande para a mãe que - como ela - você esquece de pensar no bem da criança, em como ela vai crescer muito mais feliz em liberdade e não naquele puta inferno. O lado bom é que o diretor Pablo Trapero resistiu à tentação de fazer um filme sentimental (como talvez o Walter Salles fizesse), de modo que nenhum momento parece ser do tipo agora-chorem-espectadores. O lado ruim é que às vezes ele esquece que a história já é infernal por definição, e força a mão para deixar as situações mais infernais ainda. Chegou uma hora em que eu comecei a me sentir meio claustrofóbica e a pedir mentalmente que aquela tortura acabasse logo. É tudo tão tenso, mas tão tenso, que pra vocês terem uma noção eu ouvi espanhol durante duas horas e não dei nenhuma risada. Sério, era como se eles tivessem falando alemão e não a língua mais hilária do universo.

De qualquer forma, é uma boa história e um bom filme, que vale a pena sobretudo pela atriz que interpreta Julia, chamada Martina Gusman. Eu não conhecia o trabalho dela, mas em Leonera ela está excelente. E DIGO MAIS: muito melhor que a Sandra Corveloni.

Mamma Mia!

2008-10-04T12:26:00.010-03:00

A expectativa que você tem ao entrar no cinema para ver um filme é, quase sempre, fundamental na sua avaliação dele. Eu me lembro de ter ido ver Pequena Miss Sunshine achando que ia ser uma babaquice qualquer, mas de ter saído da sala com a sensação de que tinha me divertido incrivelmente por duas horas. Me lembro, também, de ter ido assistir Brokeback Mountain com a expectativa de que aquele filme ia mudar a minha vida, já que o buzz nos Estados Unidos seguia essa linha. E, de fato, achei uma boa história, bem dirigida, com bons atores, boa trilha, boa fotografia, bom tudo, mas que ficou bem abaixo do que eu esperava, já que esperava muitíssimo.

Estou falando isso porque, na semana passada, quando fui assistir Mamma Mia!, entrei no cinema esperando o seguinte: dar risada de cenas constrangedoras que mostrariam atores do tipo Meryl Streep e Pierce Brosnan cantando músicas do Abba. E o que eu fiz foi exatamente isso: dei muita risada, vi uma cena constrangedora atrás da outra e cantei Abba durante duas horas. Esse cumprimento da expectativa fez com que eu achasse Mamma Mia! o filme mais divertido do ano até agora. Eu, que sempre critico o Tom Hanks, venho através deste post agradecê-lo por ter sido produtor executivo dessa maravilha. Não sei até que ponto ele interferiu na coisa - suspeito que pouco, porque ele é tipo o cara menos engraçado do mundo -, mas de qualquer forma, se ele deu dinheiro pra turma, eu já agradeço.

Mamma Mia! é uma adaptação cinematográfica de um musical escrito por uma inglesa, que conta a história de uma menina que nunca conheceu seu pai. Um dia, ela encontra um diário em que a mãe conta que não sabe de quem engravidou porque na época estava saindo com três caras. Quando a menina descobre isso, resolve mandar uma carta para os três caras, convidando-os para seu casamento. E aí é aquela confusão: a mãe não entende como os caras estão ali, os caras não entendem porque estão ali, a menina não sabe qual deles é o pai etc. De alguma maneira, a mulher que bolou essa peça (Catherine Johnson) conseguiu contar essa história, e mais algumas relacionadas a personagens secundárias, usando músicas do Abba que se encaixam PERFEITAMENTE na narrativa, de modo que, sem querer exagerar mas já exagerando, esse roteiro ficou meio genial. Porque é impressionante como, sem jogar nenhum hit só pra constar, ela conseguiu costurar um monte de música brega e sem noção em um enredo coerente.

E pra começar, já é uma puta idéia fazer um musical só com canções do Abba. Aliás, se tem uma banda que deveria ser tema de musical é o Abba, porque eles mesmos já eram um mini-musical, com aqueles corinhos, aqueles figurinos coloridos e zuados, aquelas coreografinhas esquisitas, e, sobretudo, a atitude do tipo vamos-nos-divertir-aí-gente. Ninguém vai ouvir Abba para apreciar a harmonia, a elaboração dos acordes e a profundidade das letras, assim como ninguém vai assistir um musical para apreciar a fotografia, os belos vocais e discussão sobre um tema da atualidade. Musical é pra ser um filme pipoca, e é por isso que aquele Across The Universe, que só usa canções dos Beatles, é um lixo. Aquele é um musical pretensioso, que pega música de banda "séria" (e muito clássica pra uma proposta dessa) pra contar uma história dramática, que não se contenta com a já difícil tarefa de retratar a juventude e todos os problemas dos anos 1960, mas ainda quer fazer umas afirmações sobre a guerra do Iraque, tudo isso em meio a cenas visualmente elaboradíssimas. Por definição, não tinha como um filme desse dar certo.

Mamma Mia!, ao contrário, escolheu a banda perfeita e definiu como objetivo contar, com tom leve, uma história engraçada e divertida, que será esquecida assim que os créditos subirem. Não há nada de mal nisso, principalmente quando os responsáveis não têm vergonha do seu projeto e nem necessidade de serem levados a sério. Eu tenho um novo respeito pelo Pierce Brosnan depois de ver esse filme. Porque ele canta tão mal, tão mal, tão mal, mas tão mal que não é possível que ele tenha aceitado o papel pensando "eu vou fazer isso porque todo mundo vai dizer que eu canto bem". Tipo, eu tenho certeza que ele sabe que é ruim, mas topou porque achou a proposta legal ou porque pagaram bem. Não tem a menor chance de ele ter pensado que aquilo ia fazer as pessoas falarem "uau, olha o Pierce Brosnan". Da mesma forma, o Colin Firth, que sempre faz o tímido inglês, se solta de tal maneira em Mamma Mia! que vocês não acreditam. Na hora de "Waterloo" ele usa a roupa mais bizarra do mundo e rebola super, em "Take a Chance On Me" ele abre a camisa e pula num cara, enfim, ele super abraçou a causa, assim como todos os atores.

E embora todos estejam ótimos (inclusive o Pierce Brosnan, em sua tamanha ruindade), eu preciso fazer uma menção especial para a Meryl Streep, que está simplesmente sensacional. Ok, ela é a Meryl Streep, todo mundo sempre fala tão bem dela que é até meio boring. Mas eu fico feliz em notar como ela está se distanciando do papel típico das atrizes mais velhas ("a mãe sofrida" ou "a mulher que vai ter câncer no final") e arrasando em coisas diferentes, como O Diabo Veste Prada, A Última Noite e, agora, Mamma Mia!, que aliás, sem querer exagerar de novo, talvez seja a minha atuação favorita da Meryl Streep depois de As Pontes de Madison. E DIGO MAIS: a cena em que ela canta "The Winner Takes It All" é tão boa, mas tão boa, é tão boa que seria cena diga de Oscar se o Oscar tivesse senso de humor. Porque ela vai cantando normal, aí no final começa a dar uns berros, levantar os braços, pular e correr, de um jeito tão exagerado que os membros do Abba devem ter ficado orgulhosos (aliás, o Benny e o Björn ajudaram na adaptação e fazem aparições sem falas). E é essa a atitude dela o filme inteiro. Ao invés de se portar como a grande atriz séria americana, ela se joga no chão, dança, bota uns brincões e umas roupas zuadas pra cantar "Super Trouper", pula na água, enfim, curte o papel totalmente. Ficou parecendo, pra mim, que ela estava, nas palavras do Abba, "having the time of her life".

Para ilustrar essa festa um pouquinho, resolvi colocar a íntegra do vídeo de "The Winner Takes It All" aqui, mesmo em baixa qualidade, e também um trechinho de "SOS", pra vocês terem uma noção de como o Pierce Brosnan é ruim. Mas como dois é número par e eu prefiro número ímpar, também deixei um trecho de "Honey Honey", no qual vocês poderão ver Amanda Seyfried (de Alpha Dog e Garotas Malvadas), que interpreta a filha e é a jovem atriz mais graciosa que eu me lembro de ter visto ultimamente.

No mais, I say thank you for the music.

Linha de Passe x Ensaio Sobre a Cegueira

2008-09-28T00:46:00.014-03:00

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Uma semana separou as estréias de dois filmes brasileiros que passaram em Cannes: Linha de Passe, de Walter Salles, que na época não foi considerado nenhuma maravilha mas saiu com o prêmio de Melhor Atriz; e Ensaio Sobre a Cegueira, versão do Fernando Meirelles para o livro do Saramago, que era aguardadíssimo e foi considerado uma decepção. E DIGO MAIS: na época das estréias, a coisa continuou mais ou menos parecida nas resenhas dos jornalistas brasileiros: elogios com ressalvas para Salles, ressalvas com elogios para Meirelles. Os dois filmes têm, em comum, o cenário, que é a cidade de São Paulo. Linha de Passe acompanha a vida de uma empregada doméstica e seus quatro filhos: um ex-garoto-encrenca que virou evangélico, um motoboy que tem um filho pequeno, um talentoso jogador de futebol que nunca consegue sua chance, e uma criança negra obcecada em descobrir quem é seu pai. Ensaio Sobre a Cegueira conta a aflitiva história de uma mulher que foi a única poupada de uma epidemia de cegueira. Para ficar com o marido, ela finge estar infectada e vai para um local de quarentena, onde em pouco tempo as condições de sobrevivência levam os homens e mulheres a comportarem-se como (ou pior que) animais.

Assistir na mesma semana os filmes dos dois principais diretores brasileiros da atualidade foi interessante, não só porque eu queria ver se minha opinião era a mesma do pessoal que foi a Cannes (e não é, porque eu adorei Ensaio Sobre a Cegueira), mas sobretudo porque me fez pensar em por que o Fernando Meirelles é tão infinitamente superior ao Walter Salles. Eu tinha enumerado várias razões na minha cabeça, mas demorei para vir escrever e agora só me lembro da principal: o Walter Salles é sentimental, o Fernando Meirelles não. Pode ser uma conclusão óbvia, mas só agora eu notei que o sentimentalismo do Walter Salles não está exatamente na história que ele conta, mas na mão dele como diretor. Eu pensei nisso porque o jeito como ele e o Meirelles filmam São Paulo é totalmente diferente: a São Paulo do Salles é cinza-triste, a do Meirelles é cinza-caos. E, na minha cabeça, isso é uma boa imagem da diferença de estilo dos dois. Porque, se a gente pensar bem, Linha de Passe tem um final muito mais "infeliz" que Ensaio Sobre a Cegueira, mas não foi com essa impressão que eu fiquei quando saí de cada filme. Não sei explicar direito, mas pra mim sempre parece que o Walter Salles trata os personagens como coitadinhos, até quando eles são uns escrotos, enquanto o Fernando Meirelles não perdoa e filma a escrotidão do personagem com tanta ênfase que você até se sente mal (vide a cena de estupro em Ensaio, ou aquela em que um bandido pede pra criancinha escolher se quer levar um tiro no pé ou na mão em Cidade de Deus).

Eu prefiro muito mais o estilo do Meirelles, para quem o mundo não é só triste e injusto, mas também completamente podre e caótico, e que já meio que joga na sua cara que na hora que as coisas apertarem você também vai querer salvar a sua pele. O resultado dessa visão é que nenhum final dele é realmente feliz. As coisas podem até dar relativamente certo, mas você sabe que o mundo continua uma droga. Foi bem essa a mensagem que eu tirei de O Jardineiro Fiel: você pode pegar um ou dois caras corruptos e colocá-los na prisão, mas isso não vai impedir que no dia seguinte chegue mais uma tonelada de remédio zuado pra ser testado em uns pobres africanos, porque a corrupção e a sacanagem estão em todo lugar. No Walter Salles, ao contrário, mesmo quando as coisas dão relativamente errado no final, você sempre acaba saindo com aquela sensação de que um dia tudo vai dar certo, porque os personagens são fortes, são uma família, são batalhadores etc. Percebam que eu não estou dizendo que os filmes do Walter Salles são ruins. Ao contrário, eles são sempre muito bonitos, geralmente estrelados por bons atores (os filhos de Linha de Passe são ótimos, o que me faz pensar que todos os cineastas do Brasil deveriam parar de pegar cara da Globo e só procurar ator em comunidade carente), têm um roteiro legal, enfim, são filmes que têm nível, ele é um cara talentoso e que manja de cinema. O Walter Salles nunca iria botar o Rodrigo Santoro vestido de adolescente pra dublar musiquinha, por exemplo. Mas me incomoda um pouco essa pena que ele tem do Brasil e da humanidade. Ele é O cineasta da pena, e pena enche o saco.

Divagando: Paul Newman

2008-09-27T17:57:00.013-03:00

"Eu imagino como será meu epitáfio: 'aqui jaz Paul Newman,
que morreu fracassado porque seus olhos ficaram castanhos'"

Paul Newman morreu ontem, aos 83 anos, de câncer de pulmão, ainda com os famosos olhos azuis e longe de ser um fracassado. A morte de um dos grandes atores da história não poderia passar em branco aqui no E DIGO MAIS. Mas como eu não sei escrever obituários, segue um trecho do belo texto de Aljean Harmetz:

"If Marlon Brando and James Dean defined the defiant American male as a sullen rebel, Paul Newman recreated him as a likable renegade, a strikingly handsome figure of animal high spirits and blue-eyed candor whose magnetism was almost impossible to resist, whether the character was Hud, Cool Hand Luke or Butch Cassidy. He acted in more than 65 movies over more than 50 years, drawing on a physical grace, unassuming intelligence and good humor that made it all seem effortless. Yet he was also an ambitious, intellectual actor and a passionate student of his craft, and he achieved what most of his peers find impossible: remaining a major star into a craggy, charismatic old age even as he redefined himself as more than Hollywood star."

*

Também gostei deste outro texto, escrito pela Manohla Dargis, que deve compartilhar a minha idéia de que o Paul Newman foi o ator mais bonito de todos os tempos (que eu me lembre, pelo menos):

"Mr. Newman, who died at his home in Westport, Conn. on Friday, never seemed to resent his good looks, as some men do; instead, he shrugged them off without letting them go. He learned to use that flawless face, so we could see the complexities underneath. And later, when age had extracted its price, he learned to use time too, showing us how beauty could be beaten down and nearly used up. Early in his career, Mr. Newman was often mistaken for Brando, so much so that he took to signing the other man’s name when asked for his autograph. Both studied at the Actors Studio and jumped to Hollywood, but there’s not much else to connect them beyond our demand for the Next Big Thing. The resemblance seems hard to grasp now, given their trajectories and how differently the two register onscreen: Brando sizzles, while Mr. Newman is as cool as dry ice. And unlike Brando, who at his death was often unkindly remembered for his baroque excesses on and off the screen, Mr. Newman seemed immune, bulletproof. (An exception: his support for Eugene McCarthy, which landed him on Nixon’s enemies list.) He had a talent for evasion. The movies are not kind to older actors and yet Mr. Newman walked away from this merciless business seemingly unscathed. Decency seems to have come easily to Mr. Newman himself, as evidenced by his philanthropic endeavors and political commitments, which never devolved into theater or self-promotion. It was easy to take his intelligence for granted as well as his talent, which surprised and survived even the occasional misstep. At the end of The Drowning Pool' a woman wistfully tells Mr. Newman, I wish you’d stay a while. I know how she feels."

A Manohla ainda fez uma narração para belas fotos do Paul Newman em um slideshow muito legal, que eu recomendo a todos. E como eu não tenho nem o conhecimento dela e nem a tecnologia do NYT, faço a minha homenagem via YouTube mesmo:

Os Desafinados

2008-09-03T10:50:00.005-03:00

Um dia desses eu estava tomando café com meus amigos André e Juliano, quando vimos um pôster desse que é o novo filme do Walter Lima Jr. Na hora comentamos que, só pela foto, já não dava vontade de assistir, porque os caras parecem um bando de tontos levantando os instrumentos. Aí o "Guia da Folha" fez uma matéria totalmente ridícula: levou os quatro atores principais pra cantar num videokê de São Paulo, e além de contar umas babaquices do tipo o que o Rodrigo Santoro falou do sapato do Jairzinho, ainda tinha umas fotos totalmente constrangedoras, deles fazendo caras e bocas com o microfone. Enfim, tudo isso pra dizer que o know-how de marketing das pessoas por trás desse filme é zero, porque essa coisa de pôster e foto no jornal parece tontice, mas já dão dados do filme. Eu, por exemplo, não assisti aquele tal Zuzu Angel só porque o pôster tinha a Patrícia Pillar com cara de sofrida. Não importava que me falassem bem, eu já imaginei o filme inteiro por aquela foto e não tinha mais jeito. Da mesma forma, eu deveria ter seguido meu feeling e decidido não ver Os Desafinados, mas resolvi tentar, pensando que o hype que ele está tendo há meses tinha alguma razão de ser. E DIGO MAIS: contava a favor o fato de o Walter Lima Jr. ser um cara ok, considerado um dos bons cineastas do Brasil.

Pois bem. Depois de assistir ao filme, eu começo a temer pelo futuro do cinema brasileiro. Não que eu seja a maior fã da produção nacional, porque na verdade não sou, mas também não descarto totalmente e gostei de alguns títulos recentes, como "Cidade de Deus", "Cinema, Aspirinas e Urubus", "Santiago", "Jogo de Cena" e "Estômago". Acontece que esse Os Desafinados é tão lixo, tão lixo, tão lixo, que até causa preocupação. Porque se um diretor experiente consegue fazer um troço tão ruim, eu não sei o que esperar dos demais.

Mas vamos por partes. Os Desafinados conta a história de quatro amigos que, na década de 1960, montaram uma banda e começaram a tocar bossa nova. Junto com um outro amigo, um cineasta, eles vão para Nova York tentar a sorte por lá. Toda essa história é contada em flashback, como se estivesse sendo lembrada pelos amigos nos tempos atuais, velhinhos, em conversas e depoimentos para um documentário.

Logo no ínício há uma frase ótima do Selton Mello (que faz o cineasta), com a qual eu me identifiquei muito e que me deu uma esperança de que ali poderia ter um bom filme. Ele vira pros amigos músicos e diz algo do tipo: "Sabe qual o problema da bossa nova? É muito banquinho, tardinha, solzinho...é muito inho". Isso é exatamente o que eu penso da bossa nova: "falta um aaaaaaaaaaaaaaaaaaaaah", como completa o Selton Mello. É ele o alívio cômico do filme, o melhor ator do filme, a única coisa que presta no filme, e muito me surpreende que ele não tenha tido a noção de perceber a roubada na qual estava se enfiando. Aliás, é incrível que, no meio de tanta porcaria, não teve ninguém pra levantar a mão e falar: "Putz, diretor, acho melhor não". É o que eu sempre falo: cadê a equipe nessas horas? Cadê a auto-crítica das pessoas? Parece que eu estou exagerando, então enumero aqui algumas das coisas patéticas que acontecem nesse filme:

1. Seguindo o comentário do personagem do Selton Mello, esse filme também é cheio de "inho". Muito abracinho, muito dedinho estalando, muita gaitinha, muita piadinha, muita risadinha, muito amorzinho, muito showzinho. Suponho que, ao ver aquela camaradagem toda, eu deveria pensar "que bonito, eles são amigos e amam a música", quando o que de fato eu penso é "que bando de retardados".

2. Ao invés de se contentar em contar uma história, o roteirista desse filme quis passar uma mensagem política. E aí entram aquele bando de recursos fáceis e quase desonestos, do tipo o cara acordar e a TV estar ligada no discurso do Martin Luther King; ou o Selton Mello fazer um filme que é cortado pela censura; ou os personagens estarem num carro, encontrarem um bloqueio policial e falarem coisas do tipo: "O que é isso?" "Cara, isso é o golpe militar" "Eu li no jornal, os caras vão tomar o poder" e blá blá blá. Não suporto filme assim.

3. Quando eu peguei meu ingresso e vi que o filme era legendado, pensei "opa, finalmente perceberam que o som do cinema brasileiro continua meio ruim e precisa de legenda". Ledo engano: era só porque, nesse filme, os personagens têm mania de, do nada, falarem inglês. Não só com americanos, mas entre si também. Tipo, tá rolando uma discussão de relação entre o casal, e no meio das babaquices em português, surge uma babaquice em inglês.

4. As atuações são tão constrangedoramente ruins que, para vocês terem uma noção, eu achei que o melhor depois do Selton Mello foi o Jairzinho. Lembram-se de quando o Rodrigo Santoro fez Bicho de Sete Cabeças e foi bem pra caramba, daí emplacou uns outros filmes no Brasil, foi fazer ponta no exterior e virou promessa? Bom, eu não sei o que aconteceu mas o talento dele é tipo inversamente proporcional ao tempo que ele passa em Hollywood. Ele tá tão péssimo nesse filme que nossa, nossa, nossa, eu tinha vontade de arrancar ele da tela para o meu bem e sobretudo para o bem dele. Ele é o protagonista, aparece pra caramba, e não conseguiu soltar uma frase que não soasse falsa.

5. E como o Rodrigo Santoro é um ator muuuuito dedicado, que adora estudar e se leva muito a sério, ele foi lá fazer aula de piano para o personagem (e, imagino, de gaita e violão). O Angelo Paes Leme também deve ter feito aulinha, tudo para dar mais veracidade ao filme. E eu não sei quem foi o professor desses caras, mas esqueceu de uma lição básica: menos é mais. Pra tocar piano não precisa balançar a cabeça pra frente e pra trás, pra tocar violão não precisa fazer careta e pra tocar gaita não precisa se debater. Sério, o Rodrigo Santoro se contorcia tanto com aquela gaita que eu achei que uma hora ele ia levantar vôo.

6. Para ajudar a ferrar com as atuações, o diretor teve a grande idéia de colocar os atores pra cantar. Só que óbvio que eles não iam cantar ali, na hora, então o que acontece? Eles dublam eles mesmos. Tipo, você tá parado assistindo o filme quando de repente o Rodrigo Santoro encontra a Cláudia Abreu e começa uma gravação zuada com ele dublando "Copacabana princesinha do maaaaar...", sendo que eles tão no meio do Central Park com um violão e uma flauta, mas tá tocando um puta som com mil instrumentos, porque - hello - é uma faixa de CD gravada em estúdio!!!! Aí passa um tempo, os dois vão sentar perto de um rio e vem a Claúdia Abreu (ai, Cláudia Abreu, você já foi mais inteligente) e começa um diálogo assim:

Cláudia Abreu - Sabe o que é o Brasil pra mim?

Rodrigo Santoro - O quê?

Cláudia Abreu - O Brasil para mim é "Carinhoso".

(pausa)

(solta o playback)

Cláudia Abreu AND Rodrigo Santoro - Ah se tu soubesse como eu sou tão carinhoso e muito muito que te quero...

Preciso dar outro exemplo?

7. Não satisfeito em oferecer dublagens maravilhosas das músicas (e elas são várias, acreditem em mim), o diretor também teve a grande idéia de dublar as vozes dos atores velhos com as vozes dos atores jovens. Então tipo, tá lá a versão velha do personagem do Selton Mello com a voz do...Selton Mello!!!!!! Sendo que você sabe que aquele não é o Selton Mello, o som do filme muda totalmente e a voz não sincroniza com a imagem. Mais uma vez eu pergunto, como ninguém falou "putz, diretor, acho melhor não?".

8. A última cena desse filme é tão ridícula, mas tão ridícula, é tão um novo parâmetro de ridículo, é tão ridículo que, me desculpem, eu vou ter que comentá-la aqui. Se você não quer saber como esse filme acaba, PARE DE LER porque eu vou contar. Basicamente, o personagem do Rodrigo Santoro tem um caso com a Cláudia Abreu (que é um puta saco, um draminha besta que só serve pra alongar o filme, que aliás é mesmo longuíssimo). Aí em certo momento o grupo vai fazer um show na Argentina e o Rodrigo Santoro, sem mais nem menos, é preso. Nada é explicado muito bem mas aparentemente ele foi confundido com um cara e morto pela ditadura de lá. Só que a Cláudia Abreu estava grávida, sem que ninguém soubesse (nem nós, expectadores). Aí beleza. Na última cena do filme, todos os personagens velhos (ou seja, no tempo atual) estão num bar, menos o Rodrigo Santoro, que não tem versão velha porque morreu. Aí eles tão lá conversando, porque descobriram que a Cláudia Abreu morreu num acidente de carro. E eis que, no meio da conversa, entra um molecote no bar falando que é o filho da Cláudia Abreu. E quem é ele? Quem? Quem? Quem? O Rodrigo Santoro!!!!! Ai, ai, ai, ai, ai, ai, é que eu não posso explicar pra vocês o que é o momento em que ele entra aparece na porta. Porque ele tá com um cabelo cortado diferente, uma camiseta de jovem, uma cara assim de 16 anos, e falando inglês, porque ele morou com a mãe no exterior. Aí nisso ele senta no piano e começa a tocar uma música para os velhos cantarem, e ele mesmo só completa o final das frases, porque ele não sabe português, né? E aí fica aquela coisa ridícula de um cara de 30 anos fantasiado de adolescente, um brasileiro fingindo que é americano, uma puta música gravada no estúdio fingindo que tá sendo tocada no piano, e por aí vai, mas nem que eu me esforce ao máximo vou conseguir fazer justiça ao quão esdrúxula é essa cena, porque quando eu vi o Rodrigo Santoro entrando eu juro que comecei a pular na cadeira. Eu acho até que valeu a pena ver esse filme só para ver essa cena.

Em suma, esse filme é de um amadorismo tão cretino que você começa a ficar preocupada. Se um diretor respeitado desse é tão desprovido de noções básicas de cinema, o que será de nós?

A Caçada

2008-09-02T23:28:00.004-03:00

Eu ia colocar esse filme na seção "Ainda dá tempo", mas achei melhor não, pois não tenho certeza se ele está há muito tempo em cartaz (visto que é um filme irrelevante) e nem se "ainda dá tempo" dá a impressão de que vocês de fato devem usar seu tempo para vê-lo (visto que não devem). De qualquer jeito, eu o assisti e vou comentá-lo. Trata-se de um filme sobre o qual eu nunca ouvi falar, no qual Richard Gere encarna mais um daqueles caras cheios de princípios e super corajosos que batalham por uma causa xis, no estilo que ele já desenvolveu em Justiça Vermelha, O Chacal e outros filmes nessa linha (tudo bem que em O Chacal ele fazia um ladrão, mas era um ladrão bonzinho que ajudava o FBI a pegar o Bruce Willis, etc etc etc). Na verdade eu não tenho nada contra o Richard Gere, acho ele um cara bacana e um bom ator para comédia romântica, uma espécie de George Clooney da geração passada, sem ser tão engraçado. Mesmo assim, ele tem essa mania de fazer filme com mensagem que às vezes enche um pouco o saco.

Dessa vez ele faz - adivinhem - um jornalista famoso que, durante a cobertura da Guerra da Bósnia, fica puto com as atrocidades que vê e surta no ar, ao vivo. Por causa desse espírito rebelde ele é demitido desta e de outras emissoras de TV, até sumir do mapa e se enfiar em um monte de dívidas, sem nunca abandonar a investigação sobre os culpados das mortes e coisas assim. Na época da guerra, ele andava sempre com o mesmo cinegrafista, interpretado pelo Terence Howard (gosto dele), que depois do surto do colega foi promovido, mas se afastou da reportagem e ficou lidando com umas pessoas babacas, tentando fingir que não sentia falta da "ação".

Eis que, no aniversário de cinco anos do fim da guerra, ele vai para a Bósnia fazer a cobertura e encontra o Richard Gere, que diz ter um furo de reportagem nas mãos: ele sabe onde está o maior genocida da Bósnia, tipo o cara que comandava a guerra e mandava matar todo mundo, conhecido como "The Fox". Aí os dois, acompanhados de um menino medroso que é o foca da relação, vão atrás do cara, munidos de muita coragem e daquele sentimento de que o jornalista é o fiscal do poder, tem o dever de ajudar a população e não pode desistir nunca do que acredita, blá blá blá. Contando assim o filme parece totalmente sacal, e de certa forma é, porque tem muito daquela babaquice que eu, os outros colunistas e boa parte dos visitantes do E DIGO MAIS têm de ouvir diariamente. Porém, o filme não é de todo o mal, considerando que a história é baseada em fatos reais (os jornalistas realmente existiram e o The Fox, pelo que eu entendi, seria o Karadzic) e boa parte daquela confusão de fato existiu. Eu tenho uma tendência a dar desconto pra filme baseado em fatos reais, porque acho que, embora ruins, eles quase sempre têm o mérito de contar uma história interessante. E DIGO MAIS: o que falta nos diretores e produtores de Hollywood é a noção de que o fato real já basta, e quanto menos ele for romantizado, melhor.

Batman - The Dark Knight

2008-08-11T15:24:00.007-03:00

Vocês vejam só como esse blog é blasé... Ainda não falamos sobre o novo Batman, o que no final das contas, parece ser responsabilidade minha. Como faz tempo que não escrevo, nenhuma animação ou “blockbuster de férias” acabou entrando. Mas vamos ao que interessa. Eu mesmo demorei pra assistir esse segundo Batman do diretor Christopher Nolan, o que faz com que minha análise seja posterior a todo o hype da imprensa e dos comentários do pessoal que havia assistido o filme antes. O que posso dizer é que mesmo antes de entrar no cine, eu já sabia que iria assistir um filme monstruosamente bom. Não por conta da empolgação de quem já havia visto, mas porque eu realmente gosto de histórias de super-herói e de filmes longos. Batman – The Dark Knight é as duas coisas, com todos os acréscimos que um bom diretor/elenco e o acaso puderam adicionar.

Na verdade, Batman Begins de 2005 já era um filme muito bom. O realismo, que sozinho não adianta muita coisa, aliado a um roteiro inteligente e interessante ressuscitou a franquia do morcego, que a Warner simplesmente destruiu depois do triste Batman Forever (sim, aquele com o Val Kilmer como Bruce Wayne), que ninguém nem consegue se lembrar direito, tamanha a insignificância e o tenebroso Batman e Robin que, se traz um Bruce Wayne bastante próximo dos quadrinhos (por conta do visual solteirão-pega-todas e o queixo quadrado de George Clooney) também comete pecados constrangedores como Mr. Freeze governador da Califórnia, o papel chato e desnecessário de Alicia (por onde anda?) Silverstone como a Batgirl e, é claro, o medonho uniforme de Batman com mamilos salientes. Sim, é isso mesmo: MAMILOS. Veja só:

Bom, depois desses dois filmes ruins, Joel Schumacher obviamente seria morto por um bat-bumerangue atirado por um fã do morcego se botasse as mãos em outro projeto, até porque não parecia boa idéia pra ninguém. É por isso que o trabalho de Nolan tem sido tão genial. Gotham é uma cidade de verdade, e não aquele carnaval dos outros filmes. O cara teve a manha de chamar Michael Caine para ser o Alfred. Genial e apropriado nos dois filmes. Acho que não preciso dizer quão real e assustador ficou o Coringa, porque todo mundo já falou sobre isso e sim, é de se apostar que o Oscar dê um Oscar para o Heath Ledger – dá muito medo e o Coringa tem uns tiques nervosos que, quando não são engraçados, só o fazem parecer um assassino psicopata de verdade, e não um “palhaço do mal”.

Vou e prefiro então, gastar umas letras para elogiar Gary Oldman. Porque ok, ele já era fodão há muito tempo e sempre faz coisas boas e consegue mesmo assim passar a imagem de ator discreto e sábio, mas, para aqueles que já leram uma história em quadrinho do Batman e/ou viram como é o comissário Gordon. E DIGO MAIS: Oldman chegou num estado tão puro e natural de atuação que é emocionante ver como ele fala e interage com os outros personagens. Ele conseguiu até mesmo um olhar de comissário Gordon, algo como “estou cansado, mas acredito no meu trabalho”. É isso. As atuações de Oldman e Ledger são tão boas que falar do Christian Bale fica pra depois. Eu já tinha gostado dele antes e neste filme ele continua o bom trabalho, digamos que ele pegou a parte “fácil”, apesar de ter realmente filmado as cenas de luta. É ele na roupa. Aaron Eckhart como Harvey Dent também foi uma bela escolha, assim como trocar a chatinha e sem graça e esposa do Tom Cruise, a Dawsonscreek lá, pela bem mais condizente com o papel Maggie Gyllenhaal.

Análises profundas circulam por aí, eu já vou parando por aqui, afinal de contas, é só um filme.

Divagando: o dia em que David Lynch disse pra eu me cuidar

2008-08-07T20:53:00.011-03:00

Para conseguir esse papelzinho amarelo, que dava direito a um lugar no debate com David Lynch no teatro da Livraria Cultura, eu tive que chegar lá às 9h30 e ficar sentada sem fazer nada até às 13h. Com isso, consegui ser tipo a décima pessoa em um fila quilométrica que começava embaixo da rampa da livraria que dá para a Alameda Santos e virava a Padre João Manoel. Logo um problema se apresentou: aquele ingresso dava direito à participação na palestra, mas dificultava a obtenção de um autógrafo e uma foto com o Lynch. Isso porque os autógrafos eram fora do teatro, e quando a gente saísse de lá todos os que não entraram e mais uns zés que estivessem passando pela livraria já estariam fazendo fila. Eu e mais umas pessoas tentamos explicar para os organizadores o quanto isso era ridículo, mas não adiantou. Então eu já desencanei de entrar na fila do autógrafo, porque tava na cara que o "povinho do cinema" ia comparecer em peso.

Enquanto eu estava lá esperando, e durante todo o dia, na verdade, fiquei pensando sobre quantas pessoas ali deveriam ser fãs do Lynch de fato. Posso estar errada, mas a grande maioria parecia ter visto tipo um filme e estar lá mais pela "grife", do tipo "eu tirei uma foto com o diretor cult que pega bem dizer que gosta". A turminha do meu lado, por exemplo, era triste. Dois meninos e duas meninas, estudantes de cinema de All Star nos pés e livros nas mãos. Um dos meninos falava sobre como na noite de amanhã ele vai pegar um ônibus e ir pra Porto Alegre ver outra palestra do Lynch, depois para o Festival de Gramado e depois para uma palestra do Win Wenders, como se fosse assim um heavy consumer de cultura; uma das meninas precisou de uma explicação sobre quem era Win Wenders; a outra menina era irrelevante; e o outro cara era ridículo. Ele chegou, falou umas coisas patéticas (quando o telefone do outro cara tocou ele disse "peraí, já sei quem tá ligando...Woody Allen!!!"), aí foi pra livraria e voltou meia hora depois com uma revista sobre Nintendo, os DVDs de Coração Selvagem e Cidade dos Sonhos e mais a edição especial do box de Twin Peaks. Nessa hora eu pensei "ah, tudo bem vai, ele é tonto mas pelo menos tem bom gosto". Mas a conversa continua e eu escuto o cara dizer que nunca viu NENHUM filme do Lynch. Tudo isso pra mostrar que sim, rolava um fator grife no local.

Enfim, por mim tudo bem, meu ingresso tava na mão e os outros que se virassem. Passei na papelaria, comprei papel e envelope e fui almoçar com o João, que também ia na palestra comigo. Nisso o André chegou trazendo um mini-bonequinho de Exu que o Juliano arrumou pra mim. Explico: eu queria dar para o Lynch uma coisa brasileira, bizarra e vermelha. O bonequinho me pareceu adequado: uma coisa bem feia de Candomblé, com roupa vermelha e um tridente brilhante. Coloquei dentro do envelope com uma pequena carta de agradecimento, guardei na bolsa e fui para o debate, que teria perguntas enviadas por escrito (sábia idéia).

Quando a cortina do teatro abriu e o Lynch apareceu, devo admitir que fiquei meio impactada. Como disse o João, o cabelo dele é impressionante, porque não é grisalho, é PRATA!!!! E ele tem um olhão azul, uma presença muito forte, e um carisma incrível. Nas duas primeiras palavras que ele falou, já deixou todo mundo a vontade, assim como se ele fosse um cara qualquer que foi lá falar sobre meditação. E quando eu nem tinha terminado de analisá-lo, eis que ele anuncia a chegada do Donovan, que eu tinha esquecido que ia aparecer por lá também. E nossa, que figura! O cara tava vestindo tipo um manto preto e verde, tinha o cabelo totalmente despenteado, fazia umas caras hilárias, estava muito engraçado. Ele também pôde responder uma pergunta, feita pelo Bob, que parecia ser tipo um assessor do Lynch, sobre como foi aprender meditação com os Beatles na Índia. O Donovan pegou o microfone e começou a resposta com as seguintes palavras: "Thrown like a star in my vast sleep/ I open my eyes to take a peep/ To find that I was by the sea/ Gazing with tranquillity/ It was then when the Hurdy Gurdy Man/ Came singing songs of love/ Then when the Hurdy Gurdy Man/ Came singing songs of love". Sim, amiguinhos, eu ouvi Donovan cantando "Hurdy Gurdy Man" ao vivo, a capela, maravilhosamente bem e sentado ao lado do David Lynch!!!!!! Era tipo a cena mais bizarra do mundo, mas aparentemente fazia todo o sentido, porque ele escreveu a música depois de aprender a meditação transcendental com aquele Maharishi something.

A cantoria do Donovan foi realmente incrível, mas a estrela era mesmo o Lynch. O debate foi curto (35 minutos), mas muito legal, apesar de as pessoas fazerem umas questões que já estão respondidas no livro. Mesmo assim, ele sempre dava uma resposta legal e engraçada, fazia algum som estranho e mexia a mão direita como é de costume (vejam fotos abaixo). Muitas vezes eu achei que ele estava olhando diretamente pra mim enquanto falava, porque eu estava bem na frente e olhando muito fixamente pra ele, mas não quis falar nada sobre isso para o João porque minha mãe e meu irmão me zoam até hoje por eu ter dito que o Dinho acenou pra mim no show dos Mamonas Assassinas. Só que depois o João que veio me dizer que ele olhava toda hora pra mim, ou seja, não é mentira!!!! E teve uma hora em particular que eu dei uma risada muito alta de uma coisa que ele falou, daí ele olhou pra mim e deu um sorrisinho, hahahahaha. Aliás, ele é muito sorridente, faz muitas piadas e solta umas tiradas muito boas. A minha pergunta preferida foi uma que veio logo depois de ele ter explicado bastante sobre a meditação e sobre como ela causa infinit consciousness, infinit awareness, infinit peace, infinit creativity e infinit várias coisas. A pergunta era: "Você fala que a meditação ajuda a sua criatividade e a sua mente. Você acha que se as pessoas meditassem mais, conseguiriam entender seus filmes?". Ele deu risada e respondeu: "Absolutely." E depois de uma pausa, comletou: "Infinit understanding", hahahahahaha.

A penúltima pergunta lida foi a minha (e, segundo o João, eu fiz tanta festa quando a mulher começou a ler que o Lynch olhou pra mim, hahahaha), que era sobre o modo como ele trabalha com atores. Eu escrevi em inglês porque queria usar um termo muito específico que eu sabia que ele iria entender: "stand". O que eu escrevi foi, basicamente, que a atuação é algo importante em todos os filmes, mas que me parece ainda mais importante nos filmes dele, porque se a performance "doesn't stand", o filme "doesn't stand", porque é meio que necessário ter uma atriz fantástica como a Laura Dern para nos guiar pela história. Quando a mulher leu até essa parte, ele acenou positivamente com a cabeça, como se concordasse com a tese, o que já me deixou feliz. Depois ele deu uma risadinha quando ela leu a parte em que eu perguntava se ele conversava muito com os atores (porque meu, imaginem o quanto ele tem que explicar pro ator o que ele quer com essas idéias doidas, né?), e então respondeu que todos os elementos de um filme precisam servir à idéia. Quando ele começa a ensaiar com os atores, o trabalho está totalmente diferente da idéia, muito longe dela. E então ele conversa com eles, ensaia um pouco mais, e a distância diminui um pouco. Aí ele conversa mais, ensaia mais, e a distância diminui ainda mais. Até que chega um ponto - que ele descreveu como "bingo!" - em que o ator entende a idéia tão bem que consegue colocar todo o seu talento a serviço dela. A partir de então, o ator consegue seguir sozinho.

Muitas outras coisas foram ditas no debate, mas eu estou esperando o áudio ficar disponível no site da Cultura pra poder lembrar de todas. Agora lembrei de uma hora ótima, quando uma jornalista perguntou se ele tinha mudado de idéia sobre merchandising, porque no passado tinha dito que propaganda era "bullshit" (e nesse ponto ele interrompeu a intérprete e disse: "eu falei coisas mais fortes que isso, na verdade"), mas agora fazia comercial pra Gucci. Aí o Lynch pegou o microfone e disse: "Não, eu não mudei de opinião. Eu faço esses comerciais pra ganhar dinheiro" :-)

Quando o debate acabou e ele saiu pra autografar os livros, eu me deparei com uma fila gigantesca que ocupava os três andares da Cultura. Desisti de tentar entrar, então apenas me coloquei perto da porta do camarim, pra pegá-lo ali no caminho mesmo. Quando a porta abriu, eu gritei o nome dele e ele fez a cara mais hilária do mundo, e eu nem sei descrever mas ele deu tipo um pulinho assim muito comédia. Aí eu disse que tinha um presente pra ele, pra ele pegar e tal, aí ele me disse pra entregar para o Bob guardar, e eu desconfiei um pouco mas o Bob prometeu que daria pra ele. Nisso eu ainda tive tempo de soltar uns "you're so great" e/ou outras coisas ridículas do naipe, de quaaaase tirar uma foto e de apertar as mãos dele (se amanhã eu virar gênio vocês já sabem o que aconteceu). Aí ele saiu e o João tava morrendo de rir de como eu cheguei lá falando sem parar, mas pô, nessas horas não pode ser jacu, tem que falar mesmo. E sei lá, curiosamente o Lynch tava me parecendo um cara muito normal, com quem eu podia falar de boa, hahahahaha. Eis as fotos do momento em que ele estava falando comigo, embora eu não apareça:

Aí aquela puta zona, aquela puta galera numa puta fila, eu e o João decidimos sentar. Nisso ele encontra um amigo que pegou um autógrafo do Donovan e eu digo "ah, eu quero uma foto do Donovan!!!!!". Aí lá vamos nós atrás do Donovan, que ainda tá lá no palco falando com uma tiazona que diz algo do tipo "em 1962 você prometeu que ia vir para o Brasil e eu estou esperando até hoje", hahahaha. Aí nisso ele tá correndo pra ir embora e eu puxando o manto preto e verde de um lado, enquanto outras meninas falam coisas xises pra ele, nisso ele se apóia na gente e quando chega no chão tá rodeado por umas cinco mulheres. Aí ele fala: "I'm a stranger in paradise", hahahahaha. Nisso eu consigo parar ele rapidinho e tiro essa fotinho comédia (o cara é o amigo do João):

Quando eu já tava pronta pra ir embora, o João olha o fim da fila e calcula que dá tempo de a gente chegar no Lynch (que ia embora às 17h). Já satisfeita, eu meio que desencorajo a tentativa, mas acabo indo junto. E eis que nós chegamos lá, um dos últimos a ficarem cara a cara com o Lynch, pegar autógrafos e tirar fotos. Quando eu cheguei na mesa, já perguntei pro Bob se ele tinha guardado meu presente e ele mostrou que sim. Aí eu já falo "hi, Lynch, here I am again", ele ri e começa a assinar o livro porque tava numa coisa tipo linha de produção lá, muito rápido mesmo. Aí eu falei pra ele algo do tipo "você mudou a minha vida" e peço pra ele ler a carta pra saber como. Ele diz que vai ler, olha rapidinho pra tirar uma foto, e quando eu agradeço ele olha pra mim, aperta a minha mão e diz "you take good care of yourself". Pro João ele disse "cheers", o que me faz pensar que talvez ele tenha me achado meio doida, hahahahaha. Eis as fotos desse momento one-on-one, nas quas eu saí péssima, porque o João tipo não acredita em poses. Mas a última (que eu que tirei, do Lynch apertando a mão do João), ficou ótima:

Enfim, assim terminou a minha tarde com David Lynch, o homem do cabelo prata, que não decepcionou e in person me pareceu ainda mais inteligente e divertido. E DIGO MAIS: enquanto esperava na fila, dei uma entrevista para uma mulher que estava reunindo depoimentos de jovens para um documentário sobre a meditação transcendental que o Lynch vai lançar ainda este ano. Disse ela que o Lynch vai assistir a fita, e não sei se é verdade mas o troço realmente foi sério, eu tive que gravar uma autorização de imagem e coisa do tipo. As perguntas foram meio zuadas, do tipo "o que você acha da MT?" e "o que você acharia se tivesse uma Fundação David Lynch para a MT aqui no Brasil?" e coisas assim. Aí eu fui dizendo "ah, eu acharia ótimo" e "ah, eu sei muito pouco, mas o Lynch fala de um jeito tão bem fundamentado que eu começo a pensar nisso", e mais um monte de coisas desse naipe. Porque tipo, na verdade verdadeira eu acho esse negócio de meditação uma viagem totalmente nada a ver, mas o Lynch não precisa saber disso, né? Abaixo, o autógrafo que vai pra coleção:

Eraserhead

2008-08-04T23:17:00.019-03:00

Na caixa do DVD de Eraserhead, o primeiro longa do grande David Lynch, há uma sinopse assim: "Henry Spencer tenta sobreviver da indústria de vírus, de sua raivosa namorada e dos gritos de seu filho, um bebê mutante." Parece bizarro (ou, como também diz a caixinha do DVD, "esquizofrênico, original, surrealista, angustiante e bizarro"), mas eu garanto que o filme em si é bem mais bizarro que a sinopse.

Vai ser difícil explicar, mas vamos lá: de fato, existe um Henry Spencer, interpretado pelo ótimo Jack Nance, que tem esse cabelo quase nada zuado e um jeito totalmente nervoso e desengonçado daquele tipo de pessoa que não "belong" em lugar nenhum. Essa parte de ele tentar sobreviver da indústria do vírus eu não sei se é verdadeira, porque pelo que eu entendi ele é um impressor que está em férias. O filme começa com ele chegando em casa e escutando da vizinha que uma garota chamada Mary pediu pra ele ir até a casa dela. Quer dizer, na verdade o filme começa com uma cabeça deitada viajando pelo que parece ser o espaço e por um cara todo tatuado mexendo numa alavanca, mas eu tô tentando estabelecer uma linha narrativa, então voltemos pra casa do Henry. Ele vai visitar a tal Mary, que descobrimos ser uma namorada dele que tinha sumido. A Mary quer que o Henry conheça seus pais, e então ele entra nessa casa b-i-z-a-r-r-a em que tudo é escuro, a mãe tem uns transes, a avó meio que fica parada sem falar e se mexer, o pai fala um monte de coisas nada a ver, e a comida se mexe no prato. Aí o Henry descobre que a Mary teve um filho dele e que os pais dela exigem o casamento. Aí eles se casam e vão morar juntos com o bebê, que pode ser um mutante ou um ET ou alguma coisa muito feia e estranha que solta uns gritos zuados. A Mary não aguenta os gritos e vai embora, deixando o Henry sozinho com a coisa. E depois disso eu não entendi mais quase nada, porque apareceu uma menina que mora dentro do aquecedor e tem umas bochechas de buldogue, umas espécies de minhocas gigantes que caem do céu ou surgem no meio dos lençóis e soltam gosmas quando são esmagadas, uma fábrica de borracha de apontador de lápis, entre muitas outras coisas totalmente doidas que só o Lynch poderia ter criado.

Depois de ver o filme, assisti uma longa entrevista que estava nos Extras, na qual o Lynch conta tudo sobre a produção de Eraserhead, que começou financiado por uma bolsa do American Film Institute. Foi por causa dessa bolsa que o Lynch saiu da Filadélfia e foi para Los Angeles. E embora ele diga que não se lembra de como surgiu a idéia do filme, nem de tê-lo escrito, ele diz que tem certeza de que tudo começou na Filadélfia. Isso porque, em Eraserhead, "quando você está em um ambiente, você consegue sentir o que está fora dele" e, segundo o Lynch, era assim que ele se sentia na Filadélfia e, bem, eu não consegui explicar direito o que ele quis dizer, mas ele falou tantas vezes que Eraserhead é um filme muito pessoal que eu acabei achando que o Henry Spencer é uma espécie de alter-ego dele, tipo um cara bem bizarro num lugar nada a ver. Mas pode ser que isso não tenha nada a ver. Diz o Lynch na entrevista, aliás, que nos 25 anos que se passaram desde que ele lançou o filme, nenhum crítico ou espectador interpretou o filme da mesma forma que ele.

Nessa entrevista ele também conta sobre como ele adora "fenômenos orgânicos" e por isso decidiu estudar os órgãos de um gato para criar os órgãos do bebê mutante (e isso significou convencer um veterinário a sacrificar um gato, enfiá-lo em uma garrafa com formol e mais um monte de etapas totalmente loucas e nojentas), sobre a reação da mãe dele ao ver o filme (a Mrs. Lynch teria dito "oooh, I wouldn't want to have that dream", e o Lynch conta isso se divertindo super), e muitas outras histórias. A minha favorita foi a da vez em que ele foi voar no avião de um dos caras da equipe, se não me engano o responsável pelo som, que era um piloto muito bom e que fazia pousos perfeitos. Diz o Lynch que, quando eles estavam pousando, esse cara falou "boa noite" pra torre de um jeito que o deixou todo arrepiado, porque naquele momento ele percebeu que, em outra encarnação, esse amigo dele tinha sido um "long distance space pilot" (sim, é isso mesmo: piloto espacial de longa distância).

E com essa eu gostaria de passar para a segunda parte desse post, que fala não de Eraserhead e sim do livro que David Lynch vai divulgar no Brasil durante toda essa semana. A obra se chama Em Águas Profundas - Criatividade e Meditação, e consiste basicamente em pequenos capítulos com reflexões do Lynch sobre seus filmes e a Meditação Transcental, que ele pratica a 30 anos. A tese básica do livro é explicada em uma metáfora aquática: "Idéias são como peixes. Se você quer pegar um peixinho, pode ficar em águas rasas. Mas se quer um peixe grande, terá que entrar em águas profundas", escreve o Lynch. Entrar em águas profundas significa transcender, e você transcende quando medita. Segundo o Lynch, meditar/transcender faz com que você supere toda a raiva, a insegurança, o medo, enfim, todo e qualquer sentimento que te impeça de criar. Então não é que no meio da meditação você tem uma grande idéia: a meditação tipo "limpa" sua cabeça e não deixa nada atrapalhar a idéia. "Para criar, é preciso ter clareza", diz nosso mestre.

Falando assim, parece um livro de auto-ajuda meio bizarro, e por um lado é mesmo, pois o Lynch acha que se todos meditarem a paz mundial vai reinar e coisas desse naipe. Mas eu realmente me diverti lendo Em Águas Profundas. Há trechos muitos bons sobre cinema, como o que ele explica como criou Veludo Azul ("...surgiu sob a forma de lábios vermelhos, gramados verdes e a canção "Blue Velvet" interpretada por Bobby Vinton. A idéia seguinte foi uma visão de uma orelha sobre a relva. Foi assim."), ou o que ele conta como o Dennis Hopper conseguiu o papel do Frank porque deixou o Lynch arrepiado ao dizer "eu tenho que interpretar o Frank porque eu sou o Frank" (e até eu fiquei meio arrepiada ao ler isso porque o Frank é foda), ou o que ele fala sobre o que mais gosta em cineastas como Billy Wilder, Fellini, Hitchcock e Kubrick. E DIGO MAIS: tem um capítulo incrível contando sobre como um dos momentos de maior felicidade da carreira do Lynch foi saber que um dia o Kubrick chamou uns produtores de Hollywood para ver o filme favorito dele, e este era Eraserhead. "Depois que soube disso, posso morrer feliz e em paz", escreve o Lynch (em tempo: o filme do Kubrick que ele mais gosta é Lolita, justamente o que eu gosto menos).

Além dessas curiosidades, eu acho que o livro também ajuda a entender um pouco do que se passa na cabeça do Lynch. Não os filmes, mas como ele encara os filmes. Eis alguns trechos que eu achei significativos:

"O cinema é uma linguagem."

"O filme deve se bastar. É um absurdo o cineasta dizer com palavras o que significa um filme em particular (...) Não precisamos de nada além da obra (...) Embora alguém possa dizer que não entende de música, a maioria a vivencia emocionalmente e há de concordar que ela é uma abstração. Não é preciso traduzi-la com palavras, basta ouvi-la. O cinema é muito parecido com a música. Ainda que seja abstrato, as pessoas tendem a apreendê-lo intelectualmente e traduzi-lo em palavras. E, quando não conseguem, sentem-se frutradas. Mas essas pessoas acabam extraindo uma explanação de dentro delas, quando se permitem a isso (...) Acho que os filme são como você é."

"É tão mágico - não sei por quê - quando se entra no cinema e as luzes se apagam. Tudo fica em silêncio e depois as cortinas começam a se abrir. Muitas vezes são cortinas vermelhas. E penetramos em outro mundo (...) A verdade é que, quando as cortinas se abrem e as luzes se apagam, temos que estar preparados para entrar nesse mundo. E isso está ficando cada vez mais difícil. O público fala demais nos cinemas. E lá está um filmezinho ordinário. Como é que se pode viver essa experiência?"

E como não poderia deixar de ser, também há trechos muito engraçados, como estes:

"Quando comecei a meditar, eu estava tomado por ansiedades e medos. Sentia-me deprimido e com raiva (...) Costumo chamar esse tipo de depressão e raiva de Sufocante Traje de Borracha de Palhaço da Negatividade. Ele é sufocante e a borracha fede."

"O que se espera tanto no trabalho como na vida é que estejamos juntos. Todos nascemos para sermos felizes, felizes como cachorrinhos abanando os rabinhos. Nascemos para viver uma grande vida, uma vida que se espera ser fantástica. Se em vez de instaurar o medo, a companhia oferecesse para todos um meio de mergulhar fundo - de expandir a energia e a consciência -, talvez as pessoas até trabalhassem de graça."

"A teoria é que se a raiz quadrada de 1% da população mundial, ou 8 mil pessoas, praticasse técnicas avançadas de meditação em grupo, então o poder do grupo, de acordo com pesquisas publicadas, será quadrático em relação ao número de pessoas dispersas."

Na verdade, eu não sei bem qual é o objetivo desse post, que está grande e confuso, mas acho que, no fundo, sempre quero fazer com que mais e mais pessoas assistam os filmes do Lynch, porque eles foram realmente life-changing para mim. Eu sempre penso que se um dia encontrasse o Neil Young, iria até ele para dizer muito obrigada. Só isso, só um "muito obrigada, sr. Young, por sempre ter estado comigo quando eu precisei." Da mesma forma, quando eu encontrar o Lynch nessa quinta-feira, se tudo der certo, eu só quero dizer muito obrigada. "Muito obrigada, sr. Lynch, por ter aberto minha cabeça e me mostrado um mundo novo". No mais, deixo vocês com o trecho do livro com o qual eu mais me identifiquei. Esperem pelo post pós-encontro com o gênio:

"A idéia é a coisa inteira. Mantendo-se fiel à idéia, você fica sabendo tudo o que quer saber, de verdade. Você só precisa continuar trabalhando para fazer com que a idéia se pareça com o que parece ser; sentir como ela sente, soar como ela soa e ser como ela é. Isso é muito estranho porque, quando se muda de rumo, logo se percebe. Você sabe quando faz alguma coisa inadequada; ela soa como inadequada. É como se essa coisa dissesse "não, não; isso não é como a idéia disse que era". E quando se faz o certo, dá para sentir que está certo. (...) Se você está atento à idéia original - ainda fiel a ela -, ficará surpreso em ver que no fim das contas até os acidentes são pertinentes. Eles são fiéis à idéia."

Uma Garota Dividida em Dois

2008-07-29T23:46:00.008-03:00

Antes de começar a falar sobre esse filme eu já quero admitir que tenho problemas sérios com o cinema francês. Ok, eu sei que em algum momento do passado ele foi O cinema e não nego uns acertos aqui e ali, como Caché ou os filmes que são parcerias com outros países europeus (como 4 meses, 3 semanas e 2 dias, que é franco-romeno). Mas, no geral, ou eu dou muito azar ou filme francês tá numa maré de chatice e ruindade. Apesar dessa constatação, eu continuo assistindo filmes franceses quando eles me interessam por algum motivo específico ou quando os críticos elogiam muito powermente. Não que eu ache que o que crítico fala tá falado, mas eu de fato sigo umas dicas deles, bem, pelo menos de alguns deles.

Foi depois de ler umas resenhas mega-elogiosas (e de dar com a cara na porta na sessão de Batman) que Marcelo e eu fomos assistir Uma Garota Dividida em Dois, filme dirigido por Claude Chabrol, que eu não conhecia mas mais de um crítico chamou de mestre. De familiar, pra mim, apenas a protagonista, Ludivine Sagnier, que fez um filme ruim chamado Swimming Pool, do François Ozon (cineasta french que de fato eu risquei do caderninho, até segunda ordem). Se vocês me perguntarem sobre o que é esse filme eu não vou saber dizer, mas lembro de ter achado a Ludivine muito bonita e corajosa, porque a cada cinco cenas dela, seis eram de sexo, de modo que ela ficava pelada 90% do tempo, mesmo aparentando ser bem novinha.

Ela é a garota do título do filme do Chabrol, no caso, Gabrielle, uma moça do tempo que é alvo de interesse de dois homens: um escritor de uns 60 anos que é feião mas tem seu charme e pega umas mulheres bonitas, e um jovem moderninho, rico e mimado que aparentemente não pega ninguém. Eu não sei muito como prosseguir na sinopse porque o filme é meio que isso e só. Quer dizer, há um conflito que se desenvolve depois mas ele não é interessante e acontece num momento em que você já tá rezando pro troço acabar. E DIGO MAIS: quando a gente saiu da sessão, o Marcelo disse uma coisa muito sábia: "é por filmes como esse que a gente não vai ser crítico de cinema". E é verdade, porque eu simplesmente não compreendo o que as pessoas viram de bom nesse filme babaca e boring.

E eu juro que gostaria de elaborar a minha explicação e dar uns argumentos melhores de porque ele é ruim, mas esse filme me irritou tanto que eu não tô sabendo detectar o que exatamente ele tem de errado, embora possa arriscar alguns palpites: 1-) o ator que faz o jovem moderninho é ridículo, ridículo, rí-di-cu-lo, tipo um Miguel Fallabella francês e piorado, com umas roupas ridículas, um cabelo emo (emo francês, imaginem) e uma atuação patética, do modo que quando ele aparece você pensa "é piada isso?"; 2-) nesse filme as pessoas se apaixonam mais rápido que em novela, do tipo viu uma vez e não pode mais viver sem, o que me irrita profundamente; 3-) todas as cenas que envolvem o escritor pegador são cheias daquelas coisas de francês chique, do tipo que toma um bom vinho no jantar e vai em festas elegantes, mora numa casa gostosa num lugar bonito na montanha, bem longe do "caos de Paris", e tem umas amigas que são todas finas e tomam sol de maiô desenhado pelo Yves Saint Laurent ou algum outro estilista, e tudo isso somado constrói um tipo de vida tão clichê da França que nem um americano faria melhor (só que claro que toda esse núcleo chique do escritor tem que ter algum fator zuado no meio, para os críticos poderem dizer que o diretor denuncia a hipocrisia da alta sociedade e blá blá blá, sendo que no fim o fator zuado não é lá muito surpreendente e muito menos interessante, ou seja, não adianta); 4-) todos os personagens são tão chatos que você não torce por nenhum, não consegue simpatizar com nenhum, e meio que assiste sem de fato estar nem aí pra nada do que tá acontecendo; 5-) eu não consegui entender até agora o que é esse filme, porque ele começa parecendo ser comédia, depois vira romance, depois supostamente é pra ser suspense, então tipo, que tal fazer uma coisa razoavelmente bem antes de querer fazer três? 6-) no meio disso tudo é claro que tem que ter aquelas cenas de sexo de filme francês, que devem ser criativas sem serem vulgares - afinal, a França é chique -, e que resultam em umas coisas totalmente constrangedoras, do tipo uma menina engatinhando pela sala vestida de pavão; 7-) a cena final desse filme, elogiada por quem supostamente entende de cinema como "belíssima" e "metáfora perfeita do título" ou whatever, é tão péssima, tão péssima, tãaaaaaaaaao péssima que quando começou o Marcelo teve um ataque de riso, sendo que era pra ser sério, do tipo o último punch que vai te deixar pensando no filme durante o resto do dia. Pior que dá certo: o resto do dia você lembra daquele cara com um turbante na cabeça e pensa em como você nunca mais deveria ler uma resenha na vida.

O Escafandro e a Borboleta

2008-07-24T10:59:00.003-03:00

Ainda dá tempo de assistir O Escafandro e a Borboleta, talvez o melhor filme que eu vi esse ano até agora. Dirigido por Julian Schnabel (aquele gordão que fez Antes do Anoitecer), o filme conta a história real de um jornalista francês chamado Jean-Dominique Bauby, que depois de um derrame teve uma síndrome conhecida como "locked-in". Basicamente, ele conseguia entender tudo que falavam pra ele, mas não conseguia falar nada e nem mexer nenhuma parte do corpo que não os olhos.

Pela sinopse, eu sei o que vocês estão pensando: que esse é um daqueles filmes melosos e sentimentais sobre pessoas que ficam com doenças terminais ou que significam uma limitação corporal muito grande. Mas esse filme não é meloso e nem sentimental, e sim lindíssimo. Na temporada do Oscar eu comecei a ter uma certa implicância com o Schnabel, porque ele é muito metido e ficava reclamando que o filme não tinha sido indicado, falando no jornal que ele (ele mesmo, não o filme) era o máximo e tal. Mas ao assistir O Escafandro e a Borboleta eu nem lembrei dessa atitude chatinha do diretor, apenas pensei que ele é um puta de um artista. Claro, há cenas meio viajantes que poderiam ser cortadas, mas no geral ele consegue fazer umas tomadas tão lindas, com umas cores tão maravilhosas, que o filme às vezes me parecia uma pintura. Além disso, durante boa parte do filme ele coloca a câmera como se fossem os olhos do personagem principal, o que não é nenhuma grande novidade, mas funciona muito bem nessa história. Isso porque a única coisa que o cara conseguia fazer com o corpo era piscar, então o olho era o único instrumento de comunicação que ele tinha. Aí uma médica criou um sistema pra ele "falar": ela ia dizendo, em voz alta, uma série de letras (as mais usadas no idioma francês); quando chegasse na letra que ele queria, ele piscava. Assim formavam-se palavras, frases e assim formou-se um livro inteiro, intitulado O Escafandro e a Borboleta, obra que deu origem ao filme.

Por si só eu já acharia essa história incrível, com a direção do Schnabel ficou ainda melhor, e a atuação do elenco é a cereja do bolo. Mathieu Amalric, um ator francês que eu já vi mil vezes mas não consigo lembrar de nenhum papel específico, faz o Jean-Dominique e realmente impressiona. A francesa bonitona Emmanuelle Seigner faz a esposa dele, e tem uma ou duas cenas em que ela dá um tremendo show. Mas a minha preferida foi a canadense Marie-Josée Croze, que desde As Invasões Bárbaras ficou na minha cabeça como uma atriz fantástica. Escolhi uma cena dela para colocar aqui, não para mostrar como ela está a cara da Naomi Watts, mas sim porque eu achei impressionante como ela conseguiu transmitir tantas coisas diferentes num papel que consiste, basicamente, em repetir letras. Ela fica pouco tempo na frente das câmeras, mas quando fica, enche a tela. Enfim, assistam O Escafrandro e a Borboleta, que realmente é muito sensível e bonito. E DIGO MAIS: é um daqueles raríssimos filmes que crescem depois da exibição. Quanto mais eu penso nele, mais eu gosto dele.

Take 1

2008-07-09T00:21:00.004-03:00

O ano era 2005. O mês, não se sabe ao certo, talvez setembro. Luísa estava saindo da aula quando Marcelo lhe entregou um papel com várias coisas escritas, sobre as quais queria uma opinião. As coisas eram, na verdade, uma idéia: reunir a turma e fazer um site sobre cinema, cheia de sessões divertidas como "Não vi e não gostei", "Porrada!" e "Splish Splash". A aceitação foi grande, tanto da parte de Luísa quanto da de outros amigos do Marcelo, de modo que alguns e-mails e uma reunião depois, começava a surgir o Luneta Mágica. Mas antes que o primeiro layout, generosamente criado pelo Fábio (amigo a quem ficamos devendo uma - desculpa aí, hein?), ficasse pronto, a idéia foi abandonada. O motivo não ficou muito claro, mas basicamente as tarefas da faculdade aumentaram, o ânimo dos envolvidos diminuiu e a Luneta acabou na gaveta.

*

O ano era 2007, o dia era 25 de maio. Luísa estava no Google Talk (santa ferramenta!) reclamando sobre seu trabalho (pra variar). Do outro lado da conexão, em outra redação localizada em algum lugar de São Paulo, estava André. Eles travavam o seguinte diálogo:

André: já sei
vamos tomar o poder e fazer nossa revista de cultura
a revista "E DIGO MAIS"
nossa, que bom nome
Luísa: hahahahaha
ia ser legal se eu tivesse uma revista
meu, eu nunca poderia ter uma revista
só ia querer fazer matéria sobre o que eu gosto
André: a parte boa é que eu vou ser o editor da E DIGO MAIS
só vou te passar coisas que você gosta
"luísa, entrevista com o clint eastwood às 15h"
Luísa: aaaaaah já imaginou!
daí toda matéria teria que ter obrigatoriamente um E DIGO MAIS no texto
André: é
tipo abrindo
sabe luísa, talvez essa seja a semente de uma revista real
E DIGO MAIS: nem tão chata quanto a piauí, nem tão metida quanto a rolling stone
Luísa: seria muito bom porque não tem nenhuma revista assim
E DIGO MAIS: também não seríamos bobos e vendidos como a SET
André: acho que é uma idéia boa
deveríamos pensar numa idéia semi-séria

*

O ano ainda era 2007, o dia era 9 de julho. Depois de um caro e insatisfatório almoço no self service do Viena, e tendo Aline Gianazzi como testemunha, Marcelo, André e Luísa criaram um blog. E DIGO MAIS: hoje ele completa um ano.

Roubando Vidas

2008-07-06T00:16:00.000-03:00

Estava eu jantando estrogonofe e assistindo mais um excelente episódio de Two and a Half Man quando descubro que o Warner Movie de hoje era Roubando Vidas, suspense lançado em 2004. Não é o tipo de produção que faz o meu tipo (hello - a protagonista é a Angelina Jolie), mas eu resolvi assistir porque sabia que o Kiefer Sutherland também estava no elenco. Pra falar a verdade, eu decidi assistir meeeesmo porque sabia que o Kiefer tinha só uma cena, e que durava coisa de dois minutinhos, então pensei "beleza, assisto a cena, honro minha fandom por 24 Horas e depois desligo a TV". O problema é que eu tinha quase certeza que a cena do Kiefer era a primeira do filme e, no fim, não era. Nem a primeira, nem a segunda, nem a terceira, de modo que passou um puta tempo até ele aparecer. E DIGO MAIS: embora breve, a aparição dele é uma das coisas que mais ferra com o filme, porque a cena é assim: ele chega, fala umas três fases de efeito que até são boas e engraçadas, dá um berro e sai, o que é basicamente o que ele faz como Jack Bauer antes de interrogar um terrorista ou brigar com algum cara do governo que está atrapalhando tudo. Então eu vi aquela cena e pensei: "mas peraí, o que eu tô fazendo aqui vendo esse filme ridículo se o pior episódio de 24 Horas é mil vezes melhor?" O problema é que quando essa cena apareceu já era tarde demais, então eu resolvi terminar de ver.

A história é aquela que a gente já viu setenta vezes: um serial killer comete crimes - no caso, na cidade de Montreal - e a polícia de lá não consegue encontrá-lo. Então o detetive, inspetor ou whatever that guy was chama alguém de fora pra solucionar o caso. Aí começa aquela sucessão de personagens criativos: a policial de fora é uma mulher bonita e durona, que chega com os dois primeiros botões da camisa branca abertos e um coque que prende o cabelo pra dar aquele ar de respeito (mas claro que a franja cortadinha de lado está sempre calculadamente caindo no olho, pra dar aquele charme); na polícia local tem três caras, sendo que dois são bonzinhos e um é marrento, fica puto quando a estrangeira chega e faz piadinha com o fato de ela ser mulher; a única testemunha que viu o assassino é um cara charmoso e rola um clima entre ele e a policial; o assassino é um cara problemático que tem vários traumas de infância e que de certa forma estão relacionados com o tipo de crime que ele faz (o que é basicamente uma tentativa de dar algum tom inteligente e profundo pra uma babaquice sem tamanho); e por aí vai, sendo que além dos personagens serem batidérrimos as cenas são mais ainda. Tem aquela em que a Angelina Jolie se mete a ir sozinha e à noite em uma casa misteriosa onde - ops - o assassino também resolveu ir naquele mesmíssimo momento; tem aquela em que bem na hora que a testemunha vai encontrar o suposto assassino - ops - a escuta quebra e ele perde a comunicação com a polícia; tem aquela em que o assassino sai correndo e a polícia vai atrás dele quando de repente - ops - o cara se mistura a uma multidão que está participando de um festival de qualquer coisa meio latina que happens to be happening no exato quarteirão onde a prisão ia acontecer; entre outras cenas do tipo "nossa, que conveniente!".

E o mais ridículo desse filme é que ele começa e tipo vinte minutos depois já fica meio que na cara quem é o assassino. Aí eu imagino o diretor, que é um tal D.J. Caruso (e quando o nome dele apareceu nos créditos iniciais eu já meio que perdi todo o respeito que ainda poderia tentar ter por esse filme, porque vejam se dá pra pôr alguma fé num cara que chama D.J. Caruso), discutindo com o roteirista sobre como seria genial fazer o público pensar que tinha descoberto o esquema rapidinho, mas depois, quando tudo parecesse estar se encaminhando pro final feliz - tcharan - criar uma reviravolta e surpreender todo mundo. E tipo, se na teoria isso já não é genial, na prática é pior ainda, porque o cara deixa tão na cara que é isso que ele tá fazendo, mas tão na cara, tão na cara, que dos vinte minutos em diante tudo o que você consegue pensar é: "pfff, tá na cara que vai acontecer uma reviravolta nessa merda". E aí o desastre é tão grande que não tem mais volta. Porque além de você ficar meio puto ao perceber que as pessoas por trás desse filme são burras o suficiente pra achar que vão surpreender alguém deixando na cara que em breve vai ter uma surpresa, você ainda começa a ficar meio puto ao perceber que as pessoas por trás desse filme acham que você - o espectador - é burro o suficiente pra não perceber o que está acontecendo. Em outras palavras: os caras não conseguem nem seguir todos os clichês do mundo sem fazer cagada e ainda acham que você é estúpido igual. Aí não dá.

Toda Nudez Será Castigada

2008-07-04T22:09:00.000-03:00

Como vocês podem ver, eu continuo com caxumba e o controle remoto do meu DVD continua quebrado, por isso estou aqui para comentar mais um filme nacional estranho. Estranho porque, embora não seja estrelado pelo Felipe Camargo, Toda Nudez Será Castigada é dirigido pelo Arnaldo Jabor. O Arnaldo Jabor é uma daquelas personalidades brasileiras sobre quem todo mundo tem uma opinião: pra uns ele é muito inteligente, pra outros ele é um babaca. Eu não posso opinar sobre o que ele fala, porque pra ser bem sincera nunca prestei um pingo de atenção. Mas quando eu vejo a cara dele na TV sinto um certo desgosto, porque seja lá o que ele fala, ele fala de um jeito muito mala. Então pra mim o Arnaldo Jabor é isso: chato.

No entanto, dizem por aí que ele é ou foi bom cineasta, e como eu tinha um filme dele dando sopa por aqui, resolvi dar uma chance. O resultado foi meio inconclusivo, porque o filme é tão diferente do que eu estou acostumada que eu tenho um pouco de dificuldade de considerá-lo um filme. As atuações são tão carregadas, as cenas são tão ensaiadinhas, o som é tão bizarro e tudo é tão fake que eu tive a sensação de estar assistindo não um filme e sim uma peça de teatro filmada. De fato, a história é baseada numa peça do Nelson Rodrigues, na qual um viúvo se apaixona por uma prostituta (interpretada por uma mulher chamada Darlene Glória, que eu achei divertida). Problema 1: é um escândalo um homem sério freqüentar a zona. Problema 2: ele prometeu pro filho que nunca mais ia se casar ou ter relação sexual com nenhuma outra mulher.

Nesse drama o filme vai indo, indo, indo, e ele não é ruim do tipo que chega a irritar, mas sei lá...tem uma coisa que me incomoda um pouco nas adaptações de peças do Nelson Rodrigues, que é essa atitude meio veja-como-eu-sou-foda-inteligente-e-crítico-com-o-meu-filme-que-retrata-a-hipocrisia-da-classe-média-e-denuncia-a-crise-de-valores-da-família-brasileira. Não me entendam mal, eu gosto do Nelson Rodrigues (tipo, só li uma coisa ou outra, mas achei Vestido de Noiva muito bem escrito) e não acho que isso é culpa dele. Mas sempre que eu vejo ou leio sobre algum filme, peça ou programa de TV que se baseia em histórias do Nelson Rodrigues, fico achando que as pessoas parecem menos interessadas em contar uma boa história do que em pegar carona na inteligência do cara e chocar a platéia com umas histórias escandalosas (e que de quebra podem render bastante cena de sexo, o que pro cinema brasileiro é sempre um plus). Enfim, esse filme é um pouco como esse post: leva o nada ao lugar nenhum. É ruim, mas não faz você querer vomitar igual Jogo Subterrâneo. E DIGO MAIS: se é pra ver o Jabor, que seja como diretor, porque assim a cara e a voz dele não aparecem.

Jogo Subterrâneo

2008-06-28T21:30:00.000-03:00

Ok, eu sei o que vocês estão pensando: "coooomo assim você perdeu 107 minutos do seu sábado assistindo um filme do Felipe Camargo?" Caros visitantes do E DIGO MAIS, acalmem-se, pois eu tenho uma boa explicação. Não estou louca, e sim com caxumba e de repouso há mais de uma semana. Como não posso sair de casa, preciso passar o tempo com ajuda de computador, livros, programas de TV e filmes. Cansada dos três primeiros, optei por ver algum DVD que tinha em casa. Só que o controle remoto do DVD está quebrado, de modo que é impossível mexer em qualquer coisa (mudar o idioma do áudio, pôr legenda, passar uma cena etc.). Quando eu colocava filmes normais (ou seja, não-estrelados pelo Felipe Camargo), eles iam pra versão dublada automaticamente, então eu pensei que o único jeito era assistir um filme nacional. Por acaso, estou com esse tal Jogo Subterrâneo aqui em casa há mais ou menos um ano, porque um professor quis me emprestar e eu aceitei. Achei que seria simpático finalmente assistir e poder devolver, e assim foi que eu cheguei no Felipe Camargo. É uma boa explicação, certo?

É claro que quando eu coloquei o CD no aparelho, pensei: "putz, isso vai ser ruim". Mas como eu estava bem humorada, ainda tive algum otimismo do tipo "vai que eu me surpreendo", porque a idéia do filme não é totalmente ruim. O Felipe Camargo é um cara que desenvolve um jogo pra encontrar a mulher da vida dele. Todo dia ele traça um caminho a seguir pelo metrô de São Paulo (do tipo, estações República, Sé, Paraíso, Clínicas). No primeiro vagão que ele entra ele escolhe uma mulher pra observar e/ou seguir. Se essa mulher fizer o exato percurso que ele traçou, será a ideal para ele. Então tipo, não é exatamente um plot maravilhoso, mas eu ainda comecei com boa vontade, o que foi mortal, porque eu não estava preparada para a bomba que é esse filme. Nossa, vocês não imaginam que lixo, lixo, lixo que é. Tipo, vocês pensam que imaginam, mas não imaginam.

Eu simplesmente não lembro da última vez que eu vi um filme tão ruim como esse - E ISSO É GRAVE!!!! Porque tipo, beleza, começa o filme, o Felipe Camargo fala umas coisas zuadas que você já nem presta muita atenção porque - hello!!! - é o Felipe Camargo que tá falando. Aí ele entra no metrô e dá pra perceber que o diretor super tentou preservar a "atmosfera" do metrô de São Paulo na vida real, e quando eu digo "dá pra perceber" eu quero dizer que obviamente não deu certo e ficou a coisa mais falsa e mal feita do mundo, com uma menina de cabelo vermelho do tipo Rua Augusta tocando violino, uma tiazona de echarpe, uma freira gorda, um cara ouvindo música no fone de ouvido e sei lá mais o quê. Até aí tudo bem, a gente releva, mas eis que surge a Daniela Escobar e sua filha que é autista e dá uns berros, e a menina até que vai bem mas a Daniela Escobar, vixe...parece um robô falando de tão péssima. Aí beleza, rola um clima entre ela e o Felipe Camargo, eles começam a sair, mas depois de um tempo ele revela que eles não podem ficar juntos porque ela não seguiu o caminho que ele tinha traçado, o que faz com que você se pergunte: "então por que diabos a gente teve que assistir meia hora dessa história patética com esses atores ruins se desde o começo isso já não ia dar em nada?" Nesse momento a Daniela Escobar fica pelada e você pensa: "aaaaaah, tá".

Aí beleza, continua o filme, blá blá blá, chega a Julia Lemmertz, que em algum momento da minha vida eu achei que era boa atriz, e não sei se eu que fiquei mais exigente ou ela que piorou, só sei que nesse filme cada vez que ela aparece, dói. Mas eu nem vou colocar muito a culpa nela porque é cada frase lixo nesse roteiro que nem o Marlon Brando dava jeito. Ela faz uma cega com quem o Felipe Camargo conversa sobre o "jogo" (eles chamam essa história de traçar caminho no metrô de "jogo", com um tom solene assim, como se fosse uma coisa muito séria). Ele finge que é um amigo dele que tá fazendo o "jogo", e vai contando pra Julia Lemmertz, o que significa que os dois têm umas conversas patéticas mais ou menos assim:

Felipe Camargo - O meu amigo conheceu uma mulher no metrô, mas ela não seguiu o caminho traçado. Ele se envolveu com ela, e agora precisa esquecê-la, mas não consegue.
Julia Lemmertz - Mas esse homem é feito de quê? Pedra?
Felipe Camargo, bravinho - NÃO! Ele tem um sonho!!!!!!!

(suspiro)

Essa mulher aí que ele se apaixonou mas que não seguiu o jogo não é a Daniela Escobar e sim a Maria Luísa Mendonça aka uma das atrizes mais chatas da história da televisão brasileira. Eu não sei porque eu sempre tive birra com essa mulher, afinal, ela é uma irrelevante qualquer que não incomoda ninguém. Mas sei lá, ela tem um ar chato, porque ela sempre interpreta uma mulher complicaaaaada, problemáaaaaatica, misteriooooosa. Ela sempre quer ter uns papéis do tipo que a gente deveria levar a sério, e isso me irrita, mas nesse fime aí ela conseguiu bater o recorde da irritação. Porque ela faz essa mulher histérica, cheia de dramas, que do nada começa a falar da vida e depois fica puta porque tão querendo saber da vida dela, que uma hora tá toda feliz mas cinco segundos depois fica bravinha e sai (nesse filme todo mundo fica bravinho e sai, aliás), que chega toda sexy e tirando a calcinha na casa do Felipe Camargo e na hora que ele deita na cama ela diz que tem que ir embora, ou seja, basicamente ela é uma puta nega mala, um personagem totalmente mal construído, que eu aposto que a Maria Luísa Mendonça deve ter achado um suuuuper desafio do tipo "ai, meu personagem é muito sério, muito multifacetado".

Aí os dois ficam indo e voltando, o que significa muitas cenas ridículas, do tipo uma em que a Maria Luísa Mendonça está bêbada e fica caindo no chão do bar; ou uma em que ela chega toda vamp e começa a fazer uma dancinha sensual em volta da mesa de sinuca onde o Felipe Camargo está; ou uma em que ela fala que até o bicho mais nojento vale mais que um homem, nisso o Felipe Camargo fica bravinho e sai (de novo), começa a andar pela estrada, daí acha uma cobra, pega ela na mão, enfia na cara da Maria Luísa Mendonça e pergunta: "ela ou eu? ela ou eu?" (tô falando sério); ou uma em que a Maria Luísa Mendonça fala sobre um lugar chamado Porto Desejado, no qual ela foi quando era criança: "foi um tempo muito feliz, pois meu pai me trazia estrelas do mar"; ou as várias em que o Felipe Camargo toca piano (ele é pianista em um bar, by the way) do tipo balançando a cabeça pros lados, pra frente e pra trás acompanhando todo o sofrimento de cada nota; ou uma em que o Felipe Camargo, em momento deprê, quebra uma garrafa e usa um dos cacos pra fazer um corte seguindo os traços da tatuagem que ele tem no peito, e que by the way é uma cicatriz (uma cicatriz no coração, sacaram a metáfora, né?); e mais uma porrada de cenas absolutamente constrangedoras, sendo que justamente quando você acha que não tem como esse troço ficar pior, eis que a Maria Luísa Mendonça abre a porta do apartamento dela e dá de cara com quem? quem? quem? MAITÊ PROENÇA!!!!!!

E aí eu pergunto: Maitê Proença? Maitê Proença?????? A Maitê Proença não dá certo nem em novela da Globo quando ela só tem que interpretar a moça boazinha que gosta do Tony Ramos. A Maitê Proença não dá certo nem naquele Saia Justa onde ela nem tem que interpretar nada, pô. Não é possível que esse diretor pensou que era uma boa idéia chamar a Maitê Proença. Não é possível que não teve um produtor pra falar: "ô diretor, o filme já é estrelado pelo Felipe Camargo, você ainda quer chamar a Maitê Proença?" Eu fiquei tão chocada com isso que pensei em procurar na internet se esse diretor (Roberto Gervitz é o nome dele) é casado com a Maitê Proença, mas desisti porque who cares? Além disso, eu já sofri muito por causa desse filme, preciso fazer o possível para esquecê-lo. E DIGO MAIS: se vocês me dão licença, eu vou ver se a novela dos mutantes está passando, porque depois de Jogo Subterrâneo, só a Record pode me animar.

Antes do Pôr-do-Sol

2008-06-24T23:05:00.000-03:00

Eu me lembro do dia em que assisti Antes do Amanhecer, filme dirigido por Richard Linklater e lançado em 1995. A história se passava em apenas um dia, no dia em que o americano Jesse (Ethan Hawke) e a francesa Celine (Julie Delpy) se conhecem no trem, se apaixonam e passam horas muito românticas em Viena, até se despedirem e prometerem se encontrar meses depois na mesma cidade. Quando o filme acabou, eu estava desesperada para saber o que tinha acontecido, se eles tinham se encontrado, se um dos dois tinha faltado, se eles tinham sido felizes para sempre etc. Então, fui até a videolocadora e aluguei Antes do Pôr-do-Sol, sequência do filme com mesmos atores e diretor, lançada em 2004, que mostra o que aconteceu com o casal não meses, mas nove anos depois, quando eles se encontram em Paris.

No sábado eu estava assistindo alguma série besta quando fiquei sabendo que Antes do Pôr-do-Sol era o "Warner movie" daquela noite. Não resisti, assisti novamente e tive a mesma impressão de antes: eis aí um filme simples e bonito. Porque tipo, a história também se passa em um dia, e não acontece muita coisa além de conversas e mais conversas entre os dois, algumas até meio irritantes porque a Celine é meio neurotiquinha. Mas o roteiro é tão bem construído que você vai acompanhando aquele blá blá blá com muito interesse, até que o filme chegue ao fim, de um modo original e muito...hum...fofo, hahahaha.

Na primeira sessão, aquela na qual eu vi um filme na sequência do outro, eu tinha gostado mais de Antes do Amanhecer, porque é romântico, feliz e com personagens jovens e cheios de esperança. Assistir Antes do Pôr-do-Sol logo depois é quase levar um balde de água fria, porque o tempo passou, as ilusões acabaram e agora os dois são frustrados e têm umas vidas muito chatas. Mas nessa segunda vez eu achei que o filme não é mais deprimente, e sim mais real que o outro, o que não é desvantagem. E DIGO MAIS: na dúvida, aluguem os dois, porque filme de amor inteligente é uma das maiores raridades do cinema.

O Melhor Amigo da Noiva

2008-05-25T19:57:00.000-03:00

Hoje eu aprendi uma lição: nunca, jamais, em hipótese alguma saia de casa no dia da Parada Gay. Eu, na minha inocência caipira de quem nunca passou o dia da Parada em São Paulo, achei que tal evento se resumia à Avenida Paulista, e meio que lá pra região da Brigadeiro. Ninguém nunca tinha me falado que o caos descia a Consolação, então lá fui eu, burra, burra, burra, burra, assistir um maldito filme romeno no HSBC Belas Artes que - óbvio - estava fechado. Putz, eu achei que ia morrer. Aqueles trios elétricos passando, aquela multidão me empurrando, aqueles banheiros químicos nojentos, aqueles homens vomitando, fazendo xixi na rua e/ou strip-tease em cima de umas estruturas, aquela coisa insuportável e eu sem poder nem voltar pra trás nem ir pra frente. Foi uma experiência traumatizante, tanto que eu, quando consegui subir a Consolação, cruzar a Paulista e descer até a Alameda Jaú, fiquei andando sem rumo durante uma meia hora, tentando entender o que era aquilo que eu tinha visto. Porque tipo, eu não tenho o menor problema com gays, acho que cada um faz o que quer da vida e ninguém tem nada com isso. Mas esse negócio de Parada Gay é a minha idéia de inferno. E DIGO MAIS: as pessoas ficam querendo entender como alguém pode gostar de alguém do mesmo sexo, quando a verdadeira pergunta que tem que ser feita é: COMO ALGUÉM PODE QUERER PARTICIPAR DAQUELA MUVUCA INSUPORTÁVEL??????? Pelo amor de Deus, aquilo é tipo carnaval de Salvador!!!!!

Mas tudo bem, isso foi só um desabafo, vamos chegar no filme. Aí beleza, perambulei pela cidade, atravessei de novo a Paulista, dessa vez por um lugar menos cheio de gente, mas num mau humor sem precedentes. Percebi que, se fosse pra casa daquele jeito, ia ficar emburrada o dia inteiro e acabar com o feriado delicioso que eu estava tendo até então. Por isso fiz uma manobra arriscada e me dirigi até o cinema, a fim de a assistir o filme mais débil mental que estivesse em cartaz. Eu precisava do que a autora de um blog que eu gosto chama de "candy for your brain: complete useless information that is of no value". Então comprei um saco de pipoca doce e fui assistir O Melhor Amigo da Noiva. Eu sabia da existência desse filme porque, quando vi a chamada na televisão, pensei: "nossa, é O Casamento do Meu Melhor Amigo com o Patrick Dempsey no papel da Julia Roberts". E é exatamente isso, tirando que no novo filme não tem nenhum gay: o Dempsey é um cara mulherengo, que não quer nada da vida, mas descobre que ama a melhor amiga e resolve se declarar, justo no momento em que ela vai casar com o cara mais perfeito do mundo. Aí ele vira padrinho de casamento dela (na verdade, como se trata de uma noiva, e noiva não tem padrinho e sim madrinha, o Patrick Dempsey fica sendo chamado de madrinha, sendo essa a piada principal do filme - hilário, não?) e tenta dar um jeito de mostrar que os dois têm de ficar juntos. E tipo, eu já vi muita comédia romântica ruim, muita, mas muita mesmo. E posso dizer que essa daí foi uma das piores. Essa daí é o que eu chamo de "new low": as piadas são fraquíssimas, os atores são péssimos, o casal não tem química, a história é batida, as tentativas de inovação consistem basicamente numas cenas constrangedoras sobre rituais supostamente tradicionais na Escócia (porque o noivo é escocês), o roteiro inclui falas do tipo "it's always the right time to say I love you" e "I love you, I always have and I always will" e "I need someone who's gonna be there for me no matter what, I need someone I can trust", ou seja, o lixo do lixo do lixo.

E tudo bem, depois da Parada Gay era isso mesmo que eu precisava, complete useless information that is of no value. Mas sempre que eu vejo uma comédia romântica ruim desse jeito, me lembro de um artigo excelente do David Denby, publicado há cerca de um ano na New Yorker. Trata-se de uma análise da evolução da comédia romântica, de Aconteceu Naquela Noite a Ligeiramente Grávidos, aquele filme do tal Jude Apatow, nova sensação do cinema de comédia americano, que também dirigiu O Virgem de 40 Anos. Esse Jude Apatow é, para o David Denby, o maior símbolo do que hoje é comédia romântica: basicamente, um filme sobre um homem bobo e com medo de compromisso e uma mulher neurótica que quer fazer ele crescer. O Melhor Amigo da Noiva é exatamente isso, e tem umas cenas rídículas do Patrick Dempsey com os amigos dele, um bando de cara tonto que joga basquete e fala besteira, achando que tem 17 anos. E as mulheres do filme, é claro, são umas tontas que se derretem por qualquer declaração de amor meia-boca e falam de um jeito histérico ao menor sinal da palavra "casamento". Nada nesse filme é remotamente parecido com as briguinhas deliciosas de Clark Gable e Claudette Colbert ou Cary Grant e Katherine Hepburn, nada de homens e mulheres do mesmo nível intelectual, que se sentiam atraídos um pelo outro justamente por isso. Nas palavras do Denby, "the society that produced the Katharine Hepburn and Carole Lombard movies has vanished; manners, in the sense of elegance, have disappeared. But manners as spiritual style are more important than ever, and (...) the key to making a great romantic comedy is to create heroines equal in wit to men. They don’t have to dress for dinner, but they should challenge the men intellectually and spiritually, rather than simply offering their bodies as a way of dragging the clods out of their adolescent stupor."

Em outras palavras, a comédia romântica acabou.

Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto

2008-05-25T00:53:00.000-03:00

Eu conheço muito pouco da carreira do Sidney Lumet. Vendo uma lista de filmes dele, me lembrei de ter visto alguns, mas não de fato da história, se tinha gostado etc. De qualquer forma, sei que ele é um cineasta importante e tinha muita vontade de assistir seu novo filme, Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto, comentadíssimo na imprensa estrangeira no ano passado - e não só devido ao fato de nosso amigo Lumet estar prestes a completar 84 anos. Hoje fui à pré-estréia do filme, que chega de fato aos cinemas na próxima sexta-feira, e tive a bizarra experiência de torcer para um filme que eu estava gostando acabar logo.

Já volto ao comentário, antes vamos à sinopse: Philip Seymour Hoffman e Ethan Hawke (ambos muito bem em seus respectivos papéis) são dois irmãos não exatamente próximos, mas que se unem para assaltar uma joalheria. Motivo: os dois precisam de dinheiro para tentarem melhorar um pouco suas vidas absolutamente cretinas. O problema é que esse assalto dá completamente errado e envolve-os em um caso de assassinato, do qual eles precisam se livrar. Não quero revelar muito da história porque ela é contada de um jeito não-linear, mais ou menos no modelo Vamos Nessa ou Elefante: acompanhando cada hora um personagem, juntamos as peças do quebra-cabeça.

O filme me lembrou muito o último do Woody Allen, O Sonho de Cassandra, por também girar em torno de dois irmãos e um assassinato, que traz culpa e problemas. Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto é infinitamente superior, não só porque os atores são melhores e a duração é menor, mas sobretudo porque o crime é mais grave e muitíssimo mais complexo. E aí eu volto pra minha vontade desesperadora de que esse filme acabasse, mesmo que eu estivesse gostando dele: o que no começo é uma história cheia de humor negro vai virando um drama tão pesado e complicado que eu estava quase dando um berro de nervoso e mandando o Philip Seymour Hoffman e o Ethan Hawke pararem de fazer tanta merda. O filme é bem legal, muitíssimo acima da média, mas me deu agonia. Mesmo assim, eu o recomendo para vocês, pela estrutura da narrativa, pelos atores e pelo climão sombrio que fica claro até na decoração de certos apartamentos, com aquele vermelho aqui e ali, no melhor estilo David Lynch (embora o climão do Lynch seja impossível de imitar, claro). E DIGO MAIS: quem também dá as caras nesse filme é a Marisa Tomei, atriz-símbolo da chamada maldição do Oscar, aquela das jovens atrizes que ganham o prêmio e depois só pegam papel lixão, maldição essa que também atinge gente como Jennifer Connelly, Gwyneth Paltrow, Halle Berry e Hilary Swank (que com Menina de Ouro parecia estar vencendo o karma, até ganhar outro Oscar e voltar para a lama). A Marisa Tomei é tão zuada por isso que eu fico com um pouco de pena e torço pra ela dar certo. Mas depois desse filme eu meio que a oficializei como um caso perdido. Porque o papel é basicamente ficar pelada e dar uns gemidinhos, e, por mais que eu simpatize com a menina, devo dizer que nem isso ela faz bem.

Estômago

2008-05-25T00:29:00.000-03:00

Ainda dá tempo de assistir o filme que marca a estréia do diretor Marcos Jorge, uma estréia muito boa, aliás. Premiado no Festival do Rio, Estômago conta a história de Raimundo Nonato, homem que deixa o Nordeste e vai para São Paulo em busca de uma vida melhor. Por ordem do acaso, ele arruma um emprego de cozinheiro/faxineiro de um boteco bem lixão, e descobre que leva jeito na cozinha. Suas coxinhas viram um sucesso de vendas e permitem que ele consiga um emprego melhor e a atenção especial de uma prostituta que sempre está faminta.

Um dos maiores méritos do filme é a forma como a história é contada, intercalando dois momentos diferentes de Raimundo Nonato: a vida como cozinheiro e a vida na prisão, porque, por um motivo que não pode ser revelado, ele vai parar numa cela, onde, aliás, também prepara "a bóia". Esses dois "núcleos" se combinam muito bem, e vão entregando a história aos poucos. O defeito principal é o elenco secundário, cheio de atores bem fracos. Já o protagonista, João Miguel, está excelente - aliás, talvez ele seja meu ator brasileiro preferido no momento - e meio que faz a gente dar um desconto pro resto.

Agora, uma coisa precisa ficar bem clara para você, leitor que pretende ver o filme: acredite no título da produção, porque para assistí-la é preciso ter estômago meeeeeeesmo. Eu avisei sobre o Paul Verhoeven e vou avisar de novo: quase todas as cenas envolvem barata, mosca, formiga, pé sujo, porquice e coisas grotescas em geral. Eu fechei os olhos várias vezes, mas até que resisti bem e me diverti bastante. E DIGO MAIS: há duas cenas simplesmente hilárias, uma envolvendo uma mulher pelada e quatro coxinhas em uma geladeira, e a outra envolvendo um homem pelado, uma mulher pelada e um prato de penne ao molho de tomate. Prestem atenção nelas.

Divagando: The Changeling (ou The Exchange?)

2008-05-23T22:41:00.000-03:00

Como já escrevi aqui uma vez, a Angelina Jolie é a celebridade que mais me irrita no mundo. Quando eu descobri que ela ia fazer um filme dirigido pelo Clint Eastwood, um dos meus mais queridos ever, fiquei mal. Foi mil vezes pior do que saber que o David Bowie ia fazer backing vocal no disco da Scarlett Johanson, mil vezes pior do que ver o Mick Jagger fazendo dueto com o Justin Timberlake, foi pior até do que ver o Elvis cantando com a Celine Dion naquela montagem tosca do American Idol (que eu e o André achamos o maior absurdo porque o Elvis morreu, ou seja, ele não autorizou aquilo!!!!!!). E DIGO MAIS: A única coisa que me consolou um pouco foi saber que o Clint não escalou a Angelina, e sim entrou no projeto depois dela. Isso pode parecer um detalhe mas é muito importante. Porque se ele tivesse pensado: "vou chamar a Angelina Jolie porque acho ela muito boa", nossa, daí seria demais pra mim.

O fato de esse projeto não ser exatamente "do Clint" me deixou um pouco com o pé atrás, porque quase sempre ele se envolve desde o começo. Sobre Meninos e Lobos, por exemplo, começou a acontecer depois que o Clint leu no jornal uma resenha sobre o livro de mesmo nome. O Clint tem a idéia, vai atrás, convence a Warner a bancar etc. Em The Changeling (ou The Exchange, há dúvida quanto ao título) ele chegou pra filmar um roteiro que foi oferecido pelos produtores Brian Grazer e Ron Howard. Outro mal sinal: trata-se a mesma dupla por trás de O Código da Vinci, A Luta pela Esperança e Uma Mente Brilhante (e eu gosto de Uma Mente Brilhante, mas reconheço que é um filme com várias falhas, sentimentalzinho, do tipo vamos ganhar o Oscar e tal).

Mas eis que The Changeling/The Exchange estréia em Cannes e rapidamente se torna um dos favoritos para a Palma de Ouro, que será entregue neste domingo. A história é interessante e baseada em fatos reais: em 1928, o filho de nove anos de uma americana chamada Christine Collins simplesmente desapareceu; cinco meses depois, a polícia trouxe até ela um menino que supostamente era seu filho, mas que ela tinha certeza de que era um impostor. E aí começa uma história muito sinistra, sobre a qual eu não estou lendo muito, porque nessas de ler sobre os filmes do Clint eu fiquei sabendo mais do que deveria sobre Menina de Ouro. Fato é que The Changeling/The Exchange está sendo elogiadíssimo pelos críticos, e muito comparado a Sobre Meninos e Lobos por também falar sobre violência contra crianças. A resenha menos entusiasmada veio da excelente Manohla Dargis, do New York Times, que colocou a culpa no roteirista e, é claro, na Madre Teresa de Hollywood. Escreve a Manohla: "Clint Eastwood has wrangled a number of unruly stars in his long directing career, but somehow he hasn’t been able to do the same with — or for — Angelina Jolie. (...) Despite Ms. Jolie’s hard work and Mr. Eastwood’s scrupulous attention, the difficult, fairly one-dimensional character fails to take hold. For much of the film, Christine weeps and pleads, begging the police for help and fending off disbelievers. She clings to hope, the problem being that Ms. Jolie, whose off-screen role as Angelina Jolie is so much more vivid and all-consuming than the parts she now plays on screen, this one included, does not come across as a clinger or a whiner or a pleader or even much of a waterworks. Like Joan Crawford, Ms. Jolie seems capable now of only playing variations on herself, which is why she was more persuasive holding back her tears as a steely Mariane Pearl in A Mighty Heart."

A resenha da Manohla me deixou ainda mais curiosa em relação a The Changeling/The Exchange. Porque, por um lado, é um filme estrelado por uma mulher que eu acho chatíssima como pessoa e medíocre como atriz, o que é absolutamente problemático já que eu sou do tipo de espectadora que só embarca na história se a atuação for convincente. Por outro lado, é um filme dirigido por um dos meus cineastas preferidos, um cara que, no fim, sempre dá certo, mesmo com história clichê ou ator ruim nas mãos. Estou louca pra saber se a fandom vai vencer a implicância, mas pelo jeito vou ter de esperar sentada, porque o filme só estréia em novembro nos Estados Unidos. Tô vendo que aqui vai chegar tipo em março de 2009.

PS - Enquanto o novo Clint não vem, uma dica: comprei uma edição especial de As Pontes de Madison por R$ 24 na Livraria Cultura. Na verdade, o único extra é um making-of que eu não assisti ainda, então essa edição especial é bem do tipo pega-trouxa. Mas a capa é tãaaaaaao linda...

Homem de Ferro

2008-05-11T12:15:00.000-03:00

Todo mês vou na banca comprar quadrinhos. Não consigo evitar: eu preciso saber o que vai acontecer, qual uniforme o Homem-Aranha está usando ou se o Capitão América morreu mesmo. Acho que é uma coisa de moleque, desde quando eu alugava fitas de videogame e uma das minhas favoritas era a dos Vingadores. Nesse jogo, o elenco do time contava, além do Capitão, o Gavião Arqueiro, Visão e o Homem de Ferro. Rá! Era nele que eu queria chegar.

Um dos meus favoritos de longa data. Um alcoólatra, um mulherengo, um zilionário. Ele sabe que é foda. O filme, assim como o primeiro Batman com Christian Bale, conta a origem do personagem. No caso, Tony Stark (Downey Jr.) é capturado por uma guerrilha afegã e, com o coração afetado por estilhaços de uma bomba que ele próprio criou e vendeu, é forçado a reproduzir a arma para os “bandidos”. Não só descumpre a ordem como foge da caverna com um protótipo do que viria a ser sua armadura, que utiliza uma fonte fantástica de energia, bolada pelo próprio.

Bom, eu não vou gastar nem uma linha analisando politicamente o filme no contexto de guerra dos dias de hoje porque isso vai simplesmente contra todos os meus princípios de interpretação de um blockbuster como esse, que é puro entretenimento. Gostei muito mesmo do filme justamente por isso. É diversão e efeitos especiais incríveis do começo ao fim. E é claro, as piadas são muito boas justamente porque combinam com o personagem, e o atores se encaixaram de maneira perfeita. A escolha de Robert Downey Jr. não poderia ser melhor para encarnar Tony Stark e a sensação é que muitas das tiradas do filme são, na verdade, improvisos do cara. Gwyneth Paltrow como Pepper Potts segura a onde muito bem e Jeff Bridges de vilão/mega-empresário escrotão (desculpem o termo...) é de dar medo.

Talvez alguém aí reclame que o Jarvis virou um super-computador e não um mordomo de verdade – o que gostam de exemplificar por aí como “o fã mais xiita de quadrinhos”. Não achei uma coisa tão terrível. Inclusive, essa é uma das adaptações das mais fiéis, diferente da trilogia X-Man que, se acerta em algumas coisinhas, como o ator que faz Wolverine ou o roteiro do segundo filme, também errou um absurdo ao deixar Noturno como um mero coadjuvante besta ou Ciclope como um garotinho metido da escola, quando ele é na verdade um líder com carisma e inteligência quase dignas de um Capitão América... PÉÉÉÉIM opa, alarme nerd tocando: já deu.

E DIGO MAIS: não vá embora. A parte “legal” dos créditos passa, vem uma tonelada de dados como “segundo marceneiro de plantão no set de filmagens e, no final mesmo, quando não tem mais nada lá, é que vem a cena extra.

Quanto Mais Quente Melhor

2008-05-04T12:13:00.000-03:00

Agora sim. Depois de anos de exílio e trabalho duro, este ausente colunista retorna. Só queria deixar bem claro que , apesar de estar postando aqui, estou ligadíssimo na discussão que está rolando ali embaixo, no post sobre o filme Apenas Uma Vez. Matenho-me neutro, mas observo com gosto. Continuem o ritmo.

Ok. Tempo atrás meu colega Daniel Marques, colunista do Ferrugem Nunca Dorme apareceu em casa com um VHS, um famoso fitão, o filme Quanto Mais Quente Melhor. É claro que tinha o Jack Lemmon e o Tony Curtis ali na capa, vestidos de mulher, o que é uma coisa engraçada por si só, mas também estava ali a Marilyn Monroe, que inevitavelmente atraiu meu olhar para o centro da imagem. Rá. Puxa vida, ela ainda está em toda parte, mas eu nunca tinha visto um filme com ela. E o fitão estava ali na minha mão. Gods, o outro morador e célebre estudante de Adminstração estava em casa comigo e, em um dia atípico, em que não tínhamos nada pra fazer, decidimos assistir o filme.

O lance é mais ou menos o seguinte: Jack Lemmon e Tony Curtis são dois músicos que, sem dinheiro e sem querer, acabam presenciando uma matança mafiosa. A partir dali, precisam fugir do chefão Spats Colombo e conseguir algum trocado. Acabam entrando em uma banda de baile, acontece que é uma banda feminina e, seus personagens Joe e Jerry se transformam em Josephine e Daphne. Adivinha quem é a vocalista da banda?

Acontece que esse filme, no original Some Like It Hot, não é simplesmente um filme que a Marilyn Monroe fez (claro que não, imbecil, olha só os atores que estão nele...). Sou um tanto leigo, e posso cometer grandes erros aqui, mas me parece que foi eleito por alguém em algum lugar como um dos melhores filmes de todos os tempos – ao lado do intocável Cidadão Kane. O que posso dizer, somente por mim, é que o filme tem uma elegância incrível, mesmo sendo uma comédia escrachada – em um sentido muito simples: Curtis e Lemmon passam a maior parte do filme vestidos de mulher. O diretor, Billy Wilder, faz tudo de uma maneira muito simples, a narrativa é enxuta e precisa, e tudo funciona muito bem. A grande força do filme está nos diálogos rápidos e ágeis, na atuação hilária do Curtis e Lemmon (que se transforma em um tribufú afetado) e é claro, na “presença de tela” de Marilyn.

É interessante notar como esse filme consegue trazer uma atmosfera estranhamente nova ao estilo comédia romântica. Hoje em dia esse tipo de filme está engessado em moldes que dão sono, e eu nem preciso citar exemplos. Por que será que não copiam essas idéias tão boas?

E DIGO MAIS: a piada do final do filme é uma aula de humor inteligente. E nessas horas você percebe: puxa vida esse filme é bom. E DIGO MAIS AINDA: sim, ela era sensacional, e quando eu digo isso, eu quero dizer naturalmente sensacional, sem aditivos. Não assisti a uma centena de filmes pra julgar sua atuação como atriz, entretanto e neste caso, a escolha para o papel é perfeita.

P.S.: Parece que o contrato da srta. Monroe dizia que todos os seus filmes deveriam ser rodados em technicolor. Este, de 1959, não é. Teria, por conta do efeito do tempo, o P&B deixado este longa-metragem ainda mais classudo?

Gosto de Sangue

2008-05-04T11:08:00.000-03:00

Às vezes a gente vê um filme sem prestar muita atenção e, com o passar do tempo, acaba esquecendo até de sua história principal. Já tinha visto Gosto de Sangue, não lembrava de quase nada, mas sabia que tinha gostado. Passei na Americanas, vi o DVD por R$ 12,90 e comprei para poder revê-lo.

Esse é o primeiro filme dos irmãos Coen. Até agora não conhecia muito do trabalho dos caras. Falha minha, confesso. Mas depois de Onde os Fracos Não Têm Vez decidi dar uma vasculhada e assistir a alguns de seus filmes mais antigos. Até porque entre os mais recentes tinha gostado bastante de E Aí, Meu Irmão, Cadê Você?, mas não gostei de O Amor Custa Caro, muito menos de Matadores de Velhinhas. Esses filmes, porém, não seguem a linha morte, perseguição, maldade, sangue e tensão de algumas outras fitas dos Coen.

Gosto de Sangue me deixou bastante nervoso. A história é simples: um cara descobre que sua mulher tem um caso com um de seus empregados, fica puto e contrata um maluco para assassinar o casal. Mas a partir daí é só reviravoltas e não dá para contar mais nada. O roteiro é fudido e muito bem pensado. As cenas são tensas e confesso que em alguns momentos absorvi essa tensão. Esse negócio de perseguição no escuro, pessoas entrando em casas sem fazer barulho e tal me deixa nervoso mesmo.

Todo o elenco é muito bom. Esse também é o primeiro filme da Frances McDormand. Ela está bem nova (com 27 anos) e já faz um excelente trabalho. Ela e o Joel Coen eram recém-casados quando o filme começou a ser produzido. Como ele tinha um orçamento muito baixo, e ela era atriz, deu tudo certo. Mas quem rouba a cena mesmo é o M. Emmet Walsh (esse que está ali no cartaz). Puta merda, esse cara é bom. Ele é o assassino contratado, e é cuzão demais, daqueles caras que dão raiva mesmo, e também solta umas frases sensacionais. Não lembrava de outros filmes que ele já tinha participado, mas dei uma olhada no IMDB e sua filmografia não é lá grandes coisas.

Agora preciso assistir a outras produções dos irmãos Coen. Dizem que O Grande Lebowski e O Homem Que Não Estava Lá são muito bons. Eu acho que devem ser mesmo. E DIGO MAIS: não vi e já gostei.

O Sonho de Cassandra

2008-05-02T21:33:00.001-03:00

Antes de começar a falar do novo filme do Woody Allen, gostaria de confessar que ele é um cineasta que eu ainda não decidi se gosto ou não. Meu amigo Juliano desconsidera todas as minhas opiniões sobre o assunto, por ter chegado à conclusão de que eu gosto de Woody Allen ruim. Isso porque eu gosto de uns filmes bem bobinhos dele, do tipo Dirigindo no Escuro, Scoop e Melinda e Melinda, e detesto com todas as forças Match Point, lixo cinematográfico que aparentemente agradou o mundo inteiro, menos eu, o Dunta e o Inácio Araújo. Por um tempo eu cheguei a achar que eu realmente não gostava do Woody Allen, porque o ódio que eu tenho por Match Point e aquele igualmente detestável A Outra (acho que é esse o título, é aquele que a mulher fica ouvindo as sessões do terapeuta que trabalha no apartamento ao lado) é bem maior que o amor que eu tenho por Noivo Neurótico, Noiva Nervosa ou Manhattan. Mas a verdade é que eu simpatizo muito com o Woody Allen e, ao contrário de muitos, acho ele um ator bem legal. Limitado, sim. Sempre igual, sim. Mas e daí? Cary Grant também era sempre igual, e grande parte da graça dele estava justamente na constante repetição de uma persona cinematográfica. No fim das contas, eu acho que não tenho um veredito final. Tenho que assistir mais filmes para saber.

Fato é que eu continuo dando chances para o Woody Allen, coisa que eu não faço sempre (François Ozon, por exemplo, é um que está fora da minha lista até segunda ordem, depois de uns quatro filmes xaropíssimos, o último deles tãaaaao grotesco que até dava dó, um lixão sobre um cara gay que tinha câncer mas antes de morrer queria engravidar uma menina, nossa, era grave). E assim, fui assistir O Sonho de Cassandra, a história dos irmãos Ian e Terry. O primeiro, interpretado por Ewan McGregor, é um cara ambicioso e bem frustrado por ter de cuidar do restaurante do pai, ocupação muito modesta para ele, que quer ser rico, andar com um carrão e etc. O segundo, interpretado por Colin Farrell, é um mecânico aparentemente mais conformado e tranquilo, mas que na verdade é completamente viciado em jogos de cartas. Tudo vai bem até que os dois passam a necessitar de muito dinheiro: Terry, porque perdeu uma grana preta no jogo; Ian, porque prometeu vida de rainha para uma bela mulher por quem se apaixonou. Howard, o tio rico dos dois, aceita ajudá-los, com uma condição: em troca deste financiamento, eles terão de matar um de seus rivais.

E aí começa Match Point - A Missão. Está tudo lá de novo: o assassinato, a culpa, o fator sorte, a longuíssima duração (não sei o tempo exato, mas pra mim o filme pareceu durar uma eternidade) e sobretudo os maus atores. Bem, o Ewan McGregor e o Colin Farrell não chegam a ser ruins como o Jonathan Rhys Meyers e a Scarlett Johansson (não quero nem saber, ela foi boa em um filme e mediana em dois, mas de resto só cagou e isso é fato, até o próprio Woody Allen, na hora de listar as qualidades dela numa entrevista publicada na Folha de quarta-feira, lembra de "linda, sexy, inteligente, divertida, espirituosa e boa para trabalhar" mas esquece de um adjetivo simples e fundamental: ta-len-to-sa), mas putz, eles estão bem ruins. Eu não sei bem o que aconteceu com o Ewan McGregor, porque que eu me lembre em algum momento pós-Trainspotting eu já achei ele legal (talvez em Peixe Grande, mas pra falar a verdade fiquei mais com o Albert Finney na cabeça), mas agora parece que cada vez que eu o vejo ele tá pior. O Collin Farell é outro que eu lembro de em algum momento ter tido uma boa impressão, acho que depois de ter assistido um filme com o Al Pacino chamado O Novato. Mas foi alarme falso, porque ele é ruinzão também.

Ou seja, esse é mais um filme do Woody Allen que eu achei ruim. Mas, pra falar a verdade, O Sonho de Cassandra não chegou a me incomodar como Match Point. E DIGO MAIS: primeiro eu achei que isso se devia à ausência da Johansson, ao respiro que eu pude dar sem aquela personagem absolutamente histérica gritando pra lá e pra cá. Mas depois eu li a resenha do Inácio Aráujo, publicada também na Folha desta quarta-feira, e achei explicação melhor. Escreve ele: "O crítico americano Roger Ebert compara este filme a Match Point de forma desfavorável. Considera que, naquela ocasião, Woody conseguiu tornar sublime um final inverossímil. Com todo o respeito, me parece que O Sonho de Cassandra tem o mérito, ausente em Match Point, da coloquialidade. Match Point carrega a tentação do grande cinema, o de arte: tem um aspecto tão pernóstico quanto a família londrina que hospeda o tenista. O Sonho de Cassandra tem mise-en-scène mais próxima dos policiais de série e uma pessoalidade que parece ausente em Match Point. Sobretudo quando o tio Howard aparece, nunca se sabe se estamos diante de uma comédia ou de um drama - e, no entanto, estamos conscientes de que os dois gêneros estão lá, quase que se cutucando. Mas não consegue evitar esse lado um tanto pretensioso de Allen, essa necessidade de parecer profundo." É bem isso que eu acho.

Apenas uma Vez

2008-04-30T00:04:00.000-03:00

Este singelo filme ganhou o Oscar de melhor canção original neste ano. Em partes, o prêmio foi justo. Digo em partes porque, dentre as canções indicadas, essas de fato era a melhor. Mas quem merecia o prêmio mesmo era qualquer uma das músicas que o Eddie Vedder compôs para o Na Natureza Selvagem, belo filme dirigido pelo Sean Penn e já comentado aqui no e digo mais.

Apenas uma Vez é um filme bem curtinho, tem apenas 85 min, tempo suficiente para me deixar bastante entedidado. Explico: a história é boa, e é um romance bem sensível. É o despertar de um sentimento de amor entre uma vendedora de flores e um cara que conserta aspiradores de pó. E é um Dublin né, isso ajuda para criar um clima legal. Por coincidência, os dois são músicos. Eles se juntam e cantam várias músicas, compõem juntos e se divertem. As músicas são bem legais, mas eles cantam toda hora, e não é um esquema típico de musical em que as músicas fazem parte do diálogo. As músicas, aqui, são músicas mesmo. Volta e meia eles falam assim "olha essa letra que eu compus", e começam a cantar. Aí eles entram em uma loja de instrumentos e falam "vamos cantar", e cantam. Aí lá pelo final do filme, quando eles já cantaram demais, eles decidem ir para um estúdio gravar suas músicas, e aí eles caaaaaaantam mesmo, o que acaba enchendo o saco.

Depois do filme eu fiquei sabendo que os atores do filme são mesmo músicos, e que depois das filmagens eles se apaixonaram e tal. E, aparentemente, eles não querem mais fazer filmes, e sim seguir em frente com a música, atitude que eu particularmente apóio bastante. Não gostei do filme, mas gostei bastante de sua trilha sonora. Canções simples e com boas melodias. Se não fosse um filme, e sim vários clipes, eu teria gostado bem mais. E DIGO MAIS: a música vencedora do Oscar chama Falling Slowly e é muito boa, mas eu prefiro uma que chama Lies, que você pode ouvir logo abaixo, ok? Ah, e se você clicar aqui, dá para ouvir todas as músicas do filme em seu site oficial.

E não esqueçam de acessar o Ferrugem e o Vermute para ler mais sobre música.

Worst moments in actor's speeches: Tom Hanks

2008-04-29T23:23:00.000-03:00

De todas as poucas seções que o E DIGO MAIS tem, "Worst Moments in Actor's Speeches" é a mais falida. Até hoje, publicamos apenas um post deste gênero, que foi inspirado no grande David Letterman. Se eu fosse sábia, continuaria deixando a seção às moscas, até que uma eventual reformulação de conteúdo e forma a excluísse do menu lateral. Mas eu sempre acho que, em caso de fracasso, o melhor a fazer é expô-lo mais ainda, então cá estou eu para o segundo episódio do festival "cagadas feitas no Oscar".

A cena que vamos ver hoje aconteceu em 1994, quando Tom Hanks ganhou o prêmio de melhor ator por Filadélfia. Eu não vi esse filme, então não posso falar se ele estava bem ou mal no papel (quer dizer, sendo esse blog o E DIGO MAIS eu até poderia, mas não vou). O que eu posso dizer é que eu acho o Tom Hanks um puta cara chato. E eu juro que não estou falando isso pra ser polêmica e/ou do contra, porque sei que quase todo mundo adora ele. Mas eu realmente acho ele muito chato, tanto na tela quanto fora dela. Pra mim, trata-se de um ator ok, muito superestimado, e de uma pessoa sem graça, muitíssimo bo-ring.

E DIGO MAIS: me lembro de dois exemplos recentes de situações em que eu quase passei mal de tanta vergonha alheia por esse cara. Uma foi, se não me engano, no Globo de Ouro de 2007, quando ele foi dar o prêmio honorário pro Warren Beatty e repetiu setenta e cinco vezes uma piada cretina sobre as bolas do homenageado, que era tipo "Warren Beatty has balls (pausa para a platéia rir), and by balls I mean artistic vision". Sério, do jeito que eu tô escrevendo aqui tá sendo mais engraçado do que ele de fato falando, o que foi muito constrangedor. A outra Situação foi no Oscar de 2006, quando ele foi pro palco falar sobre as regras do bom discurso, uma versão resumida de um vídeo ridículo que ele, na posição de vice-presidente da Academia, mandou para todos os indicados. Esse vídeo era basicamente ele dando sete dicas para as pessoas falarem bem, do tipo não ultrapasse 45 segundos, não demore para chegar ao palco, faça uma piadinha, ou seja, era basicamente ele dando sete jeitos de ferrar com um momento bacana da vida dos indicados. Não satisfeito com esse vídeo, o Tom Hanks foi no palco no início da cerimônia, e simulou uma cena grotesca com umas pessoas vestidas de violino e contrabaixo, que meio que representavam a orquestra que corta as pessoas quando elas fazem discursos muito longos. Aí vocês imaginam o Tom Hanks se debatendo com o violino, que belezinha. Mas o que mais me intriga é que o senhor caga-regra sobre o qual estamos falando é ninguém mais ninguém menos do que o autor da seguinte caca (cliquem no link porque quem postou o vídeo no YouTube não deixou colar):

Assista o discurso de Tom Hanks

Pensando bem, retiro o que eu disse: o Tom Hanks é realmente a pessoa certa pra dar lição sobre o Oscar, porque vejam vocês, caros leitores, como até na hora de agradecer um prêmio ele consegue falar como se tivesse dando aula. "Here is what I know", começa ele, introduzinho o que serão três longos minutos de um blá blá blá tão bo-ring quanto ele. Ele faz uma piada (e de todas as possíveis piadas a serem feitas sobre o Antonio Banderas, por si só uma figura zuada, ele faz a pior), a platéia até dá aquela risada de educação, ele continua, e é tão chato e tão difícil de prestar atenção que eu me sinto o Charlie Brown diante de um dos adultos que falam aquela língua incompreensível.

Aí beleza, a coisa vai, vai, vai, até que ele tem a delicadeza de contar pra todo mundo que o professor de teatro dele no colégio era gay. Detalhe que o cara não tinha saído no armário, mas pô, não é culpa do ultimate nice guy Tom Hanks. Ele só estava prestando uma homenagem a todos os gays do mundo, e a regra mundial da finesse diz que é totalmente elegante ficar falando que fulano e ciclano são gays no seu discurso de agradecimento.

E aí a coisa vai caminhando até que ele comete o mesmo erro que a Halle Berry, primeiro alvo do meu ataque: fala do Oscar como se aquilo fosse uma puta coisa fundamental na existência da humanidade, como se aquilo representasse alguma coisa mais que um mero prêmio da indústria e para a indústra, que a gente adora acompanhar mas que é uma tontice sem o menor cabimento e que não vai mudar necas no mundo. E se não chega a chorar, o Tom Hanks consegue inserir um novo problema nessa coisa toda, que é uma linguagem metida a besta e sobretudo babaca: "I know my work in this case is magnified by the fact that the streets of heaven are too crowded with angels. We know their names - they number a thousand for each one of the red ribbons that we wear here tonight. They finally rest in the warm embrace of the gracious creator of us all - a healing embrace that cools their fevers, that clears their skin, and allows their eyes to see the simple, self-evident, common-sense truth that is made manifest by the benevolent creator of us all and was written 'down on paper by wise men, tolerant men, in the city of Philadelphia 200 years ago." Em outras palavras: "blá blá blá blá zzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzzz". Ah, e não esqueçamos da chave de ouro: "God bless you all, God have mercy on us all, and God bless America!". Ou seja: o horror, o horror, o horror.

PS - Preferi ignorar a citação ao Neil Young.

Morango e Chocolate

2008-04-22T23:09:00.000-03:00

O filme que é tema deste post, dirigido por Tomás Gutiérrez Alea e Juan Carlos Tábio, é a primeira produção cinematográfica de Cuba que eu assisto na vida. Pra falar a verdade, se me pedissem pra associar Cuba e cinema, logo me viria à cabeça o documentário Buena Vista Social Club do Win Wenders. A verdade é que eu pensava que em Cuba o pessoal nem fazia filme direito, e se fazia era alguma propaganda da Revolução disfarçada de cinema.

Bem, há cerca de dois meses eu comecei a pesquisar sobre esse país tão diferente, a conversar com cubanos que moram no Brasil e a tomar o que meu professor chama de "banho de Cuba". Trata-se, basicamente, de tentar conhecer a ilha não tanto pela biografia do Fidel Castro, o livro-reportagem do Fernando Morais ou as análises do Emir Sader, e sim por filmes, livros e músicas cubanas. E DIGO MAIS: nesse comecinho de banho, já descobri duas coisas sobre o cinema em/de Cuba: 1-) os filmes americanos chegam antes lá do que aqui no Brasil (pirateados, mas chegam); 2-) se há censura no cinema, Morango e Chocolate escapou super.

Sintam a história desse filme: David é um jovem que chegou à universidade devido à Revolução e, por isso, se tornou militante comunista. Ele fica amigo de Diego, um professor que faz trabalhos artísticos que o regime não permite e tem coisas proibidas do tipo uísque e livros do Vargas Llosa, e além disso é homossexual. Como vocês podem ver, não se trata nem um pouco de propaganda da Revolução, e realmente me intriga o fato de esse filme ter sido sucesso em Cuba e até ter recebido indicação ao Oscar de Filme Estrangeiro. Estão aí duas boas questões: como conseguiram produzir um filme tão questionador em Havana, e o quão irônico é ver um filme cubano ir parar na festa que celebra a excelência do cinema norte-americano. No fim, acho que Morango e Chocolate é mais interessante por trazer questões como essas, e por mostrar o quanto a gente não conhece Cuba, embora em alguns momentos a história se concentre no desenvolvimento da amizade entre os dois e ganhe uma cara mais universal. É quando o filme deixa de focar no que significa ser questionador/homossexual em Cuba e fica mais naquela coisa de aprenda-a-respeitar-a-diferença (por isso eu acabei me lembrando de Ninguém é Perfeito, aquele filme no qual o Robert De Niro é um cara preconceituoso que acaba tendo como único amigo um homossexual interpretado pelo Philip Seymour Hoffman). Não é que o filme não seja bom. É que, pra mim, a História ofuscou a história.

Um Beijo Roubado

2008-04-10T21:29:00.000-03:00

Eu me lembro bem da expectativa que todo mundo tinha em relação a esse filme quando ele abriu o Festival de Cannes do ano passado. Ia ser o máximo, filme do ano, filme pra concorrer ao Oscar ou pra pelo menos ser o preferido dos cabeças Depois da sessão, quase todos os jornalistas fizeram comentários negativos, e sobretudo decepcionados, afinal, todo mundo esperava mais da nova produção do celebradíssimo Wong Kar Wai. Eu não conheço muito o trabalho dele, mas adoro cinema asiático até quando o cinema asiático é ruim, portanto suponho que o hype deva ser merecido. Agora, verdade seja dita, achei esse Um Beijo Roubado uma droga.

O filme é tipo um road movie moderno: tem uma menina bonitinha (Norah Jones, aquela cantora de "Come Away With Me") que leva um fora do namorado e bem nesse dia conhece um dono de lanchonete (Jude Law) de quem ela fica amiga. Ela vai lá direto, eles conversam, ela come torta de blueberry, ela dorme, até que um dia, justo quando tudo parece estar bem, sabe-se lá porque ela decide sair pela estrada e ir pra uma cidadezinha no meio do nada ser garçonete. Nessas viagens ela conhece pessoas zuadas como uma menina descolada e cheia de problemas que happens to be tipo a melhor jogadora de pôquer ever (Natalie Portman), um policial bonzinho e alcóolatra (David Strathairn) que sofre por ter sido abandonado pela esposa bonitona mas meio zuada (Rachel Weisz). E é isso. Não tem muita história, não acontece muita coisa, e pra falar a verdade as melhores cenas são umas nas quais o Kar Wai dá um close na torta e a gente fica olhando o sorvete de creme escorrer no meio das frutinhas. Não é nada sensacional mas, putz, pelo menos não tem nenhum ator falando besteira. E os atores todos estão mal, ou pelo menos chatos, irritantes, bo-ring. E eu nem achei a Norah Jones a pior, embora não veja a menor graça em botar pra atuar uma cantora certinha, seriazinha e sem salzinha igual a ela (quando o David Bowie atua, ok, ele é o David Bowie, qualquer coisa que ele fizer vai ser no mínimo bizarro e engraçado). Mas a pior mesmo é a coitada da Rachel Weisz, coitada, tá forçaaaaada, tendo que andar de um jeito pseudo-sexy, falar meio em câmera lenta e fazer um sotaque ridículo. E DIGO MAIS: o problema nem é falta de talento. O problema é que ela e os outros atores não têm nada a ver com a estética do Wong Kar Wai. Uma coisa é ver um filme asiático com aquela fotografia estourada de vermelho e laranja, aqueles cortes diferentes, aquelas cenas em câmera lenta seguidas de várias tomadas de trem passando ou de close do sorvete escorrendo na torta, etc. Aí beleza, combina. Um Beijo Roubado não combina. Não tem nada a ver. Eu olhava aquilo e achava tudo falso. E o roteiro é tão ruim e a história é tão chata que, quando o filme acabou, eu fiquei pensando: e daí? Ela foi viajar, mas...e daí? Ela saiu em busca do auto-conhecimento ou sei lá qual outra babaquice, mas...e daí? Ela conheceu um monte de personagem xarope, mas...e daí? O sorvete escorre na torta, mas...e daí? A fotografia do filme é bonita, mas...e daí? Eu não conheço muito da obra do Wong Kar Wai, mas acho que não deveria pensar "e daí" ao sair de um filme dele.

A Família Savage

2008-03-30T09:49:00.000-03:00

Laura Linney e Philip Seymour Hoffman são, para mim, dois dos melhores atores da atualidade. Ela eu conheci em Sobre Meninos e Lobos, de 2003. Ele me impressionou antes, em Magnólia, de 1999, mas andou um pouco em baixa comigo devido à extrema irritação que me causou Capote (2005). Sendo o Capote real um puta chato, pode-se dizer que o fato de o Philip Seymour Hoffman ter me irritado só torna a atuação melhor ainda. Talvez. Quando saí da sessão, junto com amigos que escrevem e comentam no E DIGO MAIS, criei polêmica por desdenhar um pouco do trabalho do Philip. É difícil explicar o motivo, deve ser questão de gosto mesmo: eu não gosto de imitação de gente famosa e performance caricata, mesmo quando a performance tem que ser caricata porque a pessoa famosa que está sendo imitada era caricata. A verdade é que eu acho Capote um dos papéis menos interessantes do Philip. Isso porque nesse filme ele não usa uma das principais qualidades dele, qualidade essa que a Laura também têm: cara de gente comum, cara de gente que é fácil encontrar no metrô, na rua, em qualquer esquina.

Acho que essa característica é uma qualidade porque tipo, se colocarem o George Clooney pra interpretar um professor e escritor frustrado com problemas de comprometimento e que mora num apartamento zoneado, eu provavelmente vou pensar: olha o George Clooney vestido de professor e escritor frustrado. Se colocarem a Charlize Theron pra interpretar uma dramaturga frustrada que tem um caso com o vizinho casado e está no auge da crise de meia-idade, eu provavelmente vou pensar: olha a Charlize Theron vestida de dramaturga frustrada. São papéis muito comuns pra atores com muita cara de capa de revista. Esses personagens que eu descrevi são os que o Philip Seymour Hoffman e a Laura Linney interpretam em A Família Savage. E os dois estão tão perfeitos que eu não pensei nada, só embarquei. Isso porque eles atuam de um jeito tão natural que é como se nem estivessem atuando. É como se o Philip e a Laura fossem, de fato, a família Savage, o que só confirma, pela enésima vez, o talento desses grandes atores.

No filme, eles são irmãos que têm pouco contato entre si e nenhum contato com o pai (o excelente Philip Bosco, palmas pra esse cara). A roteirista e diretora Tamara Jenkins não explica pra gente o que exatamente o pai fez para os dois, apenas mostra que os filhos são bem traumatizados com a falta de carinho dele e com o abandono da mãe, que um dia saiu pra encontrar outro homem e nunca mais voltou. O reencontro com o pai acontece depois que a namorada dele morre e os filhos dela se recusam a cuidar do pobre velho, que têm uma doença degenerativa. Os Savage, então, colocam o pai em um asilo, e com isso acabam tendo de enfrentar muitas coisas: o passado, a vida cretina que eles têm, os arrependimentos. Aos 40 anos, os dois têm de crescer.

Contando assim a história parece ser super triste, e é. Primeiro porque tudo que se relaciona a asilo é triste, e segundo porque a vida dos dois irmãos é tão deprimente que você chega a pensar que o velho está em melhor situação que eles. Mas, ao mesmo tempo, o filme é muito engraçado, cheio de piadas e situações divertidas. A grande sacada da Tamara Jenkins é usar o humor, e não o sentimentalismo, pra falar de um assunto super triste. As cenas são sempre tragicômicas (hahaha, especial pra você, Juliano), e por isso muito mais interessantes, além de mais reais. A Família Savage é uma espécie de anti-Elsa e Fred: aqui, a velhice não é uma fase fofinha, cheia de oportunidades e viagens românticas para a Itália. Aqui, a velhice é uma droga. Em uma cena sensacional o Philip Seymour Hoffman vira pra Laura Linney e diz que pouco importa se o asilo tem vista para o mar ou não, porque a vista não é para os pacientes e sim para aliviar a culpa de quem deixa o paciente ali. E aí ele fala algo do tipo: a velhice não é bonita, a velhice não tem nada a ver com paisagem e qualidade de vida, a velhice é triste e quase sempre tem a ver com merda, mau cheiro e fralda. E DIGO MAIS: Elsa e Fred é muito divertido e gostoso de assistir. Mas, pra mim, o melhor cinema é o que nos faz pensar sobre as coisas como elas são e não o que nos oferece consolo. Abaixo, o trailer.

À Meia-Noite Levarei Sua Alma

2008-03-19T20:01:00.000-03:00

O responsável pelo post de hoje é o nosso amigo Felipe Mendes, um dos redatores do Vermute com Amendoim, blog sobre samba que vale a visita. Nessa participação especial no E DIGO MAIS, ele fala sobre um clássico de José Mojica Martins:

1964. William Friedkin nem pensava em dirigir O Exorcista e George Romero ainda tinha na cabeça a idéia de A noite dos mortos-vivos. Quatro anos antes o terror tinha tomado um novo rumo com Psicose e o caminho estava aí para quem quisesse seguir. Mas em meio a tantos gênios do terror por aí, ninguém imagina que nasceria um clássico na terra tupiniquim.

Então, José Mojica Marins, o Zé do Caixão, lança À Meia-Noite Levarei Sua Alma, o primeiro filme de uma trilogia que conta com Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver, de 1966 e encerrada apenas em 2006 com A Encarnação do Demônio. Na trilogia, a saga de Zé do Caixão é conceber um filho com a mulher perfeita para propagar sua linhagem.

Com recursos escassos, Mojica é capaz de deixar os espectadores presos à tela. Seu terror cru, irônico e cheio de demonstrações anticristãs, como a cena em que ele não apenas come uma perna de cordeiro (sim, o cordeiro de Deus) na sexta-feira santa, mas obriga outros a comerem também, choca os mais desavisados.

O ator e cineasta também usa recursos pouco difundidos no cinema brasileiro até então, como o surpreendente contra-plongé (cena captada de baixo para cima) que aparece em uma cena de briga dentro do bar. Entre os atores do filme vale destacar o senhor no balcão do bar, que se esforça para demonstrar o horror do momento. É o pai de Mojica, que foi convidado para participar do filme.

Em resumo, o filme é impressionante. A cena do bar que destaco é uma das que mais me impressionou. Vale a pena assistir. E DIGO MAIS: Enquanto no Brasil os filmes de Mojica seguem amargurando um cantinho esquecido nas locadoras, na Europa o cineasta é bem mais reconhecido e já foi tema de diversas mostras. É de se pensar.

Sabrina

2008-03-16T21:23:00.000-03:00

Uma das coisas que eu mais gosto nos filmes antigos é a elegância das pessoas. Mesmo o mais pobretão dos protagonistas de comédia romântica dos anos 40/50 veste um belo terno, e mesmo a mais secundária das atrizes desfila um penteado impecável. Tudo bem, hoje as atrizes ainda são lindas, mas nenhuma delas têm o porte de uma Audrey Hepburn, uma magrelinha de cabelo curtinho que com esse jeito inocente e charmoso tornou-se um dos rostos mais definitivos do cinema. Eu não vi muitos filmes da moçoila, então não sei dizer se gosto dela tanto quanto o mundo parece gostar. Mas, de fato, se eu fosse fazer uma lista das mulheres com mais screen power, Audrey Hepburn estaria lá.

Sabrina é um dos primeiros filmes dela em Hollywood, lançado em 1954 e dirigido por Billy Wilder. No começo da história a Audrey é uma menina bonita, mas meio maria mijona, que ama um cara mulherengo e bobão que happens to be um dos milionários para quem o pai dela trabalha como motorista há 25 anos. Pra desencanar ela vai passar uma temporada de dois anos em Paris. Quando volta para casa - tcharan - a maria mijona vira a mulher mais sofisticada do mundo (aliás, a julgar por esse filme a França é o lugar mais maravilhoso que existe, do tipo vá-e-volte-repaginada). Aí o cara fica a fim dela, mas como ele já tem um casamento de conveniência marcado, o irmão mais velho dele, que só pensa em trabalho, decide interferir no caso. A tática: fazer a menina se apaixonar por ele e esquecer o outro.

O William Holden está bem como o mulherengo que só quer se divertir, mas eu gostei mesmo do irmão trabalhador, interpretado por ninguém mais ninguém menos que Humphrey Bogart (num papel recusado por Cary Grant). Porque putz, o Humphrey Bogart é excelente. Nos extras do DVD tem um mini-documentário no qual um cara xis da Paramount diz que o Boggie "fazia parecer que atuar era muito fácil". E é exatamente isso. O cara é tão natural que parece que não faz esforço nenhum pra atuar, como se ele de fato fosse o que ele interpreta, seja o gângster perigoso de Beco Sem Saída, o investigador esperto de Falcão Maltês, o homem mais triste do mundo de Casablanca, o empresário que não tem vida afetiva de Sabrina, ou qualquer outro papel (eu só não gosto dele em Uma Aventura na África, curiosamente o filme pelo qual ele ganhou o único Oscar da carreira). E DIGO MAIS: a Audrey é ótima, mas, pra mim, Sabrina vale principalmente pelo Boggie. Abaixo, um videozinho da minha cena preferida do filme: ela toda charmosa e ele com aquele jeito meio entediado que lhe é peculiar.

Divagando: Oscar 2008 - resultados

2008-02-25T23:15:00.001-03:00

Meses e meses de especulação e - tcharan - acabou. As estatuetas foram entregues e, agora, Oscar só no ano que vem. O dia depois da cerimônia é sempre meio babaquinha, porque sempre parece que as três horas em frente à TV foram mega power bo-ring. Com raríssimas exceções, do tipo o ano em que Menina de Ouro ganhou 4 prêmios, eu sempre acabo preferindo o anúncio dos indicados que a premiação em si. As indicações são mais animadas, porque tem sempre uma Laura Linney pra aparecer do nada, enquanto no dia mesmo as coisas vão saindo conforme o planejado e é meio xarope. Esse ano teve algumas surpresas, é verdade, mas nenhuma enorme o suficiente pra fazer valer a expectativa gigantesca que a greve dos roteiristas criou. Além disso, esse ano não tinha nenhum Clint pra eu torcer super ou um Os Infiltrados pra eu torcer super contra. Sim, eu queria muito que a Julie ganhasse e ela perdeu pra french. Ok, eu não curti, mas não chegou a ser revoltante como foi o Clint perder diretor para o Scorsese depois de fazer um clássico dos anos 2000 chamado Cartas de Iwo Jima. E sim, a Tilda Swinton, minha coadjuvante favorita, surpreendeu ao ganhar o prêmio (e também por achar que aquele saco de lixo customizado que ela estava usando seria socialmente aceito como vestido). Ok, eu curti, mas não foi tão sensacional como ver o Sean Penn ganhar Melhor Ator e ser aplaudido de pé numa noite ridícula em que O Senhor dos Anéis ganhou tudo. Resumindo: foi tudo muito so-so.

De qualquer forma, houve coisas boas. Eu sou fã do Jon Stewart e achei que ele foi muito bem na apresentação. Nada genial, mas pelo menos ele não fez nenhuma coisa tão constrangedora quanto passar aspirador de pó no meio da platéia (coisa que a Ellen fez ano passado). E apesar de eu admirar o trabalho do P.T. Anderson, gostei muito de ver os irmãos Coen levarem o prêmio, sobretudo porque eles pareciam não estar dando a mínima praquilo. Quando o Scorsese apareceu pra entregar o prêmio eu me lembrei do quão patético ele foi na temporada passada, deixando claro que tava se matando pra ganhar, sendo que ok, é lógico que todo mundo quer ganhar, mas ele dava a entender que aquilo era uma coisa que faltava na vida dele. Isso é muito ridículo, ainda mais pro Scorsese. Um cara que fez Taxi Driver e Touro Indomável não deveria embarcar nessa pataquada e sim saber que a contribuição que ele deixou é muito maior que o Oscar. Os irmãos Coen chegaram lá, não se alteraram minimamente e ainda disseram umas coisas engraçadas do tipo "thank you for letting us continue to play in our corner of the sandbox". Citando novamente o David Carr, "they were gratified by the recognition from a club they would not join even if it would end world hunger." Que bom.

O melhor discurso da noite, pra mim, foi o do Javier Bardem, que misturou inglês e espanhol, foi rápido e preciso. O pior eu achei o da Marion Cotillard, e eu sei que parece perseguição minha porque eu torcia pra Julie Christie, mas gente, por favor..."thank you life, thank you love, and it's true, there are some angels in this town"???? Não dá, né? Thank you life, thank you love não dá.

E o que não dá também é pra Academia querer dar prêmio de canção original. Sério, vamos abolir essa categoria. Vamos abolir porque os caras fazem muita besteira. Ok, esse ano a melhor música ganhou, e eu achei muito legal a Academia deixar a menina voltar ao palco para agradecer o prêmio, porque a cortada que deram nela foi das mais tristes que eu já vi. Mas mesmo assim, essa categoria nunca deu certo. Lembram-se ano passado quando a gente quase morreu ouvindo três músicas de Dreamgirls no melhor estilo vamos-berrar-e-tremer-o-beicinho? Bem, esse ano a gente teve que ouvir três músicas do tal Encantada, um filminho da Disney que eu não vi e não gostei. Sendo que ok, nada contra música de desenho, mas essas aí eram péeeeeessimas. Os atores que cantavam não tinham voz, as dancinhas eram constrangedoras, os figurinos eram ridículos, tudo era patético. Aí vem uma outra música de outro filme, um tal August Rush, que conseguiu fazer um coral de negros soar mal. E durante todas as apresentações eu só pensava em duas palavras: "Eddie" e "Vedder". Eu não gosto muito do Pearl Jam, mas pô, a música do cara é parte fundamental de Na Natureza Selvagem, e mesmo se não fosse, não dá pra "Guaranteed" perder indicação pra qualquer lálálá de Encantada. E DIGO MAIS: eu poderia citar muitos outros casos de zueira do Oscar na parte de música, mas vou ficar só com o mais emblemático: em 1998, "Miss Misery" do Elliott Smith perdeu pra "My Heart Will Go On" da Celine Dion. E tipo, é verdade que eu comprei o CD do Titanic por causa dessa porcaria de música, mas eu tinha 12 anos, eu podia fazer essas cagadas. Um bando de adultos gostar daquela meleca é inaceitável. Mas enfim, esse é o Oscar: zuado. Segue a lista dos vencedores, abaixo:

Filme: Onde os Fracos não têm Vez
Diretor: Joel e Ethan Coen, por Onde os Fracos não têm Vez
Ator: Daniel Day-Lewis, por Sangue Negro
Atriz: Marion Cotillard, por Piaf - Um Hino ao Amor
Ator Coadjuvante: Javier Bardem, por Onde os Fracos não têm Vez
Atriz Coadjuvante: Tilda Swinton, por Conduta de Risco
Roteiro Original: Juno
Roteiro Adaptado: Onde os Fracos não têm Vez
Filme Estrangeiro: The Counterfeiters (Áustria)
Documentário: Taxi to the Dark Side
Documentário de Curta: Freeheld
Animação: Ratatouille
Direção de Arte: Sweeney Todd - O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet
Fotografia: Sangue Negro
Figurino: Elizabet - A Era de Ouro
Montagem: O Ultimato Bourne
Maquiagem: Piaf - Um Hino ao Amor
Trilha Sonora: Desejo e Reparação
Canção Original: "Falling Slowly", do filme Once
Curta (animação): Peter and the Wolf
Curta (live action): Le Mozart des Pickpockets
Edição de som: O Ultimato Bourne
Mixagem de som: O Ultimato Bourne
Efeitos Visuais: A Bússola de Ouro

Divagando: Oscar 2008

2008-02-24T16:19:00.000-03:00

Bom, como a Luísa disse abaixo, hoje é dia de Oscar. E nós do E DIGO MAIS nos importamos sim com a festa. Mas antes de dar meus palpites sobre as categorias principais, falo rapidamente sobre dois excelentes filmes (e indicados à premiação) que vi no último final de semana. São eles: Sangue Negro e Sweeney Todd.

Sobre Sangue Negro, o resultado não poderia ter sido melhor. O filme é a combinação perfeita do trabalho de três excelentes profissionais: Paul Thomas Anderson, Daniel Day-Lewis e Jonny Greenwood, respectivamente diretor, protagonista e compositor da trilha sonora do filme.

A história pode parecer simples, mas não é. No início do século XX, Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) encontra petróleo em uma das minas em que estava escavando, e desenvolve uma técnica para extrai-lo da região. Rapidamente ele se torna um magnata, e seus projetos tomam uma dimensão ainda maior quando Paul Sunday (Paul Dano), em troca de 500 dólares, o aconselha sobre uma região com imenso potencial petrolífero. Daniel viaja para lá com seu filho adotivo (Dillon Freasier), e arranja um inimigo: o pastor Eli Sunday, também interpretado por Paul Dano. A partir daí não tem muito mais o que falar, porque qualquer detalhe extra pode estragar surpresas, e nada do que eu falar aqui pode atingir a grandiosidade do trabalho realizado pelo diretor em cada cena do filme. Como a Luísa disse, dá para perceber como foi complexo o trabalho de direção, e como cada cena foi mesmo milimetricamente pensada.

O grande destaque é mesmo a atuação de Daniel Day-Lewis que, como eu já havia dito em um outro post, é um dos meu atores preferidos atualmente. Cada frase de seu personagem é dita com tanta verdade, e a sua personalidade é tão bem construída, que não dá para imaginar outro ator fazendo o papel em seu lugar. Inclusive o diretor Paul Thomas Anderson só decidiu fazer o filme quando o Daniel Day-Lewis aceitou o papel de protagonista. Escolha perfeita.

E DIGO MAIS: tudo no filme merece um pouco de destaque. A atuação do pequeno Dillon Freasier, do Paul Dano, a fotografia, a edição, a montagem, tudo em um grande estilo épico. E o que ajuda bastante para a construção desse clima é a excelente trilha-sonora composta por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead. É uma trilha bastante diversificada e perturbadora, mas que combina muito com a trajetória do Daniel Plainview. Vale a pena dar uma ouvida, mas ela só vai ganhar significado mesmo quando você assistir ao filme.

>>leia e ouça mais sobre rock no Ferrugem Nunca Dorme

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Outro grande filme que eu vi foi o Sweeney Todd - O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet. Esse, para mim, não tinha como dar errado. Afinal, fantasia + violência + Tim Burton + Johnny Depp + musical não tem como não funcionar comigo. Muita gente torceu o nariz para o filme, principalmente por causa da cantoria. De fato ele engata uma música em outra, e quem não é muito fã do estilo pode ficar um pouco incomodado. Mas as cenas são tão boas e divertidas, com um visual excelente - bastante cinza e vermelho - e a trama é tão redonda e bem-desenvolvida que, para mim, não houve do que reclamar.

O mais legal é que o Tim Burton usou todos os grandes atores ingleses, e pouco se importou se eles sabiam cantar ou não. Fica claro que quase todos não sabem, especialmente o Johnny Depp, mas a atuação dele se sobrepõe a esse detalhe, e ele manda muito bem como o barbeiro degolador da rua Fleet.

Na trama, Johnny Depp é um excelente barbeiro e possui uma bela família até que o injusto juiz interpretado por Alan Rickman decide expulsá-lo da cidade e prendê-lo por um crime que ele não cometeu. Quinze anos depois, ele volta disposto a se vingar, e assim o faz degolando cada membro da hipócrita sociedade em que vive. Para isso, ele recebe uma ajudinha da excelente Helena Bonham Carter, que cede um espaço para o Johnny Depp montar uma barbearia e, em troca, usa a carne dos assassinados para fazer tortas.

Tudo bastante excêntrico e sangüinolento em um estilo Tim Burton que, por mais que muita gente diga que já cansou, eu continuo gostando cada vez mais. E DIGO MAIS: o excelente Sacha Baron Cohen, mais conhecido pelo Borat, dá as caras e praticamente rouba a cena no pouco tempo em que aparece. É mesmo um puta ator.

Aproveito o espaço para dar meus palpites para o Oscar 2008

MELHOR FILME

Dos cinco indicados só não assisti ao Conduta de Risco, por isso não opino sobre ele. Dos outros quatro, Desejo e Reparação é um dramalhão chato com um final ruim, e Juno é bobinho. Sobram Sangue Negro e Onde os Fracos Não Têm Vez. Os dois são excelentes, mas meu voto é para Sangue Negro pela grandiosidade do projeto e, especialmente, pela atuação de Daniel Day-Lewis.

Vai ganhar: Onde os Fracos Não Têm Vez

Se eu votasse: Sangue Negro

Faltou na lista: Senhores do Crime

MELHOR DIRETOR

Na briga entre Paul Thomas Anderson e os Irmãos Coen, fico com Paul Thomas Anderson. Onde os Fracos Não Têm Vez de fato é um trabalho admirável, em que todos os atores são bem dirigidos e as cenas são muito bem sacadas. Mas pela originalidade e grandiosidade do projeto de Paul Thomas Anderson que, para mim, não tem falhas, o meu voto é para ele.

Vai ganhar: Joel e Ethan Coen, por Onde os Fracos não têm Vez

Se eu votasse: Paul Thomas Anderson, por Sangue Negro

Faltou na lista: Cristian Mungiu, por 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias

MELHOR ATOR

Concordo com a Luísa que essa é uma das melhores desse ano. Como disse, não assisti a Conduta de Risco, então não opino sobre o George Clooney. Mas os outros quatro foram excelentes, e todos mereceriam o prêmio se não fosse por Daniel Day-Lewis, que é o grande trunfo do Sangue Negro.

Vai ganhar: Daniel Day-Lewis, por Sangue Negro

Se eu votasse: Daniel Day-Lewis, por Sangue Negro

MELHOR ATRIZ

A briga aqui fica entre Julie Christie e Marion Cotillard. O meu voto vai para a segunda que, em Piaf, faz mais do que o Jamie Foxx fez em Ray. Naquele caso o prêmio foi indiscutível. Nesse caso não é porque ela é francesa. Torço por ela, mas se a Julia Christie ganhar também vai ser merecido.

Vai ganhar: Julie Christie, por Longe Dela

Se eu votasse: Marion Cotillard, por Piaf - Um Hino ao Amor

MELHOR ATOR COADJUVANTE

O Casey Affleck está ótimo em Jesse James, mas ainda não é a vez dele. Meu voto é para Javier Bardem, que teria merecido o prêmio só pela arregalada de olho que ele dá na primeira cena de Onde os Fracos... Excelente atuação. Os outros indicados eu ainda não vi.

Vai ganhar: Javier Bardem, por Onde os Fracos não têm Vez

Se eu votasse: Javier Bardem, por Onde os Fracos não têm Vez

Faltou na lista: Paul Dano, por Sangue Negro

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

A Saoirse Ronan não me impressionou muito em Desejo e Reparação. A Ruby Dee está boa, mas nada fora do normal e talvez ganhe porque está velha e nunca ganhou. Meu voto, por isso, é para a Cate Blanchett, que está muito bem em sua versão de Bob Dylan. Gosto da Tilda Swinton, e a Amy Ryan ganhou vários prêmios, mas ainda não assisti aos filmes.

Vai ganhar: Cate Blanchett, por I'm Not There

Se eu votasse: Cate Blanchett, por I'm Not There